西方艺术与历史发展

A. 西方艺术史经历了那些关键历史时期如：文艺复兴时期

埃及、希腊罗马、中世纪、文艺复兴、巴洛克、罗可可
埃及美术：
一般指公元前 332年以前的埃及美术。它的形成和发展主要经过了史前期、 早期王朝、 古王国、中王国、新王国和后期王朝时期。埃及美术的产生和发展与埃及人的宗教信仰、墓葬习惯和王权思想有很大关系。他们认为，人的生命和宇宙万物是永恒的,死者是可复活的。相应地，陵墓作为人的永久住宅，它的修建和装饰，也受到重视。这些原因导致了金字塔、雕刻、墓室壁画等一系列艺术品的产生。埃及美术的一般特点是：建筑宏伟壮观；雕刻朴素写实，整体性强，表现方法遵守正面律；绘画线条流畅优美，色彩丰富，人物表现采用正、侧面混合法。
希腊美术：
希腊美术发源于地中海的克里特岛，早期希腊文明被称为“爱琴文明”，希腊文明一直延续到罗马帝国占领希腊各地，希腊艺术按照时间可以如下分期：1.爱琴文化时期、2.荷马时期、3.古风时期、4.古典时期、5.希腊化时期。希腊人创造了神，在希腊人的心目中最完美的人就是神，因此希腊人尊重人，神和人同形同性。希腊美术最重要的方式是神殿等建筑、雕刻和少量壁画。希腊美术的主要特点是无所不包的和谐与规律性，还有庄严与静穆。
罗马美术：
罗马美术吸收了希腊美术成就，继承了埃特鲁斯坎美术传统，而将美术更加推向实用主义，在内容上侧重描绘享乐性的世俗生活，在形式上追求宏伟壮丽的风格，在人物表现上强调个性化。其突出成就主要反映在建筑、肖像雕刻和壁画方面。
中世纪美术：
自公元476年西罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴运动开始的一段时期，史称中世纪。它包括拜占庭美术、爱尔兰-撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、罗马式美术和哥特式美术等。在公元313年，罗马皇帝君士坦丁颁布米兰敕令，承认基督教会的合法地位。由于基督教的影响占有统治地位，决定了艺术浓厚的宗教色彩。位于东方的拜占庭美术，在一定程度上成为古希腊美术的保存者与传播者，并与当地民族美术相融和，而自成体系。西欧其他诸国基督教美术，也都带有本民族原始艺术的明显烙印。中世纪美术最重要的成就是建筑的发展。无论是拜占庭式教堂高大的圆穹，还是哥特式教堂火焰般的尖券，既充分显示出封建宗教的权威，也体现出当时工匠们的创造才能。同时与教堂建筑一起应运而生的装饰性雕塑、镶嵌壁画与彩色玻璃窗画，以及圣经、文学作品的插图画和各种小型艺术等，又赋予中世纪美术以丰富多彩的面貌。
文艺复兴美术：
文艺复兴是指十四世纪到十六世纪西欧与中欧国家在文化思想发展中的一个时期。“文艺复兴”的原意就是指“在古典规范下，文学和艺术的复兴。”在经历了封建教会势力的千年统治之后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又引起人们的重视。文艺复兴首先发端于意大利，然后逐渐传播到欧洲其他国家。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。在人文主义思潮的影响下美术创作发生了相应的变革，显示出鲜明的时代特征。按照时间可分为：1.佛罗伦萨早期文艺复兴美术，2.罗马盛期文艺复兴美术，3.威尼斯后期文艺复兴美术。
巴洛克：
巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛克一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低。巴洛文艺术最早产生于意大利。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩；三是它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位。
罗可可：
罗可可是一种种偏好艳丽色彩与优雅装饰的艺术风格，17世纪以后取代了巴罗克时代雄健奔放的趣味,表现出一种轻松活泼的特点。它由法国路易十五宫廷形成后流行开来，波及到德、奥和其他国家，最终形成了18世纪在欧洲占统治地位的艺术形式。

B. 西方艺术史是怎样不断发展的

在西方艺术史上，艺术的自律只是在艺术实践摆脱对其他人类活动的依附关系的过程中才形成起来的。近代是这一过程的真正的开端。在西方历史上，艺术起初是与巫术统一在一起的，它服从于原始宗教活动的需要。其间，偶尔也出现过艺术相对独立的情况，如在古希腊时期创造的某些艺术品，已经开始表现出独立的审美兴趣。中世纪来临之后，艺术主要地为基督教服务，出现了大量的以基督教为题材的建筑、音乐、雕刻等。自近代起，资产阶级登上了历史舞台，逐步打破了教会的统治权。自由的理性开始执掌精神解释权，艺术由此获得了一次伟大的解放，开始主张自己的自律的地位，不再甘于充当宗教的附庸。但是，艺术自律性的根据究竟在哪里？这个问题却长期未曾得到解决。

C. 欧洲艺术发展史的开端到现在的历程是什么

西方艺术发展史
在西方漫长的古代史中，因为宗教占据了社会整体的核心地位，是这个整体的基本凝聚力，艺术不仅因为依靠宗教而得到了纵贯历史的辉煌发展，而且艺术本身的存在（形式和内容）也是统一于宗教的——它是宗教活动的一种基本工具和方式。在西方艺术发展史的研究中，不深入理解西方宗教精神，不把这种精神作为艺术的内在动机，是不能真正把握自古希腊以至于前浪漫主义时代的西方艺术实质的。比如，人体艺术的发达，是西方艺术的一个基本传统。这个传统的确立，是以西方世界根深蒂固的宗教情怀为基础的。传统艺术家是把为人塑像作为为神造像的神圣事业来进行的。在此，我们看到艺术与宗教的内在统一性，也因此艺术是传统西方社会所绝对必须的。

