艺术及设计历史发展

A. 为什么说艺术设计的发展历史就是人类的文

但概括的讲呢，在人类文明发展的各个阶段，都会体现出不同的意识形态，而这种意识形态又会附着和体现在当时的物质产物上。随着人类的不断进化，这种体现的方式也不断改变。所以，如果把不同时期的，所能体现当时人类活动和价值观的物质产物罗列在一起，就能很清晰的看到人类文明进化的历程。
比如，如果你把每隔两千年的，当时人类所使用的饭碗收集罗列在一起，就能很清晰的看到人类是如何从野蛮进化到文明的，从艺术层面讲呢，不同时代的碗的不同造型，款式和花式能直接体现出当时人类的审美情趣，工艺技术甚至生活状态。

B. 西方艺术设计的历史大致可分为那几个时期

关于西方艺术史，尽管不少老师多次强调它对于提高艺术鉴赏力和夯实美学基础的重要性，遗憾的是大学课堂并未讲授，我只能自己到文艺书厅翻阅那些精美的画册，感叹于《泉》那样优美的裸体绘画，还有出土的断臂维纳斯、恢宏的罗马斗兽场、巍峨的哥特式教堂，等等，都给我留下过深刻的印象。因此常常神往像叶芝那样《驶向拜占廷》：“那不是老年人的国度。青年人/在互相拥抱……我就远渡重洋而来到/拜占廷神圣的城堡……请尽快把我采集进永恒的艺术安排……在金树枝上歌唱/一切过去、现在和未来的事情/给拜占廷的贵族和夫人听。”

一、寻找西方艺术史

我一直没有系统读过西方艺术史，因为书架上的教材、读本大多被翻得残旧难看，还有一股难闻的尘味，我屏住呼吸翻了几页，见理论太多、插图太少，就兴趣索然，宁愿继续去翻看提香笔下的那些健硕裸女。作为一个刚满18周岁的成年男子，知慕少艾，却未谙女体，此时与其说是欣赏西方艺术，不如坦白招出自己好奇的性心理。
欧洲的天才人体画家们常常将仙女绘成专食人间烟火的欲女，如提香的《乌尔比诺的维纳斯》，让美神成熟的裸体斜躺于榻上，两眼含着渴望、期待、挑逗、茫然和无所谓的神情，既像思春的贵妇人，又像淫荡的妓女，仿佛在等待着情人或顾客的来临。那时我听说过一点古希腊艺术的知识，就以为表现性与肉欲是西方绘画的主要特点，却忽视了提香在维纳斯后面画的两个人，其中一个双膝下跪似在祈祷，代表了画家的某种宗教情怀。对此画的理解，要将诱人的肉体和背后的祈祷联系起来才算完整。
若干年后，我找到了一个比较好的版本，海南出版社2000年版的《西方艺术史》，图文并茂，几乎每页都有艺术作品的插图，看起来清爽多了，唯一的缺陷是理论诠释过于简略，许多地方看起来似懂非懂。幸好我曾零星看过一些艺术赏析的书，所以勉强能接受。
此书由四名欧洲学者编撰，原名“The history of art”――艺术史。这种欧美中心论的治学方式钩起了我心理的一点不快，毕竟书中只有欧美的艺术，相信译者看了也有这种感觉，所以转译为《西方艺术史》。

