色彩的发展历史

㈠ 人文色彩的历史概念

在欧洲历史和哲学史中，人文色彩主要被用来描述14到16世纪间较中世纪比版较先进的思想权。一般来说今天历史学家将这段时间里文化和社会上的变化称为文艺复兴，而将教育上的变化运动称为人文色彩。
人文色彩这个词实际上很晚才出现，它来自与拉丁文中的humanitas，古罗马作家西塞罗就已经使用过这个词了。德国启蒙运动时代的哲学家将人类统称为Humanität，当时的人文色彩者称他们自己为humanista。
而Humanism这个词却一直到1808年才出现。

㈡ 色彩营销的历史发展

色彩营销理论最早在20世纪80年代由美国的卡洛尔·杰克逊女士创办的ColorMe Beautiful(简称CMB)公司在企业营销实践中提炼和总结出来的，该理论的实质是根据消费者心理对色彩的需求，运用色彩营销组合来促进产品销售，它是把上百种颜色按四季分为四大色彩系列，各系列的色彩形成和谐的搭配群，根据不同人的肤色，发色等自然生理特征以及个 人面貌、形体和性格，职业等外表特征选取最合理的色彩系列，从而最大限度的发现美。
国外有一种理论叫“七秒钟色彩”。它认为：对一个人乃至对一种商品或事物的认识，可以在七秒钟之内以色彩的形状留在人们的印象里。因为根据国外相关机构的研究表明：能被消费者瞬间进入视野并留下印象的产品，其时间是0.67秒，第一印象占决定购买过程的60%，而这60%是色彩带来的，由于公司产品与色彩的特殊联系，色彩营销理论一开始就受到美容美发、化妆品、服饰等行业的重视，并在企业的营销活动中加以运用。
伊顿在《色彩艺术》中指出：“连续对比与同时对比说明了人类的眼睛只有在互补关系建立时，才会满足或处于平衡。”“视觉残像的现象和同 时性的效果，两者都表明了一个值得注意的生理上的事实，即视力需要有相应的补色来对任何特定的色彩进行平衡，如果这种补色没有出现，视力还会自动地产生这种补色。”“互补色的规则是色彩和谐布局的基础，因为遵守这种规则便会在视觉中建立精确的平衡。”伊顿提出的“补色平衡理论”揭示了一条色彩构成的基本规律，对色彩艺术实践具有十分重要的指导意义。如果色彩构成过分暖昧而缺少生气时，那么互补色的选择是十分有效的配色方法，无论是舞台环境色彩对人物的烘托 和气氛的渲染，还是商品广告及陈列等等，巧妙地运用互补色构成，是提高艺术感染力的重要手段。
到20世纪末，“色彩应用”及“色彩营销”理论已被欧美及世界其它许多国家的企业广泛运用到企业的营销活动当中，并在激烈的市场中战胜竞争对手，获取竞争优势的一种一个小策略。在意大利，服装色计师们把大自然的和谐之美完美地融入到服装中，引起了人们对自然和谐之美的向往和反思。
现在色彩营销在范围上越来越广，她突破了原来的个人诊断，而更广泛运用到商品橱窗设计、商品陈列设计、产品及包装设计、企业品牌形象、广告宣传、城市色彩规划等方面。
总之，随着色彩营销理论的发展与传播，色彩策略在企业营销活动中的运用越来越频繁，并将逐渐成为企业在激烈的市场竞争获得竞争优势的一个重要手段。

㈢ 关于颜色心理学的发展史〔请详细一点，谢谢〕

人类从古代开始，历经中世纪、文艺复兴以至到19世纪中叶，对心理的探索和研究，都是处于一种无明确的研究目的、目标，无明确的研究思想、方法的混沌状态下自发的或不自觉地进行的，夹杂在对哲学和神学的研究中。心理学的内容融汇或包括在哲学和神学的内容体系中，心理学家是由哲学家、神学家、医学家或其他科学家兼任，心理学的方法也主要是思辩的方法。亚里士多德的《灵魂论》，可以说是世界上的第一部心理学专著。
心理学的真正历史，是1879年冯特在德国莱比锡大学建立世界上第一个心理实验室才开始的。
冯特，是公认的第一个把心理学转变成一门正式独立学科的真正奠基者，也是心理学史上第一位真正的心理学家。他的《生理心理学原理》是心理学史上第一本真正的心理学专著。
心理学既是一门古老的科学，又是一门年轻的科学。


心理学在成为一门独立科学之前的发展

古代东方的心理学思想

禁止解剖肉体造成对人体构造的不理解。在东方各国（而后在古希腊）都认为血液循环具有决定性意义，认为生命力的基础是两种因素：血液的浓度和血液中的空气。古埃及的医学纸莎草文献认为，人类是一种“起源于用鼻子吸入万灵气体的生物”。中国医学文献认为心脏是身体之本，是心理活动的主要器官，气是生命机能的基础。气在人体内与其他的组成部分相混合，既有生理的功能，也有心理的功能。它赋予人以语言的能力，成为“思维的动因”。
古印度到后来在“心脏中心”说的同时又出现“脑中心”说。