14—16世纪的文艺复兴运动拉开了西方近代美术史的开端，它在很大程度上拉动了整个艺术史的步伐，影响之深，涉及之远，范围之广在艺术发展的长河中都是高高卷起的浪花，闪耀夺目。任何事物的发生都不是独立存在的个体，既不会突然出现，也不会瞬间消失。在整个文艺复兴背后的推手是欧洲封建社会内部出现了资本主义经济的萌芽，城市工商业的繁荣及其政治上的相对独立或自治。经济基础决定上层建筑，人们在满足了物质需求后必然会追求更高层次——精神需求。文艺复兴期间涌出了众多著名的艺术家，代表人物有.达·芬奇、 米开朗琪罗、拉斐尔、安吉利特、尼德兰等，他们的艺术手法深深地影响了后世的艺术爱好者们。
二十世纪虽然不及文艺复兴来的精绝，可在整个艺术史中也是一个活跃的年代，短短百年间，涌现出众多的艺术流派，从野兽派开始，经历了表现主义、立体主义、未来主义、抽象主义、达达主义、风格派、形而上画派、包豪斯、超现实主义、巴黎画派、抽象表现主义、新现实主义、波普艺术、欧普艺术、地境艺术、观念艺术、行为表演艺术、照相写实、激浪派、极少主义、女性主义、涂鸦主义、装置艺术、影像艺术、新媒介艺术、全球化时期、象征主义、俄国前卫艺术、构成艺术、八人画派、现代雕塑、后现代名词解释，直至世界现代设计。
从最初的野兽派到最后的世界现代设计，我们大可以将其看作是一个社会发展史，只不过形式上用了另一种语言。
事物发展到一定阶段必定会有质的改变，野兽派的产生是对学院派的背叛，他们对感动力稀薄，表现不够深入的印象派画风持一种反抗的态度，继续着后印象主义凡高、高更、塞尚等人的探索，追求更为强烈的艺术表现。第一次世界大战的爆发后，社会动荡不安，一群受着康德哲学、柏格森的直觉主义和弗洛伊德精神分析学的影响，强调反传统，不满于社会现状，要求改革，要求“革命”的艺术家形成了表现主义，他们在艺术中强调表现主观感情和自我感受，而导致对客观形态的夸张、变形乃至怪诞处理的一种思潮，用以发泄内心的苦闷，认为主观是唯一真实，否定现实世界的客观性，反对艺术的目的性，它是20世纪初期绘画领域中特别流行于北欧诸国的艺术潮流，是社会文化危机和精神混乱的反映，在社会动荡的时代表现尤为突出和强烈。
20世纪初工业文明、机器时代的到来，年轻的艺术家们普遍关注的是如何革新形式，来表现在迅猛变革的工业社会里人们的内在情绪和心理。立体主义的产生时期和表现主义差不多，不同的是表现主义宣泄的是艺术家们对战争、社会现实的不满，而立体主义起源于塞尚的理论和创作实践，艺术家们把塞尚的“要用圆柱体、圆球体、圆椎体来表现自然”这句话当着自己艺术追求的理想。立体主义更多是在折射工业文明、机器时代的社会现实。代表人物就是全民偶像的毕加索，他热衷于前卫艺术创新，也不放弃对现实的表现。《亚维农的少女》这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。

有人反对战争就必定有人支持，未来主义者们就是一群支持战争的艺术家们，他们对现代战争大加颂扬，认为战争是艺术最终极的形式。一些未来主义者们曾是第一次世界大战的幸存者，怀有深刻的民族主义思想，这些经历使得他们未来主义者公然支持意大利的法西斯主义。正好迎合了帝国主义侵略扩张政策的需要，使意大利的未来主义成为官方的艺术，也成了我前面所说的所谓的“御用画家”。而抽象主义则是属于第三种，他们提倡“抽离”，在艺术创造中,除了情移的冲动以外,还有一种与之相反的冲动支配着,这便是“抽离的趋势”。产生抽离的原因是因为人与环境之间存在着冲突,人们感受到空间的广大与现象的紊乱,在心理上对空间怀有恐惧,并感到难以安身立命。人们的心灵既然不能在变化无常的外界现象中求得宁静,祗有到艺术的形式里寻找慰藉。当然抽象主义的产生除了有逃避现实的因素外,还有受到工业、科学技术推动的原因。

达达主义在我看来是艺术史的一次小意外，却也是一场惊天动地的变革。达达主义最初的含义是为了反对艺术，其中最著名的人物就是杜尚，他从不把艺术当回事，以滑稽幽默的方式给严肃的艺术开了一个巨大的玩笑而正是这种态度打破了一直以来艺术的遮羞布，艺术总被人们当做是一件多么了不起的事物，而杜尚用自己的行动作品告诉我们，Art isnothing! 他颠覆了人们的惯性思考，随手拿起的一个小便池放在了不同的环境就变成了一件艺术品！达达主义有其特殊的政治意识形态原因：第一次世界大战期间，人们的日常生活和周边环境遭到严重摧毁，导致精神上的崩溃，以往安闲平稳的绘画面貌已经不再能够打动人，达达主义用一种幻想和离奇的视觉形象来表达对世界的反映。

随着社会的逐渐稳定，社会环境有了很大的提高，这一期间出现的画派大都没有太多革新，受着前面一些流派影响。值得一提的是包豪斯，1919年在德国成立的一所设计学院，世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院。虽然只经历了短短的十四年，但在艺术史上却有着重要的地位，包豪斯优越严谨的教学体系更是沿用至今。它本身就是一件艺术品，无论是外在还是内涵，都值得人们学习欣赏。一直被称为20世纪最具影响力也最具有争议的艺术院校，在当时它是乌托邦思想和精神的中心。它创建了现代设计的教育理念，取得了在艺术教育理论和实践中无可辩驳的卓越成就。包豪斯的历程就是现代设计诞生的历程，也是在艺术和机械技术这两个相去甚远的门类见搭建桥梁的历程。设计在艺术史上始终不能像绘画那么受人关注，而正是包豪斯，引发了人们对设计的重视，这也顺应了工业高度发展的社会需求。