二、文艺复兴之前

西方艺术起源于何处？文艺复兴期间有一幅名画叫《维纳斯的诞生》，刚从海洋泡沫中诞生的维纳斯站立在一只蚌壳上，两位风神把她送到岸边，时辰女神拿着花斗篷前来迎接，天空下着玫瑰花雨，海面微微泛起波澜。这大概就是艺术诞生的隐喻。
神话传说、祭祀、狩猎、性爱、生育、史前洞穴……沿着时间的脚印巡礼西方艺术，可以发现法国拉斯科洞窟的原始绘画也充满了抽象、象征的意味，令人想起印象主义和现代的某些画风。
尽管美索不达米亚和埃及等地中海沿岸地区都对西方艺术的形成产生过重要影响，但真正起决定性作用的无疑是伟大的古希腊文明。希腊人除了给我们留下动人的神话故事，还有雅典娜、宙斯、赫拉和巴底农等立柱式的神庙，因其对石材的广泛应用而保存长久；至于人体艺术，他们更是鼻祖。在中国人在艺术创作中羞涩地隐藏起自己的胴体时，他们很早就提出人体的最佳比例：身高7至8倍于头长；并奉献出了《掷铁饼者》等大量完美的裸体雕像。即使在希腊化时代，也有一只极其帅气的亚历山大大帝头像，实在想不到他就是那个曾经纵横欧亚大陆的军事统帅，和神话中的阿喀硫斯一样战无不胜，可惜英年早逝。希腊时代的人体艺术品，无论男女，在体型、气质方面都达到了无可企及的美境。
罗马帝国的艺术承自希腊，但《披甲的奥古斯都皇帝》繁琐的衣甲抑制了人的生命力，自以为是的领袖架势已显造作，美感远远逊色于希腊裸男。中世纪无论是拜占廷、罗曼还是哥特艺术，除了建筑风格尚可欣赏之外，那些神祗和人物画看起来很气闷，这是欧洲的阳萎期，而同期的唐朝诗人李白“仰天大笑出门去，我辈岂是蓬蒿人！”唱响了盛唐艺术的最强音。

三、文艺复兴之后

直到文艺复兴，人文主义思潮的传播才使西方艺术重新勃起。达芬奇、提香、波提切利、米开朗基罗等天才重拾希腊精神，将西方艺术提升到了新的层次。《蒙娜丽莎》不必多说。米开朗基罗的雕塑《大卫》也是世界艺术史罕有的杰作：大卫这个《圣经》里的英雄充满自信地站立着，向人们展示了他的健美身材，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动，面容英俊，双目有神，英姿飒爽，身体中积蓄的强大力量似乎随时要爆发，代表了伟大的人文主义精神。此雕像的复制品至今仍屹立在意大利佛罗伦萨的市政广场，原件则在博物馆严加保存。可惜书中仅选了多纳太罗的《大卫》雕像，虽然也不俗，但比米氏差了一个档次。
文艺复兴向前演变，就产生了“巴洛克”、“罗可可”等术语。前者原指形状不规则的东方珍珠，后词义变宽，表示思想和表达方式的独特、个别、任意性，在艺术创作中表现为对感官、喜庆、浮华和激情的突出。后者原指对岩洞、贝壳和钟乳石的模仿，后被引入室内装饰，日益走向日常生活，变得越来越世俗化。这个时期的西方艺术给我印象深刻的是罗马圣彼得大教堂广场等宗教建筑和巴黎贵族的沙龙以及装饰豪华的宫殿，还有伦勃朗的自画像。
伦勃朗有画自己的嗜好，共画了近百幅，我看到的是他青年、中年、老年三个时期的三张自画像。青年时期他身穿华丽服装、意得志满、嘴唇充满肉感，看起来玉树临风，可以想像他应是一位风流才子。中年时期他眉宇显出疲倦，衣着朴素，已经发福，人到中年百事忧，看来他也难免俗。老年时期他穿着尊贵的服饰，胸前还挂着类似怀表的饰物，清澈的眼睛透出哲学般的深思，嘴角的撇起和隐隐的微笑表示自己已经世事洞明，看清楚了就无所谓。人生的三个阶段，在此得到了充分概括。