古希腊罗马的心理学

朴素唯物主义的出现，使人们认为自然界的因果起源存在于自然界本身之中，而不是存在于超感觉世界中的、经不起逻辑分析和试验研究（观察）的、随心所欲的力量的作用之中。
德漠克利特、柏拉图和亚里士多德


封建社会的灵魂学说

在欧洲，基督教取得胜利，成为封建社会的统治思想后，严重摧残已经衰落的古代文化。它让人们仇视一切以经验和理智为基础的知识，而强调教会教条的千真万确。古迹被毁坏，图书馆被封被烧，书本被用以各种诸如取暖的莫名用途。
阿拉伯文化则向经验、向对自然的实证知识接近。伊本-西拿和伊本-鲁士德



文艺复兴时期的心理学思想

文艺复兴时期的哲学心理学思想的历史也是从对亚里士多德关于灵魂学说的争论开始的。思想家们对亚里士多德学说持否定态度，在他们看来亚里士多德学说已被改造成符合教会和烦琐哲学的教条。他们自己对世界不能作出解答时，便把希望寄托在亚里士多德以前的各种学说上。


十七世纪的心理学说

机械决定论。认为，活的躯体是一种机械系统，不需要任何隐秘的质和灵魂对它加以解释。意识是个人所固有的，通过内心观察获得关于本人心理状态和动作的尽可能确切的知识的能力。激情是在人体内由于人的本性而形成的指使人趋利避害的行为调节器。


十八世纪的心理学说

牛顿物理学和哈勒生理学，决定了这一世纪自然科学的面貌。


十九世纪前半期的心理学说

反射学说

19世纪末20世纪初，心理学的研究呈现出百花齐放、百家争鸣的局面。当时出现了以冯特、铁钦纳为代表的构造主义学派，以詹姆士、杜威、安吉尔为代表的机能主义学派，以华生、托尔曼，斯金纳为代表的行为主义学派，以维台默、考夫卡、苛勒为代表的格式塔学派，以弗洛伊德、阿德勒、荣格为代表的精神分析学派等等。这些学派的基本理论观点不同，研究的范围和方法不同，却都想以自己的理论体系来统帅整个心理学，于是形成长期的争论和对峙。这在一个新学科的开创阶段是不可避免的，它表明这个学科的不成熟，也表明它正在发展壮大。到了20世纪30年代，有些学派萎缩了，有些学派发展了，新行为主义和新精神分析学派成为两个比较有影响的学派。到了60年代，在美国出现了心理学的第三种力量——人本主义心理学，它反对用机械论和还原论的观点研究人，主张心理学应是人化的心理学，强调研究人的本性、价值、尊严和自由。与此同时，认知心理学成为心理学研究的新方向，它认为人的行为主要决定于认识活动，强调心理学主要应研究人类认识的信息加工过程。还应该指出，二战以后心理学的研究中心是在美国，其他国家多是学习和借鉴美国的心理学。近些年来已经出现了从本国实际出发研究心理学的倾向，这种倾向先是出现在欧洲、接着出现在亚洲。