在此之后的艺术流派中不得不提的是抽象表现主义，在艺术内容上它没有什么巨大的创举，但却是第一个由美国兴起的艺术运动。美国兴起此艺术运动跟当时纽约想要取代巴黎成为世界艺术中心是有影响的。也是二战之后西方艺术的第一个重要的运动，享有的地位无与伦比。它是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新的时代的到来，自此之后的一段时期里，西方现代艺术的中心从巴黎转移到了纽约。研究中国美术史也会发现，艺术中心往往代表着经济中心，这也从侧面的反映，随着艺术中心的转移，世界的经济中心也发生了变化。

正像波普艺术，虽然起源于英国，真正发展至鼎盛却是在美国，文化的传承抛开不说，经济在无形中犹如一张大手暗自操控着。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展。波普艺术也是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。它试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。60年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力，不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。 可以这样说，在艺术精神上波普虽没有深造，却发展了艺术的其他道路。其中的代表人物是安迪.沃霍尔，他成了恶搞、前卫、疯狂、流行、经典的代名词。

伴随着社会稳定，高科技的诞生也对艺术带来了重大的影响，其中照相写实就是一个最好的体现，而社会涌现的各种思潮也影响了艺术的发展。女性主义、激浪派、极少主义、地境艺术、涂鸦主义正是由各种社会思潮带来的结果。

影响艺术的到来意味着人类已经迈入了科技时代，人类在科学技术领域里最伟大的进步，不是原子弹的爆炸和航天飞机的上天，而是信息技术的发展；人类在艺术领域中最重在的突破，不是电影和电视技术的发明和发展，而是数码影象技术的诞生。数字影象是真正的科学技术与文化艺术完美。接踵而来就是新媒介艺术，它将艺术变换了一种手段不再是单纯的平面空间，而用动态改变了艺术一直以来的静止。

艺术随着历史长河的流动也在不断地向前发展，不管什么时期的艺术，都是艺术家们用自己的方式传递着信息，可以是个人的，可以是社会的。艺术的发展也在经历着大大小小的分裂合并，趋同创新。艺术史是人类历史的另一种语言，它用美的形式撰写了整个历史的变迁，绘出了人类一个个前进的脚步！

D. 西方艺术历史的介绍

西方的艺术可以说是由希腊人带来并开拓的，中西方由于文化的差异，在艺术的表现上也是各具特色。从绘画为例，东方是泼墨写意，强调的是一种意境，而西方具有鲜明的现实感和视觉与知觉的朴实性，强调的是写实。