四、19世纪的西方艺术

19世纪最先出现的是新古典主义，《马拉之死》、《荷拉斯兄弟的宣誓》等作品告诉我们艺术辞典中离不开责任、宏伟和庄严等词。油画《马拉之死》表现了马拉这个法国大革命的重要领导人刚刚被刺的惨状：被刺的伤口和染红了浴巾的鲜血，握着鹅毛笔的手垂落在浴缸之外，另一只手紧紧地握着凶手递给他的纸条。作者以触目惊心的画面来表现了古典主义的献身精神。《荷拉斯兄弟的宣誓》以罗马历史上的英雄荷拉斯三兄弟向老父亲作出征前的宣誓，表现对国家的忠诚和荣誉感，而旁边妇女们的哭泣哀叹强化了他们刚毅神武的英雄形象。
对于浪漫主义，我们首先要记住雨果的名字，他从理论上阐述了浪漫主义，并在文学和绘画等方面作了重要探索。他的小说《巴黎圣母院》和《悲惨世界》闻名于世；画作《涡石灯塔》以拟人化的手法将灯塔塑造成了为浪漫主义狂飙大声疾呼的旗手。还有载入过中学历史课本的《自由指引人民》（作者：德拉克罗瓦），画中自由女神敞胸露乳、高举旗帜带领革命者向光明前进，非常激动人心。德拉克罗瓦的另一幅画作《萨达纳巴尔之死》表现了国王在围城内准备与所有财宝、骏马和女人一起自焚殉国时的情景，火红的宫床、绸缎、缰绳、辔饰、长幔，国王的眼光从上方倾斜而下，右下角的妇女惨遭割喉，整个画面惊心动魄，具有巨大的艺术爆发力。这幅画就像德拉克罗瓦在日记写的那样：“色彩就是眼睛的音乐，它们象音符一样组合着……无法达到的感觉”。
此后的现实主义更加关注社会现实和平民的普通生活，如米莱的《捆干草者》、莱勃尔的《教堂里的三个女人》等。库尔贝的《画室》应是代表作。他这样描述自己的画作：“这幅画分为两个部分，我处在中央，正在作画；右边是所有股东，也就是说朋友、艺术界的工作者和爱好者。左边是另一个平凡生活的世界，普通百姓、悲惨的人、穷人、富人、受剥削者、剥削者以及靠死人生活的人……一名女裸体模特儿站在我椅子后边。” 这幅画极具象征性，画中的画家仿佛就是圣父，用他的画架分开了善恶，进行着最后的审判。
最令我震撼的是其后出现的印象主义。摄影技术揭示了表象的多样性和直接捕捉真实感觉的重要性。印象主义更强调画家的主观感觉和捕捉瞬间的的能力，他们确信风景是依时刻、季节、气候不同而变化的，这种短暂、瞬间的诱惑把他们引向逐渐消逝和无穷无尽的艺术幻想。一般认为这一画派的奠基人是马奈，他的《草地上的午餐》把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，愉快地聊天、聚餐，以夸张的手法表达了对率真、自由的世俗生活方式的向往，其鲜艳明亮、对比强烈的画法是对传统的突破。
“印象派”一语由莫奈的《印象，日出》所引发，他描绘了法国勒阿弗尔港口一个多雾早晨的景象：一轮红日投射在海上，海水被染成淡紫色，天空微红，水波淼淼，摇曳的小船朦胧模糊，人影依稀可辨，远处的工厂烟囱、大船上的吊车等若隐若现。这来临自他从一个窗口凝望产生的瞬间印象，笔触大胆新奇，开创了一代画风。
梵高的故事相信大家都不陌生，斯通的《梵高自传》已有具体描述。他不是正宗的印象派，但却是真正的天才，就是普通的向日葵也被他画出了生命的真谛。欣赏那幅不朽的画作《向日葵》，可体会到画家像熊熊火焰一样炽热的激情和旋转不停的运动感，还有单纯强烈、粗厚有力的色彩对比，那种激动人心的画面效果充分体现了他心灵的震颤和激情。这时的向日葵不再是静静的植物，而是带有原始冲动和热情喷发的生命体。他画的草鞋、工人等也闪烁着天才的光芒，流露着悲天悯人的情怀。
与印象派相关的大师还有高更、塞尚等。