我开设这个站点，目的就在于推进我国心理学的研究、发展和交流，结合中华民族特有文化和现实工作生活，多出成果，使我国的心理学研究水平能够出现较大飞跃。


参考资料：
北大心理学专业听课笔记之西方心理学史简编 华南师范大学心理咨询研究中心
古代前期的心理学观念古希腊人信奉万物有灵论。
秘教相信人死后可以得到快乐的永生。阿尔阜斯秘教的影响最大。
泰勒士（米利都学派）：认为水是万物的根源，万物由水生成，消灭后复归为水。 毕达哥拉斯（毕达哥拉斯学派）：认为自然现象的基础不是物质的始源，而是数及其关系。数构成了宇宙的"秩序"――社会"秩序"的原型。毕达哥拉斯认为灵魂分三部分，即理性、智慧和情欲。理性在脑，智慧也在脑，情欲在心脏。动物只有后二者而没有理性。只有人三者齐备，三者中只有理性是不死的。毕达哥拉斯由实验发现了乐器的弦长与音高的关系是整数。
爱弗斯学派与埃利亚学派是对立的。前者是古代西方辩证法思想的代表；后者是古代西方形而上学思想的代表。赫拉克利特（爱弗斯学派）是辩证法的奠基人之一。他认为变化是世界万物的本质：以火代表万物的根源；万物由火生成。并认为人的身体是土，而人的灵魂是纯净的火.巴门尼德（埃利亚学派）认为只有思维、逻辑才能达到真理。
恩培多克勒（四根说）：四根是土、水、火、空气。他认为土、水、火、空气是不能自动的，必须另有物使之运动。他称这种物为爱、憎。爱使四根结合，憎使四根分离。恩培多克勒认为，人的身体由四根构成。恩培多克勒认为，人的心理特性依赖身体的构造；演说家是舌头的四根配合最好的人，艺术家是手的四根配合最好的人。
德谟克利特继承并发挥留基伯的原子论，认为世界只是原子和虚空。灵魂是物质的，是细小圆滑如火那样的原子构成的。
灵魂原子遍布全身，但特别集中于感官、脑、心脏和肝脏。脑是思想的器官，心脏是意气的器官，肝脏是欲望的器官。
阿尔克美恩是西方第一个从事动物解剖的人。认为脑是感觉和思维的器官。
希波克拉底长于外科手术，善于诊断和治疗，被称为西方医学之父。他认为，一切病都是由于自然的原因，与神无关。著作《论圣病》是一本专论羊痫疯的书，认为此病是由自然的原因造成的。他认为，脑是心理的器官。他将四液说系统化。人体内有四种液体，粘液生于脑，黄胆汁生于肝，黑胆汁生于胃，血液出于心脏。并认为羊痫疯是由于脑失去了粘液。他在《论水、空气和地域》一书中，论述了地理环境，气候等决定人的体质和民族的心理特性。
普罗泰哥拉第一个"智者"，错误的相对主义的结论：人是万物的尺度。
苏格拉底是普罗泰哥拉的后辈。他的论辩方法是先给对方提出关于某一事物的定义，然后层层追问，使对方陷入矛盾，这样讨论下去，可能得到关于这个事物的明确定义。这个最后定义，苏格拉底自己称这个方法为"产婆术"。是将人内部已有的知识引出来。亚里士多德称苏格拉底的这个方法为"归纳的论证"。
柏拉图把人的灵魂分等并与他的"理想国"的等级相应。灵魂分为理性，意气和欲望，理性位于头部，意气位于胸部，欲望位于腹部横膜与脐之间。柏拉图认为事物的普遍性是在个别事物之外的，并且先于这些事物存在。他将这些普遍性称为伊迭耶。只有对伊迭耶的认识才是真实的知识，所以真正的知识都是回忆，这就是他的知识即回忆说。
亚里士多德认为心理学是自然科学的一部分，他著《畀思黑》，有人译为《灵魂论》。他把灵魂分为三等：植物只有滋长的灵魂，动物有感性的灵魂，人则有理性的灵魂。亚里士多德认为，人不仅有特殊感官如眼、耳、鼻、舌等，还有执行特殊感官的感觉以上，抽象思维以下的中间功能的"共同感官"。亚里士多德区分心理功能为认识和动求两大类功能。
古代后期中世纪西方的心理学观念
皮浪是怀疑学派的创始人。认为人生的目的在于达到心神恬静。
伊壁鸠鲁学派：伊壁鸠鲁卢克莱修。伊壁鸠鲁认为，万物的基础是在虚空中运动的不可分割的物质粒子――原子。卢克莱修长诗《物性论》以宣传伊壁鸠鲁主义。
格林是一个自然神论者，并有目的论的思想。世界除了开始与神有关外，其后与神没有什么关系。世界的一切受自然规律的支配。格林认为，脑是心理的器官；格林对医学有很大的功绩，从他开始，脑作为心理的器官的看法才逐渐被巩固下来。
最有影响的教父：奥古斯丁。奥古斯丁信奉二元论的心理学。认为，"心"是存在的，但不是物质的。奥古斯丁认为灵魂的活动和心理的活动是统一的，灵魂有三种功能：⑴自觉的记忆；⑵理智；⑶意志。
近代西方心理学
（一） 文艺复兴时期从十四世纪下半叶起，便产生了资产阶级反宗教、反神学的所谓"人文主义"运动，即是资产阶级所谓的文艺复兴运动。当时资产阶级所谓的"文艺复兴"，决不是为了回到古代去，而是为了借用古代那些受崇敬的文化名人和他们的唯物主义科学思想来为资产阶级夺取政权作舆论准备。"文艺复兴运动"是一次文化运动。其目的在于利用古代的文化以与中世纪的宗教文化相对抗。
波兰杰出的天文科学家尼古拉·哥白尼恢复了古代希腊人的太阳中心说，是冲破中世纪宗教封锁的开始。发表了《天体运行》论证了行星系是以太阳为中心而不是以地球为中心。这就是哥白尼的"太阳中心说"（"日心说"，也称"地动说"）。
塞尔维特发现肺循环。
哈维以动物的实验证明了血液循环。
在文艺复兴时期，意大利是西方最先进的国家。达·芬奇的思想基本上是唯物主义并是个多方面的天才。斐微斯《论灵魂与生命》《论科学》。他是人文主义者，他曾极力提倡改革教育，反对经院式教育。
17世纪的法国和荷兰
笛卡儿是法国杰出的思想家和卓越的数学家与自然科学家；他创立了解析几何，第一个将代数方法应用到几何学中去。笛卡儿的认知论是唯理论，他相信人有固有观念亦称天赋观念。他看重追求知识的方法，不重视实验方法，而偏重数学的演绎推理。他认为只有象数学那样由明白无误的公理推导出来的知识才是可靠的，一切直接或间接由感觉经验获得的知识都是不可靠的。只有主观上的明白清晰才是真理的标准，笛卡儿的真理标准使他得出灵魂存在的结论。"我思，故我在"。笛卡儿认为主观上明白的观念，并非来源于人的实践经验，而是人的理性中所固有的，是人的"固有观念"，也称天赋观念。笛卡儿的唯理论，其实质是唯心的。因为真理不能凭主观感觉作为标准。笛卡儿运用他的唯理论，进一步获得了心物二元论的结论：
认为世界上有上帝，有灵魂（心），有物质，三者都是不依赖他物而独立存在的实体。绝对独立存在的只有上帝，灵魂与物质只是相对的独立，它们须依靠上帝才能存在。认为心与身是两种互相独立的实体。心身交感论：笛卡儿认为，心能影响身，但是他又说身对心有着更大的影响。心身两者的关系是相互作用的关系。他对心身间的关系的看法是心身交感论。并选择脑中的松果腺作为灵魂的驻所。在心理学史上笛卡儿被称为反射动作学说的创始人。"反射"术语起用于笛卡儿，但其具体意思却与后来的"反射"概念有着一定的距离。笛卡儿著《论情绪》认为有六种原始情绪：惊奇、爱悦、憎恶、欲望、欢乐、悲哀。其他情绪，虽然很多，但都是这六种情绪之中的某些种的组合。