E. 西方艺术历史的影响

纵观20世纪的中国美术发展史，就是一部批判、继承本民族的传统艺术文化和吸收、借鉴现代西方艺术思潮的历史。在100多年的发展、变革中，中国的一些美术家在自身的美术创作活动中自觉不自觉地将西方美术作为自己艺术创造的一种对比和参照对象。尤其对一些坚持从传统艺术本身来求新、求变的中国画家，在保留中国画独特个性的同时，也自觉不自觉地采纳、吸收和鉴赏现代西方艺术的有益成分，来丰富自己的艺术语言，具体地讲，大致有三方面的内容。其一，在现代西方的非理性主义哲学影响下，彻底抛弃了古典艺术的理想主义色彩，从而转向对人类内心世界的表现。其实质就是，彻底否定古典主义，运用古拙、深沉的表现技巧来表现庄严神圣的宗教理念，从现实生活出发，从不同的方面，以新的视角，真实科学地描绘客观世界和艺术家身边的现实生活，以及表达自己的感性认识和理性认识。其二，注重形式，把“形式提高到独立地位”，作为艺术创作的基本语言。用新的技巧和形式展示了客观世界和人们的主观精神世界的丰富性，拓展了人们的审美领域。其三，积极吸收科学技术进步的优秀成果，大量吸收、运用人体解剖学、现代光学、化学、色彩学、构图学、透视学以及社会学、心理学等知识，创造了既有独特的艺术个性，又带有时代精神风貌的艺术作品。上述三个方面不仅对西方现代艺术的发展起到了积极的促进作用，而且对近、现代中国画的发展也产生了非常深远的影响，使中国画实现了从传统形态向现代形态的转变。
现代西方艺术思潮作为现代资本主义社会的一种文化现象，对当代中国美术产生的影响，一方面是西洋诸多画种的引进，丰富了我国美术创作的载体。另一方面，西洋画的引进也打破了中国画长期以来的封闭、静止、缓慢变化的格局。中国画源远流长，是中华民族悠久历史文化积淀的一种传统绘画形式，体现着中华民族的审美要求，深受广大人民的喜爱。但是，中国画发展自清代中叶以后，确实暴露出了许多弊端。一是脱离生活，“标榜门户、陈陈相因、固步自封”“近亲繁殖”。①二是排斥科学，不重视发展。虽然在明代宫中供奉西洋传教士画家的风习一直沿袭到清朝，但它并没有对传统中国画家产生根本性影响，传统中国画仍然沿袭、继承古人“随类赋彩”“墨分五色”，注重强调“物体的固有色”而发展着，直到今天，我们仍然没有系统的中国画色彩理论体系。三是形式的“程式化”，标志着中国画的成熟，同时它也是后人无法跨跃的障碍。正是在这种情况下，西方现代艺术注重科学、注重生活、注重形式多样化的创作思潮像一股清新的风吹过中国画坛，使中国画在观念上、表现技法上发生了根本性的变化。纵观100多年的历史，中国画吸收现代西方艺术的有益成分实现自身的转变，大致经历了三个阶段。 第一阶段，19世纪末至20世纪50年代（学习、普及西方绘画知识的时期）。虽然早在明朝时期，欧洲商人与传教士来华，在传播天主教和科学技术的同时，也带来了西方古典美术，打开了中国人的眼界，促进了中西美术的交流。但并未引起中国画家对这种“舶来品”的广泛注意。直到近代，许多有志之士，采取主动、积极的态度学习西方现代艺术。李叔同、高剑文、陈师曾、徐悲鸿等进步人士先后出国学习绘画。回国后，他们一方面兴办教育，普及西方现代艺术，另一方面积极主张“折中东西方”对传统绘画进行改造、创新。高剑文主张“在传统绘画的基础上吸收西洋绘画技法，效法日本画所走过的艺术道路，改革中国画”。以徐悲鸿、蒋兆和等一代宗师为代表，首先扛起现实主义旗帜，积极吸收西方绘画的素描、色彩知识以及人体结构知识，采用传统的笔墨，探索西洋画的塑型观念与中国画的笔墨语言相融合的方法，实现了贴近现实生活和面向人民大众的观念变化。山水画家黄宾虹大师在继承传统技法的基础上，吸收西方绘画知识，实现了由古代文人画的符号化、抽象化的高逸境界向大自然和人生回归的历史转变。花鸟画家潘天寿先生也认为：“对西洋画，搞中国画的不仅要精通本专业，还要学习外来的东西，这才是中国画家的态度。”因此，在他的画中仍然能感受到西画的影响。
第二阶段，中华人民共和国成立到1978年（巩固、改造阶段）。新中国的建立，使无数中华儿女壮志满怀，怀着极大的热情投身社会主义建设，艺术家们亦满怀豪情，积极地用自己手中的笔描绘着一切。但随着社会主义改造的基本完成，接下来的就是一个又一个的阶级斗争运动和史无前例的“文化大革命”。在这种特殊的文化背景下，中国画仍以自己特有的方式继续深化着对西方绘画的吸收、借鉴。具体表现在：一、当时美术界在“二为”方针指引下，鲜明地举起了社会主义的现实主义旗帜，大批画家走向基层、走向农村、走向工厂，创作更加贴近生活，贴近人民大众的美术作品。二、当时虽然彻底抵制着西方社会的腐蚀文化思想，但又由于前苏联的美术与西方绘画在表现材料、手法上属于同一个体系。所以，西方绘画的素描学、色彩学、透视学等科学知识在我国仍得到了强化、巩固。三、彻底“与传统决裂”，要求中国画家，面对现代人的精神面貌和服饰（即短衣、短衫）特点，对传统“以线造型”进行改造，来表现、反映劳动人民的现实生活。创造出了一种“半工半简”的语体形态。人物画家叶浅予、黄胄、刘文西等一大批画家，仍然在探索中西结合，弱化了传统线条的独立性。山水画家李可染、傅抱石、白雪石等人的写生山水，大量吸收西洋画的写实造型并且充分发挥水墨的特性，创造出了当代山水画的主流。花鸟画方面，由于受政治的约束和花鸟画的自身限制，基本上没有明显的发展，像王雪涛、郭味蕖的“半工半简样式”与当时人物画的表现手法是相一致的。
第三阶段，1978年以来至今（变革、创新阶段）。党的十一届三中全会以来，我国实行改革开放的政策，建立社会主义市场经济体制，给整个社会带来了根本性的变化。尤其是文化的裂变，使得审美文化从其泛政治化倾向中摆脱出来，出现了多元的发展势头。作为优秀传统文化的中国画，则在这场裂变中，再一次陷入选择发展道路的困境之中：一方面它无法抵抗西方现代主义思潮的冲击；另一方面又不能从传统的精神中发展出新生命，因而在西潮与传统之间徘徊瞻顾、痛苦万分。一些青年画家喊出了“中国画穷途末路”的呼救声。②这呼声最终导致了一场前所未有的大争论。即“中国画走向何方？”在这场争论中，有的主张坚持现实主义，注重写实、塑造典型；有的主张绘画不要与政治沾边；有的主张打破所有旧模式，寻求无法之法；有的却主张“返祖”，召唤原始艺术；有的主张“纯绘画性”，形式大于一切；有的主张直觉、感知，排斥理性，如此等等。③这种思潮和现象，真可谓“仁者见仁、智者见智”，但笔者认为这场争论的根本原因是人们已经看到了现代西方艺术思潮的确有其先进的一面，却苦于吸收、借鉴之观念、意识模糊，而导致对中国画的反思。随着社会不断发展和中国画家们的不断努力，一些国画家们对西方艺术的吸收、借鉴意识逐渐清晰，行动更加坚定，加大了中国画与西方艺术融合的力度和速度。同时提倡传统与吸收西方绘画的斗争更为激烈，而且随着社会的发展，将继续斗争、融合下去。中国画正是在这种矛盾和斗争中，不断变革创新，不断完善发展，愈加焕发出它特有的魅力。
21世纪的中国画将如何发展，这是摆在我们面前必须思考的问题。对此，我们要用科学的态度和辩证思维的方法分析问题。马克思主义认为，经济基础决定上层建筑，上层建筑要与经济基础相适应。为此，我们应清醒地认识到建立社会主义市场经济新体制，就是以公有制为主，其他所有制形式为辅的体制，与此相适应的上层建筑（指绘画艺术领域）也将呈现出一主多辅的多样化趋势。所谓一主就是在内容方面强调时代精神和精神文明建设，在形式上提倡现实主义手法。所谓多辅指中国画家们在继承传统艺术有益成分的基础上，广泛吸收现代西方绘画的诸多流派的各种形式特点、表现手法来丰富自己的绘画语言，更好地反映社会各个阶层的审美要求。这“一主多辅”的格局也必将促使中国美术界在对待西方艺术的问题上，会有意无意进行吸收借鉴，从而实现中国画从传统形态向现代形态的彻底转变。 综上所述，现代西方艺术思潮对中国画发展的影响，贯穿于整个现代史。中国画吸收、借鉴西方艺术也是势不可挡的趋势。因此，我们在吸收和借鉴的问题上，应该“取其精华、去其糟粕”，避免盲目性。只有这样，我们才能在中国画的发展、创新方面取得重大突破，才能创造出既保留了中国画的个性，又能代表现代社会人们的共同审美要求的现代中国画。

F. 西方艺术设计的历史大致可分为那几个时期

关于西方艺术史，尽管不少老师多次强调它对于提高艺术鉴赏力和夯实美学基础的重要性，遗憾的是大学课堂并未讲授，我只能自己到文艺书厅翻阅那些精美的画册，感叹于《泉》那样优美的裸体绘画，还有出土的断臂维纳斯、恢宏的罗马斗兽场、巍峨的哥特式教堂，等等，都给我留下过深刻的印象。因此常常神往像叶芝那样《驶向拜占廷》：“那不是老年人的国度。青年人/在互相拥抱……我就远渡重洋而来到/拜占廷神圣的城堡……请尽快把我采集进永恒的艺术安排……在金树枝上歌唱/一切过去、现在和未来的事情/给拜占廷的贵族和夫人听。”