五、现代艺术的困境和嬗变

20世纪是工业化集大成的时代，钢筋水泥成为广泛应用的建筑材料，建筑在强调美观的同时，更具实用性和世俗性。欧式高楼大厦随全球化走遍世界，五大洲处处皆是，这在城市化的中国尤为泛滥，造成诸城的千篇一律。而我喜欢的经典之作如悉尼歌剧院和贝聿铭为卢浮宫入口处设计的金字塔等在国内非常罕见。
在都市森林中，在两次世界大战造成的人道主义危机中，在意识形态的幻变中，艺术亟需变革。受到象征主义、批判现实主义、印象主义、自然主义和唯美主义等各种思潮影响的毕加索开辟了立体主义的新天地。过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。受X光透视等现代科技启发，立体主义以全新的方式展现事物，他们从正面不可能看到的多个角度去观察，把几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。毕加索在《阿维尼翁的姑娘们》中，把五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的，右边两个女子的面孔酷似非洲的硬木人面具，右下角的女子双腿分开令人联想起性和生育，画面下方还有几只水果，充满象征和暗喻，至今仍是个未被说明的秘密。这反映了20世纪现代艺术的特点：作者只提供一个空间和可能性，让读者参与创作，主题在作者和读者的互动中产生（甚至，根本就是无主题）。
康丁斯基更将现代艺术引向了大抽象，使人们对事物外表的的审视转变为“内部参与”。他的作品《带黑色的弓形，154号》中，特定的主题和视觉的判断都消逝了，只借色彩和形状的搭配营造出一种猛烈冲突的动势和紧张，令人想起世界大战或罢工。《白线，232号》以一种松散和气氛性的手法来处理的，色块被一种强烈的直线条图案和规则的曲边所强调，也许想表现宇宙空间和星系的相互作用。
随后的艺术家们越走越远，那些奇思妙想的几何造型和极度抽象的色彩组合令人越来越费解，艺术家企图突破传统，却越来越陷入迷宫，超现实主义、行为艺术……五花八门的术语掩饰不了审美的混乱，至少我对这阶段的艺术并不喜欢。当然也有些艺术家在回归传统，关注现实，以简洁的象征来表达主题，但成就与前两个世纪尚有差距。
至于互联网时代的艺术，读图开始优先于读文，声光特技和电脑制作的发展使创作变得更含混，一切尚在嬗变中，我混乱的脑袋尚未清晰，无定的寻觅中只能欣赏当下和回眸以往。

C. 为什么说艺术设计的发展历史就是人类的文明发展史

这个话题很大啊，建议楼主还是找专门资料来研究下。但概括的讲呢，在人类回文明发展的各个阶段，都会答体现出不同的意识形态，而这种意识形态又会附着和体现在当时的物质产物上。随着人类的不断进化，这种体现的方式也不断改变。所以，如果把不同时期的，所能体现当时人类活动和价值观的物质产物罗列在一起，就能很清晰的看到人类文明进化的历程。
比如，如果你把每隔两千年的，当时人类所使用的饭碗收集罗列在一起，就能很清晰的看到人类是如何从野蛮进化到文明的，从艺术层面讲呢，不同时代的碗的不同造型，款式和花式能直接体现出当时人类的审美情趣，工艺技术甚至生活状态。

D. 中国艺术设计的发展历程

[摘要] 本文以中国现代设计艺术发展的三个阶段为主线，以世界现代设计史为暗线，阐述在世界设计史背景下中国现代设计艺术的发展状况。通过对同一时期国内不同地区设计艺术发展不平衡的分析，以及对同一时期中国与国际设计水平的比较，阐述了对待外来设计艺术不同态度产生的不同结果。勾勒出中国的现代设计艺术由最初闭关自守拒绝现代设计，到“五四”时期狂热的否定传统文化的全面接受，解放初期生硬的 “复古主义”，文革时期全面的设计“为政治服务”的曲折发展，在改革开放后尝试将现代设计与传统艺术相结合，全面走向有中国特色的现代设计艺术的发展脉络。眼睛向后看，身子就不会向前，但总结过去，却是为了能更好的把握未来。借古鉴今，西体中用，回顾中国现代设计艺术的发展历程，理清思路，为探索新世纪中国现代设计艺术的发展道路提供某种启迪。 [关键词] 世界设计史 现代设计 绿色设计 文化创意产业绪论中国现代设计艺术和世界现代设计艺术一样，同是社会变革的产物[1]。在社会由农业社会向向现代工业社会转型过程中，由于社会的需要，设计的重要性逐渐凸显，成为一种专门的社会活动和文化活动，现代设计艺术应运而生。文艺复兴是欧洲政治思想、文化艺术发生重大变革的历史时期，反映了西欧各国正在形成中的资本主义萌芽。同一时期的中国明朝由于社会生产力的发展，社会商品经济的繁荣，延续数千年封建社会母体萌发出新生社会的胚芽，加上外国传教士带来的西方文化和科学技术，使世界社会发展几乎处于同一进程，世界现代设计艺术同步发展。事实上，中国现代设计艺术的转型不是一蹴而就的，大致经历了这样一个过程：从最初被动的接受 “舶来”的现代设计艺术，到“五四”新文化中国现代设计艺术运动时期主动提倡向外来艺术，包括西方的设计艺术学习，再到结合外来文化，从传统文化中吸收营养的中西结合的发展历程。中国现代设计艺术的发展历程反映了中国人“实用理性”文化心理原则，作为中国人文化心理活动的结构原则，“实用理性”并非静止的、一成不变的形式，它重视的正是变化、扩展、更新和发展[2]。中国现代设计艺术正是在接收西方设计艺术的同时，得到更新和发展。 从英国开始，继而席卷整个欧洲的工业革命浪潮，掀开了人类历史发展崭新的一页，欧洲率先进入以商品生产为目的的资本主义社会，工厂机器生产逐渐取代了传统的手工艺生产，工业产品设计成为西方社会最主要的设计活动，机器本身便是设计的产物。工业革命促使的社会变革奠定了世界现代设计艺术的发展基础。然而，早期的机器生产依然是没有设计或设计对生产影响很小的活动，机器只为提高产量，而不顾及人的美观感受和产品的内在质量。以威廉·莫里斯（William Morris）和约翰·拉斯金（John Rushin）为首的“艺术与手工艺”运动倡导“艺术与技术相结合”的原则，有助于弥补技术与艺术的隔阂，强调恢复艺术和手工艺的办法来解决技术和艺术的矛盾，“再创生活的美与浪漫将是一项重要的工作。”[3]注意到了设计艺术在现代社会中的重要作用，标志着现代设计艺术史的开端。与“艺术与手工艺”运动相似，“新艺术”运动也同样是企图在艺术和手工艺之间找到一个平衡点，“新艺术”运动是世纪之交的一次承上启下的设计运动，它的兴起预示了旧时代的结束和一个新时代，真正意义上的现代设计即将来临[4]。随之而来的“装饰艺术运动”和“现代主义设计”对欧美，乃至整个世界都产生了重大影响，远在东方的中国也概莫能外。