㈣ 颜色学的发展史

颜色激发人的感情；它产生对比效果，使得图像显得更加美丽。它能使一幅来黯淡的图像明亮绚丽，使一幅本来毫无生气的图像充满活力。对于图像设计者、画家、艺术家或者录像制作者来说，创建完美的颜色是至关重的。当色运用得不正确的时候，表达的概念就不完整；图像可能不能成功地表达它的 信息，艺术经验就丢失了。如果一幅本来应是绿绿葱葱的森林景象显得颜色偏黄而且病怏怏 的，则大自然的重要性就没有体现出来，户外的“健康”感觉也就没有了。如果森林中的火 焰中的灼灼红光变得黯淡，则传递的是一种衰败和锈蚀的感觉，而不是一种热烈的感觉。 要创建完美的颜色，可不是一件容易的事。画家必须混合和再混合颜料，直到调出的颜 色与所看见的或所想像的景象的色泽完全相符。摄影师和电影制作者必须花费很 多时间来 测试、重调焦距和增加光线，直到创建起一幅恰当的景观。

从许多方面来说，在 计算机上使用 颜色没有什么不同。计算机形成了它自己的一套特殊的复杂性以及技术上的困难 。用户该如何保证在屏幕上看到的颜色与自然的或者用户艺术想像中的颜色一致呢？而且 ，用户又如 何使在屏幕上看到的颜色就是打印图像输出的颜色呢？在Photoshop中要创建合适的颜色必须先有一些有关颜色理论的知识。一旦用户懂 得了颜色理论的基本知识，就会认识遍及Photoshop中的对话框、菜单及调色板等所 用到的颜 色术语。当用户在进行色彩校正（color correcting）的时候，也将憧得增色及 减色的过程。有了 颜色理论的知识，用户将知道如何用一种丰满浓郁的蓝色去着色天空。用户将能够挑选颜色 （ pickcolors），从而使自己在 Photoshop中创建的翠色欲滴的裴翠绿出现在打 印纸张上的森 林之中。

为了在Photoshop中成功地选择正确的颜色，用户必须首先懂得颜色模式。创建C olor modeIs（颜色模式）是用来提供一种将颜色翻译成数字数据的方法，从而使颜色 能在多种媒体中得到连续的描述。例如，当我们提到一种“蓝绿”色时，对这种色泽的理解 在很大程度上取决于个人的感觉。从另一方面来说，如果我们在一种颜色模式中为它赋了一个 专有的颜色 值——在 CMYK模式中为 100％的青色， 3％的洋红色， 3O％的黄色以及 15％的 黑色——那 么不断地产生这同一种颜色就有了可能。

用户在使用Phtotoshop的颜色功能时，将会遇到几个不同的颜色模式：RGB，CMY K， HSB和 Lab。 RGB和CMYK颜色模式会让用户永远记得自然的颜色，用户监视器上的 颜色以及打印纸张上的颜色是以完全不同的方法创建的。监视器是通过发射红、绿、 蓝三种光束 来创建颜色的：它使用的是 RGB（红／绿／蓝）颜色模式。为了在彩色照片上复 制出一种连续 色泽的效果，打印技术使用了一种青色、洋红色、黄色及黑色墨法的组合物，从而反射和吸收 各种光的光波。通过添印（overprint）这四种颜色而创建的颜色是 CMYK（青／ 洋红／黄／黑）颜 色模式的一部分。 HSB（色泽／饱和度／明亮度）颜色模式是基于人类感觉颜色 的方式的，因而为将自然颜色翻译为用户计算机创建的色彩提供了一种直觉方法。Lab颜色模式则 提供了一种创建“不依赖设备”的颜色的方法，这也就是说，无论使用的是何种监视器