一、寻找西方艺术史

我一直没有系统读过西方艺术史，因为书架上的教材、读本大多被翻得残旧难看，还有一股难闻的尘味，我屏住呼吸翻了几页，见理论太多、插图太少，就兴趣索然，宁愿继续去翻看提香笔下的那些健硕裸女。作为一个刚满18周岁的成年男子，知慕少艾，却未谙女体，此时与其说是欣赏西方艺术，不如坦白招出自己好奇的性心理。
欧洲的天才人体画家们常常将仙女绘成专食人间烟火的欲女，如提香的《乌尔比诺的维纳斯》，让美神成熟的裸体斜躺于榻上，两眼含着渴望、期待、挑逗、茫然和无所谓的神情，既像思春的贵妇人，又像淫荡的妓女，仿佛在等待着情人或顾客的来临。那时我听说过一点古希腊艺术的知识，就以为表现性与肉欲是西方绘画的主要特点，却忽视了提香在维纳斯后面画的两个人，其中一个双膝下跪似在祈祷，代表了画家的某种宗教情怀。对此画的理解，要将诱人的肉体和背后的祈祷联系起来才算完整。
若干年后，我找到了一个比较好的版本，海南出版社2000年版的《西方艺术史》，图文并茂，几乎每页都有艺术作品的插图，看起来清爽多了，唯一的缺陷是理论诠释过于简略，许多地方看起来似懂非懂。幸好我曾零星看过一些艺术赏析的书，所以勉强能接受。
此书由四名欧洲学者编撰，原名“The history of art”――艺术史。这种欧美中心论的治学方式钩起了我心理的一点不快，毕竟书中只有欧美的艺术，相信译者看了也有这种感觉，所以转译为《西方艺术史》。

二、文艺复兴之前

西方艺术起源于何处？文艺复兴期间有一幅名画叫《维纳斯的诞生》，刚从海洋泡沫中诞生的维纳斯站立在一只蚌壳上，两位风神把她送到岸边，时辰女神拿着花斗篷前来迎接，天空下着玫瑰花雨，海面微微泛起波澜。这大概就是艺术诞生的隐喻。
神话传说、祭祀、狩猎、性爱、生育、史前洞穴……沿着时间的脚印巡礼西方艺术，可以发现法国拉斯科洞窟的原始绘画也充满了抽象、象征的意味，令人想起印象主义和现代的某些画风。
尽管美索不达米亚和埃及等地中海沿岸地区都对西方艺术的形成产生过重要影响，但真正起决定性作用的无疑是伟大的古希腊文明。希腊人除了给我们留下动人的神话故事，还有雅典娜、宙斯、赫拉和巴底农等立柱式的神庙，因其对石材的广泛应用而保存长久；至于人体艺术，他们更是鼻祖。在中国人在艺术创作中羞涩地隐藏起自己的胴体时，他们很早就提出人体的最佳比例：身高7至8倍于头长；并奉献出了《掷铁饼者》等大量完美的裸体雕像。即使在希腊化时代，也有一只极其帅气的亚历山大大帝头像，实在想不到他就是那个曾经纵横欧亚大陆的军事统帅，和神话中的阿喀硫斯一样战无不胜，可惜英年早逝。希腊时代的人体艺术品，无论男女，在体型、气质方面都达到了无可企及的美境。
罗马帝国的艺术承自希腊，但《披甲的奥古斯都皇帝》繁琐的衣甲抑制了人的生命力，自以为是的领袖架势已显造作，美感远远逊色于希腊裸男。中世纪无论是拜占廷、罗曼还是哥特艺术，除了建筑风格尚可欣赏之外，那些神祗和人物画看起来很气闷，这是欧洲的阳萎期，而同期的唐朝诗人李白“仰天大笑出门去，我辈岂是蓬蒿人！”唱响了盛唐艺术的最强音。

三、文艺复兴之后

直到文艺复兴，人文主义思潮的传播才使西方艺术重新勃起。达芬奇、提香、波提切利、米开朗基罗等天才重拾希腊精神，将西方艺术提升到了新的层次。《蒙娜丽莎》不必多说。米开朗基罗的雕塑《大卫》也是世界艺术史罕有的杰作：大卫这个《圣经》里的英雄充满自信地站立着，向人们展示了他的健美身材，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动，面容英俊，双目有神，英姿飒爽，身体中积蓄的强大力量似乎随时要爆发，代表了伟大的人文主义精神。此雕像的复制品至今仍屹立在意大利佛罗伦萨的市政广场，原件则在博物馆严加保存。可惜书中仅选了多纳太罗的《大卫》雕像，虽然也不俗，但比米氏差了一个档次。
文艺复兴向前演变，就产生了“巴洛克”、“罗可可”等术语。前者原指形状不规则的东方珍珠，后词义变宽，表示思想和表达方式的独特、个别、任意性，在艺术创作中表现为对感官、喜庆、浮华和激情的突出。后者原指对岩洞、贝壳和钟乳石的模仿，后被引入室内装饰，日益走向日常生活，变得越来越世俗化。这个时期的西方艺术给我印象深刻的是罗马圣彼得大教堂广场等宗教建筑和巴黎贵族的沙龙以及装饰豪华的宫殿，还有伦勃朗的自画像。
伦勃朗有画自己的嗜好，共画了近百幅，我看到的是他青年、中年、老年三个时期的三张自画像。青年时期他身穿华丽服装、意得志满、嘴唇充满肉感，看起来玉树临风，可以想像他应是一位风流才子。中年时期他眉宇显出疲倦，衣着朴素，已经发福，人到中年百事忧，看来他也难免俗。老年时期他穿着尊贵的服饰，胸前还挂着类似怀表的饰物，清澈的眼睛透出哲学般的深思，嘴角的撇起和隐隐的微笑表示自己已经世事洞明，看清楚了就无所谓。人生的三个阶段，在此得到了充分概括。