E. 艺术设计的概念发展到今天，其演变经历了哪些过程

自从有了人类,也就开始了形式创造的历史.从对符号的使用开始,原本一片混浊的世界就成为可以识别区分的世界,最初的形式就是用来识别区分的,一直到现在.今天我们观念中的艺术形式是与美、艺术密不可分的,而这种观点却是一个很长历史演变的结果.从公元前6世纪开始的近3000年中,形式作为一个历史演变的范畴,在不同的阶段呈现出不同的意义.它或者是一个自然的数理概念;或者是不可触摸的抽象范型;或者是外在的风格;又或者是内部的组织结构方式;它或者是外在的静态表现,还或者是内在的形成过程……对形式的这些不同定义都进一步形成了观念,有的还完善为哲学、美学体系,特别在 20世纪,每种不同定义就可以形成一个流派,更见出“形式概念的重要性首先在于它不是美学和文艺学的一般概念,而是关涉到美和艺术的本质或本体意义的概念”.
尽管我们常常把探讨的起点放在公元前6世纪左右的前苏格拉底时代,但从那时开始一直到 19世纪,我们对形式的认识虽然不断发展与深化,可研究的视野主要局限于形式的外在他律规律.主要表现为两种历史形态,一是对形式制作的强调,把形式片面等同于工具性的加工制作,这主要是在19世纪以前.19世纪以后,从德国古典美学开始,哲学一美学体系才真正形成,形式概念成为建构美学体系的基石,具有了完整的美学价值.这时的理解虽然摆脱了单纯物的制作意义,但形式概念的存在是基于某一哲学认识体系的需要,成为认识内容的外在显现,这是他律性的第二个表现.这一时期,艺术形式具有了主观性的审美意味.
到了20世纪,形式不仅是美和艺术的外在表现,在某种意义上就是美和艺术本身,更有甚者还认为美和艺术是形式的表现,形式本身成为了规则.同时康德、黑格尔、马克思主义及西马理论以其博大的视野,引人了历史和社会视角,综合着分立的观念,因此我们主要可以通过三个视角对形式概念进行审视,客体视角意味着把形式作为他律的存在;本体视角承认的是形式自律特征; 历史视角通过对客体和本体的综合,力图达到他律和自律的结合.它们分别对应着19世纪以前、 20世纪以后和19世纪的形式概念.