1.什么是颜色

颜色的存在是因为有三个实体：光线，被观看的对象以及观察者。物理学家们已 经证明 了白光是由红、绿、蓝三种波长组成的。人眼是把颜色当作由对象吸收或反射不 同波长的红，绿，蓝形成的。例如，假定用户在一个晴朗的日子是参加了一次野经，正准备拿 一个红苹果。阳光照射在苹果上，光的红色波长就从苹果处反射到用户的眼睛里。而绿色和蓝 色的波长则被苹果吸收了。用户眼睛里的传感器对反射的光线作出反应，发射信息，该信 息由用户的大脑解释为红色。用户对红色的感觉取决于苹果、光线、及自己本身。一个苹果可能比另一个苹果 吸收更多的绿色和蓝色，因此它的颜色就显得更红。如果云彩遮住了太阳，则苹果的红 色就变得黯淡了一些。用户对这个苹果的感觉也会受到自己的生理条件、吃苹果的经验或者 自己已经整 天没有吃东西这一事实的影响。使得用户能看见苹果的红、绿、蓝三种波长是自然界中所有颜色的基础。这也就 是为什么我们将经常红、绿、蓝三色称为光的基色的原因。光谱中的所有颜色都是由这 三种波长的 不同强度构成的。把三种基色交互重叠，它们就产生了次混合色：青、洋红、黄色。基色及次混合色是彼此的互补色。 Complementary c olors（互补色）是彼此之间最不一样的颜色。黄色是由红色和绿色构成的。其中蓝 色是缺少的一种基色；因此，蓝色和黄色便是互补色。绿色的互补色是洋红色， 红色的互补色是青色。这就是为什么用户能看到陈红、绿、蓝三色之外其他颜色的原因。在一 朵太阳花中，用户看到了黄色是因为红色和绿色的波长反射到了用户的眼里，而同时蓝色则被 太阳花吸 收了。所有基色的混合便形成了白色。用户也许会以为将这些颜色加到一起 会产生一种更暗的颜色，但是别忘了，我们加的可是光线。当我们把光的波长加到一起来的 时候，得到的将会是更明亮的颜色。这就是为什么基色经常被称为添加色（addi tive clors）的原因。通过将所有颜色的光波都加到～起，我们就会得到最明亮的光线：白光。 因此，当我们看到一张白纸的时候，所有的红、绿、蓝波长都被反射到了我们的眼睛里。当我 们看到黑色时，所有的红、绿、蓝波长都完全被物体吸收了，因此也就没有任何光线反射到 我们的眼睛 里。

㈤ 70年代到现在电影色彩的发展历程

很不寻常 你如果非要调查个究竟 你去上网络打一下中国电影历程就知道了

㈥ 苏派色彩的历史发展

舒脉的历史发展shamed hock还是用白色，后面有红色带有轻视再用蓝色，这是他的历史发展。

㈦ 什么是色彩构成,简述其历史的发展

色彩构成（Interaction of Color），即色彩的相互作用，是从人对色彩的知觉和心理效果回出发，用科学分析答的方法，把复杂的色彩现象还原为基本要素，利用色彩在空间、量与质上的可变幻性，按照一定的规律去组合各构成之间的相互关系，再创造出新的色彩效果的过程。色彩构成是艺术设计的基础理论之一，它与平面构成及立体构成有着不可分割的关系，色彩不能脱离形体、空间、位置、面积、肌理等而独立存在

㈧ 色彩学的历史发展

人类对色彩的感知与人类自身的历史一样漫长，而有意识地应用色彩则是从原始人用固体或液体颜料涂抹面部与躯干开始的。在新石器时代的陶器上已可见到原始人对简单色彩的自觉运用。在色彩的应用史上，装饰功能先于再现功能而出现。人类制作颜料是从炙烤动物肉时流出的油与某些泥土的偶然混合开始的，逐渐发展为以蛋清、蜡、亚麻油、树胶、酪素和丙烯聚合剂等作颜料结合剂。在古代中国、印度、埃及、美索不达米亚，颜料多用在家具、建筑内部、服装、雕像等的装饰上。早期中国绘画上的色彩主要是轮廓和形象的修饰手段，用色简练单纯。古罗马的墙面、地板镶嵌上则已有丰富的色彩。从文艺复兴时代开始，艺术家们不断探索新的色彩材料，凡·爱克兄弟等人在“油-胶粉画法”的基础上改进而形成了亚麻油等调制的油画颜料，为油画的产生提供了媒介材料。自此，绘画上色彩表现的手段大为丰富。 尽管人类的色彩应用已有几千年的历史，但独立意义上的科学的色彩学研究却晚于透视学、艺术解剖学而到近代才开始，这是因为色彩学的研究须以光学的产生和发展为基础。文艺复兴时代的画家为了取得自然主义的表现效果，曾经研究过光学问题，注意到了色彩透视问题。直到17世纪60年代，I.牛顿通过有名的“日光－棱镜折射实验”得出白光是由不同颜色光线混合而成的结论之后，颜色的本质才逐渐得到正确的解释，由开普勒奠定的近代实验光学为色彩学的产生提供了科学基础。
感知心理学的研究为解决色彩视觉问题，心理物理学的方法为解决视觉机制对光的反映的问题，都提供了重要的前提条件。而视觉艺术所提出的色彩问题，尤其是印象派出现之后遇到的外光描绘、色彩并置对比、互补色等问题，促使理论家、艺术家运用科学方法探讨色彩产生、接受及应用的规律。到19世纪下半叶，色彩学研究的专门著作开始出现，如薛夫鲁尔的《色彩和谐与对比的原则》(1854)、贝佐尔德的《色彩理论》(1876)等。进入20世纪，色彩学更在现代光学、心理物理学、神经生理学、艺术心理学等基础上获得了长足进展。而色彩学的发展又促进了视觉艺术从19世纪向20世纪多元化时代的转变。