四、19世纪的西方艺术

19世纪最先出现的是新古典主义，《马拉之死》、《荷拉斯兄弟的宣誓》等作品告诉我们艺术辞典中离不开责任、宏伟和庄严等词。油画《马拉之死》表现了马拉这个法国大革命的重要领导人刚刚被刺的惨状：被刺的伤口和染红了浴巾的鲜血，握着鹅毛笔的手垂落在浴缸之外，另一只手紧紧地握着凶手递给他的纸条。作者以触目惊心的画面来表现了古典主义的献身精神。《荷拉斯兄弟的宣誓》以罗马历史上的英雄荷拉斯三兄弟向老父亲作出征前的宣誓，表现对国家的忠诚和荣誉感，而旁边妇女们的哭泣哀叹强化了他们刚毅神武的英雄形象。
对于浪漫主义，我们首先要记住雨果的名字，他从理论上阐述了浪漫主义，并在文学和绘画等方面作了重要探索。他的小说《巴黎圣母院》和《悲惨世界》闻名于世；画作《涡石灯塔》以拟人化的手法将灯塔塑造成了为浪漫主义狂飙大声疾呼的旗手。还有载入过中学历史课本的《自由指引人民》（作者：德拉克罗瓦），画中自由女神敞胸露乳、高举旗帜带领革命者向光明前进，非常激动人心。德拉克罗瓦的另一幅画作《萨达纳巴尔之死》表现了国王在围城内准备与所有财宝、骏马和女人一起自焚殉国时的情景，火红的宫床、绸缎、缰绳、辔饰、长幔，国王的眼光从上方倾斜而下，右下角的妇女惨遭割喉，整个画面惊心动魄，具有巨大的艺术爆发力。这幅画就像德拉克罗瓦在日记写的那样：“色彩就是眼睛的音乐，它们象音符一样组合着……无法达到的感觉”。
此后的现实主义更加关注社会现实和平民的普通生活，如米莱的《捆干草者》、莱勃尔的《教堂里的三个女人》等。库尔贝的《画室》应是代表作。他这样描述自己的画作：“这幅画分为两个部分，我处在中央，正在作画；右边是所有股东，也就是说朋友、艺术界的工作者和爱好者。左边是另一个平凡生活的世界，普通百姓、悲惨的人、穷人、富人、受剥削者、剥削者以及靠死人生活的人……一名女裸体模特儿站在我椅子后边。” 这幅画极具象征性，画中的画家仿佛就是圣父，用他的画架分开了善恶，进行着最后的审判。
最令我震撼的是其后出现的印象主义。摄影技术揭示了表象的多样性和直接捕捉真实感觉的重要性。印象主义更强调画家的主观感觉和捕捉瞬间的的能力，他们确信风景是依时刻、季节、气候不同而变化的，这种短暂、瞬间的诱惑把他们引向逐渐消逝和无穷无尽的艺术幻想。一般认为这一画派的奠基人是马奈，他的《草地上的午餐》把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，愉快地聊天、聚餐，以夸张的手法表达了对率真、自由的世俗生活方式的向往，其鲜艳明亮、对比强烈的画法是对传统的突破。
“印象派”一语由莫奈的《印象，日出》所引发，他描绘了法国勒阿弗尔港口一个多雾早晨的景象：一轮红日投射在海上，海水被染成淡紫色，天空微红，水波淼淼，摇曳的小船朦胧模糊，人影依稀可辨，远处的工厂烟囱、大船上的吊车等若隐若现。这来临自他从一个窗口凝望产生的瞬间印象，笔触大胆新奇，开创了一代画风。
梵高的故事相信大家都不陌生，斯通的《梵高自传》已有具体描述。他不是正宗的印象派，但却是真正的天才，就是普通的向日葵也被他画出了生命的真谛。欣赏那幅不朽的画作《向日葵》，可体会到画家像熊熊火焰一样炽热的激情和旋转不停的运动感，还有单纯强烈、粗厚有力的色彩对比，那种激动人心的画面效果充分体现了他心灵的震颤和激情。这时的向日葵不再是静静的植物，而是带有原始冲动和热情喷发的生命体。他画的草鞋、工人等也闪烁着天才的光芒，流露着悲天悯人的情怀。
与印象派相关的大师还有高更、塞尚等。

五、现代艺术的困境和嬗变

20世纪是工业化集大成的时代，钢筋水泥成为广泛应用的建筑材料，建筑在强调美观的同时，更具实用性和世俗性。欧式高楼大厦随全球化走遍世界，五大洲处处皆是，这在城市化的中国尤为泛滥，造成诸城的千篇一律。而我喜欢的经典之作如悉尼歌剧院和贝聿铭为卢浮宫入口处设计的金字塔等在国内非常罕见。
在都市森林中，在两次世界大战造成的人道主义危机中，在意识形态的幻变中，艺术亟需变革。受到象征主义、批判现实主义、印象主义、自然主义和唯美主义等各种思潮影响的毕加索开辟了立体主义的新天地。过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。受X光透视等现代科技启发，立体主义以全新的方式展现事物，他们从正面不可能看到的多个角度去观察，把几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。毕加索在《阿维尼翁的姑娘们》中，把五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的，右边两个女子的面孔酷似非洲的硬木人面具，右下角的女子双腿分开令人联想起性和生育，画面下方还有几只水果，充满象征和暗喻，至今仍是个未被说明的秘密。这反映了20世纪现代艺术的特点：作者只提供一个空间和可能性，让读者参与创作，主题在作者和读者的互动中产生（甚至，根本就是无主题）。
康丁斯基更将现代艺术引向了大抽象，使人们对事物外表的的审视转变为“内部参与”。他的作品《带黑色的弓形，154号》中，特定的主题和视觉的判断都消逝了，只借色彩和形状的搭配营造出一种猛烈冲突的动势和紧张，令人想起世界大战或罢工。《白线，232号》以一种松散和气氛性的手法来处理的，色块被一种强烈的直线条图案和规则的曲边所强调，也许想表现宇宙空间和星系的相互作用。
随后的艺术家们越走越远，那些奇思妙想的几何造型和极度抽象的色彩组合令人越来越费解，艺术家企图突破传统，却越来越陷入迷宫，超现实主义、行为艺术……五花八门的术语掩饰不了审美的混乱，至少我对这阶段的艺术并不喜欢。当然也有些艺术家在回归传统，关注现实，以简洁的象征来表达主题，但成就与前两个世纪尚有差距。
至于互联网时代的艺术，读图开始优先于读文，声光特技和电脑制作的发展使创作变得更含混，一切尚在嬗变中，我混乱的脑袋尚未清晰，无定的寻觅中只能欣赏当下和回眸以往。