F. 艺术设计的发展历史过程

“艺术设计”的发展历史过程：

“艺术设计”是中国大陆教育部于1997年确定的本科招生学科名称，英文翻译为Art and Design。在中国大陆教育部门的设计类学科分类中，艺术设计和工业设计是并列的关系。

比如平面设计、展示设计、环境艺术设计、装饰设计、服装设计等。当然，设计概念本身就有狭义和广义之分，狭义的设计仅指工业设计。不过一般说到设计都是指广义的设计概念，即包含艺术设计部分的设计。

1998年，中国大陆国务院学位委员会制定了一个不同于教育部的学科分类，“艺术设计”在国务院的学科分类中被称作“设计艺术学”。中国大陆的高校本科（大学部）招生使用了教育部的学科分类，而研究生招生则使用了国务院学位委员会的分类。

在中国国内的设计艺术学界除了在个别专门探讨学科命名的文章中，这两个名称基本上可以互换。其实这两个名称，在内涵上并无显著差异，英文文献中统一称为“设计（Design）”。

学科科目：

景观建筑设计、网络艺术、三维动画、视频设计、音频艺术、互动媒体、工业设计等。

动画设计方向强调坚实的绘画基础和美术功底，注重学生的审美素质和创造性思维的培养。学生在该专业将学习诸如动画运动规律、动作设计、动画材料等专业基础课程，同时学习剧作、视听语言、表演与肢体语言等相关的电影知识。

在综合艺术素质提升的同时，学生将学习各种动画制作软件并探索各种先进的创作技术。学生在校期间有条件根据自己的想法创作独立动画艺术短片，教师将根据学生具体情况指导学生完成短片创作；学生毕业时将掌握从前期策划、中期制作和后期合成这一完整的动画制作流程，制作出具有专业水平的动画作品。

动画运动规律、 材料动画、动画艺术概论、动作设计、电影视听语言、分镜头剧本设计、导演基础、动画片创作等。

景观建筑设计方向主要是为我国的景观建筑设计和规划事业输送专业人才。教学内容综合了艺术设计、景观建筑设计规划和园林方面的专业课和基础课，除教学以外，景观建筑设计专业设立了研究工作室。

其主要职能是在推进专业教学的同时，积极开展本领域的研究工作和创作设计实践，为推动景观建筑设计的发展做出贡献。

(6)艺术及设计历史发展扩展阅读

“艺术设计”主要特点：

艺术设计是一门独立的艺术学科，它的研究内容和服务对象有别于传统的艺术门类。同时艺术设计也是一门综合性非常强的学科，它涉及到社会、文化、经济、市场、科技等诸多方面的因素，其审美标准也随着这诸多因素的变化而改变。所以说，艺术来源于生活，反过来又作用于生活。(独立性和综合性）

艺术设计贵在创造活动与实践，是设计者自身综合素质（如表现能力、感知能力、想象能力）的体现。各个专业虽然对设计知识的着重面不尽相同，但对于“大设计”概念的关于美、节律、均衡、韵律等的要求是一样的。

不论是平面的还是立体的设计，考生首先要面对的是一个对所设计对象的理解——对设计对象相关的背景文化、地理、历史、人文知识的理解。（思想性和行动性)

艺术设计的最大的特点就是服务性。艺术设计的第一动机不是表达，是对生活方式的一种创造性的改造，是为了给人类提供一种新的生活的可能，不论是在商业活动中的信息传达里的应用，还是日常生活的行为方式中的应用，艺术设计就是让人类获得各种更有价值，更有品质的生存形式。

他让生活更加简单、舒适、自然、效率这是艺术设计的终极目的。艺术设计最终的体现是优秀的产品，这个体现我们从乔布斯和苹果的产品中可以完全感受的到，苹果的设计就改变了现代人的行为方式。

乔布斯的设计梦想就是改变世界，他以服务消费者为目的，用颠覆性、开拓性的设计活动来实现这一目标，好的艺术设计产品能改变世界，好的艺术品能触动世界，这是不同的。

其次艺术设计的特点就是科学性和合理性。艺术设计的实现手段是理性的，这和艺术品的实现是有区别的，你可以光凭艺术灵感的爆发创作出震撼的艺术品，但你绝不可能光凭借灵感去造出一个好的产品。

一个好的产品不是的设计者的纯自我的表达，是有严谨的科学精神在里面的，是一个合理统筹的一个有目的的活动，要把自己的观点和观念通过科学的调查、合理的流程归划一步步的完善出来的，中间会有各种科学的实验。