㈨ 素描和色彩的历史发展

素描是用单一颜色来描绘对象的一种绘画。常见的素描画是以黑色（即利用黑白的层次）描绘的，但也有用一种彩色描绘的（如棕、红、绿、蓝等），或一种彩色加黑或在此基础上加白粉，也属于素描。更具体地说，素描是舍弃了对象的多种色彩关系，用单一颜色的线条或明暗描绘对象的外形、比例、结构、体积、空间、质感和色彩的浓淡，运用这些造型艺术的基本因素来综合表现形象的绘画。
素描画的表现形式有三种。一是线描（相当于中国画的白描）；二是以明暗手段表现物象的体积的所谓明暗法；三是线条与明暗法的结合，亦称线面结合法。
由于素描画排除了色彩的直接表现，集中运用造型艺术的基础因素去表现对象，所以它是造型艺术的基础。在绘画发展的过程中，逐步形成了既有别于素描创作又有别于画家的素描习作的素描基础训练。这种系统的素描基础训练，已经成为学画者的必经之途。
早期的素描
人类开始懂得绘画是从素描开始的。根据考古的发现，现在所知世界上最早的绘画是法国西南部比勒高省多尔多涅附近称为接斯柯的岩洞壁画和西班牙北部阿尔塔米拉山的洞窟壁画。前者距今约两万年，是旧石器时代的绘画遗迹；后者约在1万年以前，是旧石器时代晚期绘制的。原始人用最简易的材料描绘他们在狩猎活动中的主要猎获物。西班牙阿尔塔米拉洞窟壁画的野牛尤为精彩，其中一只低头挺角准备向前冲击的野牛，像箭在弦上一触即发，充满向外的运动感。这是用烧鹿脂的灯烟画成的，然后用朱红色的矿物颜料粉末上色。这些古代壁画基本上是用单一颜色进行描绘，所以，也可以说是世界上最古老的素描画。
随着人类的进步，绘画才逐渐由简单到复杂，由主要是素描的方法走向色彩的表现，素描画也从原始阶段逐步得到发展。
在世界美术发展史上，继史前时期的绘画之后，最引人注目的是古埃及和古希腊的壁画，可惜保存下来的很少。从仅存的残缺壁画看来，古埃及壁画以线造型为主，具有浓厚的东方色彩；而古希腊的壁画虽然仍以线的造型观念为主，但已向立体的表现演变。在开罗美术馆陈列的古埃及画家所画的素描《狗》，是这个时期保留下来的素描习作，可以看出古埃及画家已具有相当的写实功夫。从古希腊保存下来最多的堪称世之瑰宝的雕刻作品和流传下来的许多著名画家的作画故事看，古希腊的绘画肯定也会和它的雕刻那样有过极高水平的作品。如果画这些壁画的画家都画有草图的话，这些草图就是一张张杰出的素描。可惜，这种素描画我们是看不到了。但我们可以从保存下来的古希腊瓶画中，看到当时古希腊艺术的素描水平。古希腊瓶画有三种式样。早期的是黑像式，即在白底子上把用线条勾画的形象涂上黑色，像剪影那样。后期叫红像式，即与黑式相反，背景填黑釉而形像留空白（空白处为陶器的红色表面，故称之红像式）。以后又发展到使用白描的瓶画。这些瓶画造型简练优美，结构严谨，本身就是一幅幅素描杰作。我国长沙战国楚墓的帛画，大约为公元前400多年至前200年期间（与古希腊同期）的产物。用黑白两色描绘一位中年妇女合着掌，抱着必胜的信念去迎接生命与和平的胜利（画面上的凤，代表生命与和平，在矫健地扑击近似蛇形、代表死亡和灾难的夔），这幅古老的素描画可以看出我国古代绘画也同样达到了很高的水平。此后我国的传统绘画基本上是沿着这种以线造型为主的路子发展下来的。
从古代世界史前时期之后的绘画素描作品看来，这时各国的绘画素描作品已具有不同的民族风格，但都保留了以线造型为主的史前时期绘画的特点。
古罗马继承了古希腊的文化艺术，但没有很突出的创造。其后随着中世纪封建统治的日益专横，基督教的发展和神权至高无上的统治，中世纪艺术除了建筑方面因为歌颂神权建立教堂，创造了罗马式和哥特式建筑，以及为教堂修建而发展起来的玻璃镶嵌画之外，绘画大部分是为装饰基督教堂或王侯宫殿、贵族邸宅而画的壁画，也有用笔画在羊皮纸上的插图。这些插图也是保留下来的素描画之一种，但仍然基本上是线描的，大多都十分软弱、幼稚。按照基督教禁欲主义的观念，人物形象都刻画得脸无表情。这个时期可以说是绘画的黑暗时期。当时无所谓专门的画家，而是老百姓在贵族、主教的订货或命令下，为他们新的邸宅或教堂搞装饰。这种工匠画完后，就回去养牛、耕田或打铁，他们完成的任何一张作品都没有署名，因为他们在社会上根本没有地位。那时也许存在徒弟跟师傅学画，一边工作一边学画（即帮老师复制或放大作品）的情况，但却没有进行绘画的基础训练，因而中世纪的绘画水平是很低的，人物比例不对，也不注意远近大小的规律。这个时期，在中国造纸术还未传到之前，画匠们的素描画是画在羊皮、木板、绢绸、竹片、兽皮或墙壁上的，这些材料都远不如画在纸上那么方便，表现力那么丰富。这个时期的素描也很单调呆板，它的真正发展是在文艺复兴运动到来之后。
素描的发展与素描基础训练的诞生