G. 西方艺术发展至今共分为哪几个阶段呢

经过漫长的中世纪，在人文主义思想和科学方法的双重影响下，出现了人类美术史上的重要时期——文艺复兴，这一时期复兴了古希腊的艺术模仿自然的学说。为了达到真实反映现实的目的，艺术与科学结合起来，透视学和解剖学成为该时期艺术的两大支柱。意大利佛罗伦萨的乔托成为文艺复兴的第一位画家，他的《哀悼基督》让我们在西方艺术史中第一次在画面上发现了某种令人产生身临其境之感的幻觉真实，乔托标志着西方艺术之“绘画时代”的开始。这一时期，不少杰出的艺术家为了“真实”地反映自然，做了许多科学性的研究。弗朗切斯卡以谨严的数学头脑和科学态度写了《论绘画中的透视》，达·芬奇更认为绘画是一门科学，而“一切真科学都是通过我们感官的经验的结果”。他的《绘画论》系统地讨论了绘画的性质、和现实的关系等美学理论问题，还阐述透视学、光影学、人体比例以及自然现象等知识。文艺复兴时期——主要是意大利画家——完善了真实的概念，发展了再现这种真实的艺术手法。
17世纪和18世纪西方美术史相继出现了巴洛克、罗可可风格
随后的19世纪近代绘画相继出现了新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象主义、后印象主义
19世纪末以塞尚、凡·高、高更为代表的后印象主义。
20世纪的绘画开启了大门出现了意大利未来主义法国的俄尔甫斯主义、纯粹主义、英同的漩涡主义等凡·高影响了后来的野兽派。随后相继出现了德国桥社，青骑士等表现主义团体，产生了抽象美术。
你的问题也就我不嫌麻烦，追加点分好么？

H. 中西方艺术发展史

建议你还是就说一段时期的中西方艺术史吧。。

西方艺术发展史
在西方漫长的古代史中，因为宗教占据了社会整体的核心地位，是这个整体的基本凝聚力，艺术不仅因为依靠宗教而得到了纵贯历史的辉煌发展，而且艺术本身的存在（形式和内容）也是统一于宗教的——它是宗教活动的一种基本工具和方式。在西方艺术发展史的研究中，不深入理解西方宗教精神，不把这种精神作为艺术的内在动机，是不能真正把握自古希腊以至于前浪漫主义时代的西方艺术实质的。比如，人体艺术的发达，是西方艺术的一个基本传统。这个传统的确立，是以西方世界根深蒂固的宗教情怀为基础的。传统艺术家是把为人塑像作为为神造像的神圣事业来进行的。在此，我们看到艺术与宗教的内在统一性，也因此艺术是传统西方社会所绝对必须的。

东方艺术发展史
中国历史的情况不同。传统中国社会是以宗法体制为核心的，这决定了伦理与政治的紧密结合，而艺术则在这一结合之下，成为传授宗法精神、实现宗法统治的基本工具和方式。在传统中国文化的主导体系（儒家学说）中，艺术被赋予两个层次的规定：艺与乐教。艺，即技艺，把艺术视为技术或技巧活动；乐教，泛言之，即今天所谓艺术教育。艺术作为单纯的技巧性活动，是儒家所看轻的；艺术作为“乐教”，即艺术教育，才是儒家所看重于艺术的。儒家认为，乐教的基本作用，是深人个体心灵而培养社会成员内在的社会认同意识——共同感。这一作用是其他社会方式如礼、法所不能具有的。在这个意义上，艺术是社会维系所必须的。

无论在西方还是在中国，美学的产生都是因为社会的现代化变革，导致了传统文化精神的瓦解，现代文化把审美一艺术中心化、自律化，并以此为基础重建人类文化精神。人类社会的现代化运动是一一个只有双重意义的世俗化运动。一方面，它通过理性启蒙，把人类从传统的神话一宗教统治下解放出来，使人类获得精神自由；另一方面，它的工具一合理化原则把人的存在束缚于技术的无限发展和经济效益的追求，消解、甚至剥夺人类自我存在的内在价值、目的意义。现代化的双重性使人类的现代生存面临着理性与自由、个性与整体、技术与生命、精神、物质等多重互相悖反的矛盾。面对着这些矛盾，美学始终站在人类自我存在的立场上，从人的内在精神发展和完善的需要出发，开拓和表达现代人文精神。美学不仅提供了研究和阐释人类审美一艺术活动的新角度、新方法，而且是现代人文精神发展的一个基本形式、实际上承担了传统宗教和伦理学的工作。这是美学对于人类现代生活的特殊意义所在。