会有各种数据的考量，会有设计师在艺术追求与实际生活需求的各种妥协，艺术设计产品没有绝对的艺术理想的纯粹性，它最终要以人为本，用体验去征服人们。

艺术设计还是一个综合性的设计活动。任何艺术设计都不是一个或两个学科能够完成的，在实现阶段是一个工业化的过程，在纸上的创意只是一个概念的产生过程，一旦要去制作那就需要各种其他学科理论和技术的支持，靠一个人来完成几乎是不可能的。

但是艺术品的创作就往往是一个人的事情，人多了反而会阻碍艺术观点表达。各种材料的研究、电脑技术的应用、数据的整理、工业化的生产以及产品的销售等等。

都是艺术设计不能绕开的问题，这是个庞大的工程，不是一个人光凭激情就能做到的事，艺术设计师不但要有艺术设计的才能，更要有合作的精神，还要有合理统筹整个流程的能力。

艺术设计的特点就决定了，你不但是个艺术家还要是个思想家，更是个行动家。

G. 艺术设计的概念发展到今天,其演变经历了哪些过程

自从有了人类，也就开始了形式创造的历史。从对符号的使用开始，原本一片混浊的世界就成为可以识别区分的世界，最初的形式就是用来识别区分的，一直到现在。今天我们观念中的艺术形式是与美、艺术密不可分的，而这种观点却是一个很长历史演变的结果。从公元前6世纪开始的近3000年中，形式作为一个历史演变的范畴，在不同的阶段呈现出不同的意义。它或者是一个自然的数理概念;或者是不可触摸的抽象范型;或者是外在的风格;又或者是内部的组织结构方式;它或者是外在的静态表现，还或者是内在的形成过程……对形式的这些不同定义都进一步形成了观念，有的还完善为哲学、美学体系，特别在 20世纪，每种不同定义就可以形成一个流派，更见出“形式概念的重要性首先在于它不是美学和文艺学的一般概念，而是关涉到美和艺术的本质或本体意义的概念”。
尽管我们常常把探讨的起点放在公元前6世纪左右的前苏格拉底时代，但从那时开始一直到 19世纪，我们对形式的认识虽然不断发展与深化，可研究的视野主要局限于形式的外在他律规律。主要表现为两种历史形态，一是对形式制作的强调，把形式片面等同于工具性的加工制作，这主要是在19世纪以前。19世纪以后，从德国古典美学开始，哲学一美学体系才真正形成，形式概念成为建构美学体系的基石，具有了完整的美学价值。这时的理解虽然摆脱了单纯物的制作意义，但形式概念的存在是基于某一哲学认识体系的需要，成为认识内容的外在显现，这是他律性的第二个表现。这一时期，艺术形式具有了主观性的审美意味。
到了20世纪，形式不仅是美和艺术的外在表现，在某种意义上就是美和艺术本身，更有甚者还认为美和艺术是形式的表现，形式本身成为了规则。同时康德、黑格尔、马克思主义及西马理论以其博大的视野，引人了历史和社会视角，综合着分立的观念，因此我们主要可以通过三个视角对形式概念进行审视，客体视角意味着把形式作为他律的存在;本体视角承认的是形式自律特征; 历史视角通过对客体和本体的综合，力图达到他律和自律的结合。它们分别对应着19世纪以前、 20世纪以后和19世纪的形式概念。

H. 中国艺术设计发展史

换主板就要换CUP，内存条，显卡和电源，和装新机器没有什么区别，买品牌不如组装，高配置，玩起游戏来特别爽

I. 艺术设计的起源和人类历史一样悠久

艺术的起源，普通人肯定不会了解。但是他的起源却是和人类发展进步同步的，更是人类进步的基础。
原始社会的人们，从根本意义上来说他们还不能算是人，只是灵长动物的一个分支。因为他们还过着茹毛饮血的生活，和动物是没有区别的。直到某天一阵雷声过去，将原始人的家点燃，这个时候人类开始觉醒了。

原始人将火供奉神明，为了让火种常在，于是开始轮守。而人类的生活时间也得到了一定延长，因为夜晚可以看到东西，所以不用再早早地去睡觉。当人类有了更多的时间去做更多的事情，于是艺术开始在人的头脑中形成。为了证明自己对火的崇拜，于是他们将火神话成形，最早的图腾就产生了，而这个神话的主角当然就是太阳了。人面网纹盆就是一个很好的证明。而这个神话主角也一直持续到今天。