画家之一。这个时期，许多绘画大师不但是伟大的色彩画家，而且是伟大的素描画家。如达·芬奇（1452—1519）、拉斐尔（ 1483—1520）、米开朗琪罗（1475—1564）、提香（1490—1576）、丁托列托（1518—1594）等等。
第二，由于科学的发展，科学与艺术结合，画家们在广泛实践的基础上创立了科学的绘画基础理论、艺术理论和素描理论，推动了素描的发展。
文艺复兴时期由于重视对自然的研究，自然科学的进步和新发现，促使许多绘画大师们认真地对待描绘的对象。他们解剖尸体，了解人的解剖结构，画了不少分析图和人物习作，产生了艺用解剖学。在研究空间处理上创造了透视学。意大利佛罗伦萨画家马萨丘（1401—1428）继承了意大利文艺复兴初期绘画大师乔托（1267—1337）的传统，和同时期的其他画家一起发现了透视学之后，翁勃利亚画派画家弗兰西斯加（约1416—1492）的《绘画透视学》已经把透视学发展到相当完善的地步。1435年诞生的西欧最初的艺术理论——列昂·巴替斯塔·阿尔伯蒂（1404—1472）的《绘画论》高度评价了写实、透视等绘画基础理论，并强调画家应加强对对象创造性的研究，具有形象地综合对象的能力。为此，他首次提出画家应练习最简单的几何模型素描，这是素描基础训练产生之前最早的理论准备。后来达·芬奇写了许多绘画札记，明确地强调“绘画是一门科学”[1]，提出自然是绘画的源泉，画家在表现自然时，不能只依靠感觉去认识世界，还要用理性去分析、掌握自然界的规律，使绘画艺术建立在科学的基础之上。达·芬奇的绘画札记不但阐明了许多艺术原则，还特别对绘画的基础学科，诸如解剖学、透视学、素描、明暗色调、构图处理等作了系统科学的理论研究。米开朗琪罗认为素描功夫的深浅直接影响到画家的成败。瓦萨里（1511—1574）则进一步认为素描是一切造型艺术的基础。楚加里（1542—1609）则把素描提高到是表现画家思想的艺术样式的地步，已经从理论上提出素描的独立性。这些理论的探讨推动了美术事业（包括素描）的发展，亦为美术学院和素描基础训练的诞生准备了条件。
第三，素描基础训练作为对美术青年进行科学的系统的培养训练手段，随着美术学院的产生而诞生。意大利文艺复兴盛期一些艺术大师相继去世之后，意大利流行着一种因袭某些大师风格的所谓风格主义，当时反对风格主义的代表人物是卡拉瓦乔（1573—1610）和卡拉齐兄弟（阿尼巴·卡拉齐，1560—1609）；洛多韦科·卡拉齐（1555—1619）；阿果斯丁诺·卡拉齐（1557—1602）等人。卡拉齐兄弟为了更有意识地恢复意大利文艺复兴盛期的传统，于1585年在小仑亚城创办厂美术学院，他们改变了中世纪以来美术青年工匠的学习方式，运用文艺复兴以来美术创作和基础理论的科学成果，按一定的程序，对美术青年进行系统地培养训练。其中素描作为基础训练的主要方法已开始诞生。这种以素描基础训练作为主要学习手段的美术学院在意大利出现之后，很快就普及到了欧洲各国，并影响到全世界的美术教育。这时素描基础训练的主要内容是先临摹后写生，以人体模特儿写生作为学习的最高手段。教学的具体程序是：学生先临摹老师的素描，同时临摹一些版画，作为学习基本画法的入门，以后对几何形体的石膏模型和古代雕刻的石膏像进行写生（其中以古希腊罗马雕刻的石膏像写生为主），以此作为画好人体模特儿写生的基础，最后的主要学习内容是对裸体模特儿进行写生。这种素描教学程序在美术学院出现之后的画家工作室里也盛行。这种从临摹到写生的素描基础训练改变了中世纪学艺徒工只能在临摹匠师的作品和为匠师放大稿子的过程中学习的局面。从临摹为主到临摹后写生，美术教学前进了一大步。因为临摹仅是一种模仿的过程，将教师创造的形象从平面搬到另一平面，尽管搬得像，但缺少对实物直接观察、分析研究，以及最后用什么手法表现对象的过程；这个过程是锻炼学生对对象敏锐的观察力和表现力所必须的。而且以临摹为主的学习方法容易先入为主，易形成以老师风格为准绳的主观程式，按这个程式去套生活，创造的形象就会千篇一律。因而在一味临摹老师作品的画家工作室里，只有少数幸运儿走了很长一段路之后才寻找到自己的艺术语言，最后取得成就而成名。刚刚诞生的素描基础训练虽还是强调临摹，但毕竟将写生作为最高阶段的学习内容，在对古代雕刻石膏像和人体模特儿写生时传授了许多解剖学、透视学、构图学等科学知识，对当时美术的发展起了促进作用。