I. 求概括西方艺术的发展史

14—16世纪的文艺复兴运动拉开了西方近代美术史的开端。任何事物的发生都不是独立存在的个体，既不会突然出现，也不会瞬间消失。在整个文艺复兴背后的推手是欧洲封建社会内部出现了资本主义经济的萌芽，城市工商业的繁荣及其政治上的相对独立或自治。经济基础决定上层建筑，人们在满足了物质需求后必然会追求更高层次——精神需求。文艺复兴期间涌出了众多著名的艺术家，代表人物有.达·芬奇、 米开朗琪罗、拉斐尔、安吉利特、尼德兰等，他们的艺术手法深深地影响了后世的艺术爱好者们。 
二十世纪虽然不及文艺复兴来的精绝，可在整个艺术史中也是一个活跃的年代，短短百年间，涌现出众多的艺术流派，从野兽派开始，经历了表现主义、立体主义、未来主义、抽象主义、达达主义、风格派、形而上画派、包豪斯、超现实主义、巴黎画派、抽象表现主义、新现实主义、波普艺术、欧普艺术、地境艺术、观念艺术、行为表演艺术、照相写实、激浪派、极少主义、女性主义、涂鸦主义、装置艺术、影像艺术、新媒介艺术、全球化时期、象征主义、俄国前卫艺术、构成艺术、八人画派、现代雕塑、后现代名词解释，直至世界现代设计。 
20世纪初工业文明、机器时代的到来，年轻的艺术家们 普遍关注的是如何革新形式，来表现在迅猛变革的工业社会里人们的内在情绪和心理。立体主义的产生时期和表现主义差不多，不同的是表现主义宣泄的是艺术家们对战争、社会现实的不满，而立体主义起源于塞尚的理论和创作实践，艺术家们把塞尚的“要用圆柱体、圆球体、圆椎体来表现自然”这句话当着自己艺术追求的理想。立体主义更多是在折射工业文明、机器时代的社会现实。代表人物就是全民偶像的毕加索，他热衷于前卫艺术创新，也不放弃对现实的表现。《亚维农的少女》这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。 
随着社会的逐渐稳定，社会环境有了很大的提高，这一期间出现的画派大都没有太多革新，受着前面一些流派影响。值得一提的是包豪斯，1919年在德国成立的一所设计学院，世界上第一所完全为发展设计教育而建立的学院。虽然只经历了短短的十四年，但在艺术史上却有着重要的地位，包豪斯优越严谨的教学体系更是沿用至今。它本身就是一件艺术品，无论是外在还是内涵，都值得人们学习欣赏。一直被称为20世纪最具影响力也最具有争议的艺术院校，在当时它是乌托邦思想和精神的中心。它创建了现代设计的教育理念，取得了在艺术教育理论和实践中无可辩驳的卓越成就。包豪斯的历程就是现代设计诞生的历程，也是在艺术和机械技术这两个相去甚远的门类见搭建桥梁的历程。设计在艺术史上始终不能像绘画那么受人关注，而正是包豪斯，引发了人们对设计的重视，这也顺应了工业高度发展的社会需求。 

在此之后的艺术流派中不得不提的是抽象表现主义，在艺术内容上它没有什么巨大的创举，但却是第一个由美国兴起的艺术运动。美国兴起此艺术运动跟当时纽约想要取代巴黎成为世界艺术中心是有影响的。也是二战之后西方艺术的第一个重要的运动，享有的地位无与伦比。它是战后漫长风格实验的开端，标志着一个新的时代的到来，自此之后的一段时期里，西方现代艺术的中心从巴黎转移到了纽约。研究中国美术史也会发现，艺术中心往往代表着经济中心，这也从侧面的反映，随着艺术中心的转移，世界的经济中心也发生了变化。 

正像波普艺术，虽然起源于英国，真正发展至鼎盛却是在美国，文化的传承抛开不说，经济在无形中犹如一张大手暗自操控着。美国波普艺术家声称他们所从事的大众化艺术与美洲的原始艺术和印第安人的艺术类似，是美国文化传统的延续和发展。波普艺术也是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。它试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。60年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力，不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。 可以这样说，在艺术精神上波普虽没有深造，却发展了艺术的其他道路。其中的代表人物是安迪.沃霍尔，他成了恶搞、前卫、疯狂、流行、经典的代名词。 

17世纪:巴罗克艺术
巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。 
巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。 
手法主义是16世纪晚期欧洲的一种艺术风格。其主要特点是追求怪异和不寻常的效果，如以变形和不协调的方式表现空间，以夸张的细长比例表现人物等。建筑史中

J. 西方美术发展史

15世纪之间的西方美术,包括拜占庭美术、
爱尔兰－撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛林美术、
罗马式美术和哥特式美术。早期基督教美术有时也被归
入中世纪美术。这些丰富多彩的美术构成了欧洲美术发
展过程中的重要环节。
中世纪美术是西方文化的特殊表现形式之一。它改
变了希腊美术、罗马美术的传统，并在发展中逐渐形成
自己的形式和内容体系，成为特定时期人们生活、观念、
思想、感情的特殊形式的表现。总的说来，中世纪美术
属于基督教美术。作为宗教信仰和神学的表达形式，这
种艺术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世
界的表现。为此,它往往以夸张、变形,改变真实空间序
列等多种手法来达到强烈表现的目的。在这一总的特征
下，中世纪美术各种风格之间又存在着很大的差异。拜
占庭美术以其东方式的装饰性和抽象性与欧洲艺术分立
而自成体系，并在约1000年的发展中始终保持着自己的
独立性。爱尔兰－撒克逊和维金美术、奥托美术、加洛
林美术、罗马式美术和哥特式美术则以不同的形式出现
在欧洲美术发展的不同时期，相继以各自独特的风格在
美术史上占有其一席地位。
建筑的高度发展是中世纪美术的最伟大成就。在中
世纪，各种形式的大型宗教建筑在各地大量修建。作为
历史纪念碑的许多拜占庭教堂、罗马式教堂、哥特式教
堂都在艺术上和工程设计上取得了很高的成就。随着大
教堂的建设，雕刻、镶嵌画、壁画也在不同时期获得了
不同形式的繁荣；中世纪艺术家的大量优秀雕刻和绘画
包括镶嵌画作品在大教堂内外创作出来。插图画和各种
小型艺术也是中世纪美术的重要组成部分，它们在中世
纪曾获得相当的繁荣。
由于文艺复兴时代及其后的写实主义艺术观的影响，
中世纪美术曾在很长时期内没有得到人们的充分认识，
甚至称为“黑暗时期”而加以否定。从19世纪开始，西
方史学家们才开始重新认识和评价中世纪美术。在20世
纪，中世纪美术成为美术史研究的重点之一。许多现代
美术史学者分别从不同的角度，运用不同的方法，对各
种中世纪美术风格进行深入的观察和解释。他们的研究
越来越充分地揭示出中世纪美术所独具的美学特征及其
在西方美术发展史中的地位和意义。