结绳让艺术走向了另一个范围，实体手工，铸就了现代建筑。当时结绳是为了记住某些事情，而后来人们慢慢发现可以用很多方法结出不同的结，而里面就出现了很多符合原始人审美观点的形状，这就成为了艺术。

奴隶社会的发展，让艺术成为了一种形式，同样还是让艺术将某些事物神话，并去记录他，让人们敬仰他，奴隶主对此更是不遗余力，将艺术正式成为了人类生活的一部分，虽然他的目的不怎么好。

封建社会君授神权的思想，让艺术又找到了根据点，于是人类社会进步最大的社会体制，艺术的发展也是最大，而这个时候实体手工艺术开始崭露头角，伟大的建筑工程都是在这个时候产生的，空中花园，金字塔，斗技场，故宫等。

艺术真正开始走向人类生活，并实用话是在封建社会末期，启蒙运动，文艺复兴将艺术开始细化，而这个时候就产生了一种形式意义上的设计，东方的水墨，西方的素描，接着水彩与油画的出现将艺术设计带入一个全新的领域。

画是艺术设计的起源，资产阶级革命，让人类从剥削统治下解放，同样思想也得到了解放，层出不穷的设计将人类带入一个崭新的时代，而艺术也开始在社会发展中扮演起主导角色。包豪斯的出现让艺术设计成为一门学科，而艺术开始发挥他无穷的力量开始改变这个社会。

当人类正视一件事情的时候，这件事情就会给人类巨大的推动力，建筑设计就是一个时代的象征，近代艺术设计的觉醒触发了更多产业的出现，工业设计，包装设计，服装设计等等，使得艺术开始让人类生活多姿多彩，更加舒适。

一个事物总有他的两面性，艺术发展韵生出低俗艺术，人体画本身是一种对绘画功底的证明，到了近代也出现了一些猥琐的东西，色情开始和艺术挂钩。

现代艺术的主要表现是广告艺术，但是慢慢地他已经变为一种低俗艺术，色情也正式开始侵蚀艺术，各大网站的美女，半遮半掩的露点图片铺天盖地，人们已经习以为常。到处都是看的让人会触发癫痫的FLASH，这已经是一种不折不扣的低俗艺术。

很多朋友都想成为艺术设计大师，但是实际的环境却不能让他们如愿，商业化的艺术完全可以和低俗艺术画上一个重重的等号，因为往往都是那些不懂艺术的人，在主使这些未来的艺术家做他们不愿做的事情。所以艺术已经发生了质变。

我想我们需要革命了，一个启蒙运动，或者一个文艺复兴，都可以让这些寻求艺术的人得到希望。

但是我也想为现代艺术说一些有用的话，工业革命让工业造型成为艺术的主体，宫本茂的超级玛莉促就了一个新产业的诞生——电子艺术。第一个WEB的产生也同样是因为一些热爱艺术的人，将信息艺术化为了网页。

CSS更是证明了这点，接着出现的XSL作为XML的表现体，都是这样。其实这些都是艺术，也都是艺术设计。

AJAX让人们体验到了网页浏览的无缝结合，其实这些都是因为艺术而产生的。

所以我一直对一些年轻人说，艺术不是画好一两张画，设计一两个作品就叫艺术设计，真正的艺术和艺术设计是一种思想，是能够把艺术带到任何领域的思想。

艺术可以做好程序，艺术可以搞好市场，艺术更可以让一个国家昌盛。其实这都是一个思想。

艺术家绝对不会停留在画画作图上面，而是将他的艺术思想带给所有的人，去改变这些人的思想，让他们用艺术化的思想去做好他们的本业。

艺术是崇高的，其实是崇高的思想，每个人都有艺术天分，没有人不懂艺术。但是每个人并不都是思想崇高的，所以我们这些搞艺术的人，就要将这种思想带给他们，让自己的思想得到升华的同时，让接受艺术思想的人也开始转变他们自卑落寞的思想。

这才是真正的艺术。

不局限于艺术的艺术，那是真艺术，能够给自己找到更多的发展方向，也可以创造出一个全新的艺术产业。

今天我在写程序，不能保证，我不会搞出一种程序艺术来，甚至要高于程序。
今天我在做市场，不能保证，我不会搞出一种艺术化的市场来，甚至比现在的市场前景更好。

所以，朋友，你要为你选择了艺术而骄傲，因为他能做到的太多，并且会做的更好!