学院派素描基础训练的没落与素描基础训练写实传统的恢复发展
波仑亚美术学院是作为恢复文艺复兴盛期的传统而出现的，这个传统的主要内容之一就是崇尚古希腊、罗马的古典艺术，它要求学生的创作以表现古希腊、罗马的古典美为标准，创作题材也只能表现宗教、神话和历史故事，在素描基础训练中也特别推崇古典美。这样，就孕育着美术学院教育发展为学院派最后走向没落的危险。
为了推崇古典美，学生开始素描写生之前必须临摹老师的作品或版画作品，开始灌输舌典美的审美要求，其后十分强调对古希腊、罗马雕刻或这些雕刻的石膏像进行写生和专门研究，甚至把古代雕刻的介绍作为一门主课，在学生们最后进入人体写生课阶段，必须把这些古典艺术的规范作为素描写生造型的标准样式，学生虽然也有自己的直接观察，但由于过分强调和推崇古典雕刻艺术的造型标准，学生们在练习中实际上几乎原封不动地把古典艺术的造型标准表现出来，这是十分自然的。1675年法国皇家绘画雕刻学院颁布了所谓《绘画法典》，对古典美规范的要求更达到荒谬的程度，这就完全否定学生的直接观察，只能按法典的古典规范作画了。经过这种美术学院素描基础训练培养出来的画家，就会认为观察自然的本来面貌已经没有必要了，并逐渐形成一种僵死的、概念的、公式化的所谓学院派素描体系，最后把文艺复兴时期尊重自然、推崇研究自然、极其重视写生的写实传统完全抛弃了。这种学院派素描基础训练对美术基础教育的统治，如果从《绘画法典》算起的话，由17世纪下半叶到19世纪末叶，最后在浪漫主义现实主义和印象主义的冲击下由动摇到开始崩溃，历时将近200年。
学院派素描基础训练极力崇尚的规范化素描的画法究竟是怎样的？
文艺复兴以前，素描的画法主要是以线条为主的，文艺复兴开始，已经在线条的基础上使用明暗表现物体的立体感。达·芬奇曾十分完善地提出了明暗五大调子层次的明暗法①（这个五大调子的正确区分一直沿用至今，详见本书第二章），并已提出依靠面表现物体形状作为“绘画科学的第一条原理”的重要性。但他和当时许多画家都强调明暗的柔和过渡，忌明暗之间出现明显的分界，因而他们处理形体起伏的效果都比较圆，同时他们又特别强调物体的外形和轮廓，所以他们的基本画法是在勾画物体外形时加上明暗色调，其主要着重点还是轮廓外形线条的刻画。波仑亚美术学院素描基础训练的素描基本画法，就是这个文艺复兴传统画法的继续。以后随着学院派素描基础训练对古典美追求更加规范化，素描画法对外轮廓和线条的表现就更绝对化了。诚然，线条与色彩的表现作为一种表现手法，未尝不是好的，至今不少画家仍运用这种线与明暗结合的方法作画，并有前进和发展。但作为艺术的格式要求学生就会约束艺术向多样化发展，甚至会酿成灾难。当时正是这种学院派素描基础训练的格式被一直沿用下来。美术学院在各国成立之后，绘画艺术的发展经历过16世纪巴洛克艺术时期、洛可可艺术时期，到19世纪法国古典主义艺术时期。在巴洛克艺术时期，绘画已着重使用明暗手法，画家开始发挥明暗的感人力量，使画面的气氛、形象的立体感都得到加强。这种画风的代表人物有委拉斯开支（1599—1660）和鲁本斯（1577—1640），特别是17世纪的荷兰画家伦勃朗（1606—1669）。明暗已变为作画的主要手段。通过明暗表现物体的面和体积的方法，可以说已从主要是线条或线条加明暗的画法独立出来。但这种方法并没有使学院派素描基础训练的格式有所改变。
19世纪法国古典主义画派的主要人物大卫（1748—1825）和安格尔（1780—1867），他们的素描轮廓精确优美，结构严谨，是循着学院派素描的风格发展下来的。安格尔更是追求线条的简练与准确，他的素描细节精雕细刻而不失整体，堪称古典主义素描的典范。与大卫同期具有浪漫气息的法国著名画家普吕东（1758—1823），他的素描风格和主张与大卫不同，理想化而有真实感，以明暗手法烘托人体的轮廓，虚实变化微妙，空间感较强。他是晚年才被选入法兰西学院的，他的素描风格也没有对学院的教育造成影响。安格尔担任法兰西美术学院院长之后，在寻找基础训练方面是严格地按学院派的要求做的，看他的素描可见当时学院派素描基础训练的一般画风。安格尔虽然认为素描要有内在的形，但他心目中美的形体是圆周式的布局，“线条——这是素描，这就是一切”①，他要求素描的线和形的简练，实际上主要是追求轮廓的美。当时法兰西美术学院的许多学生都以为素描的目的就是追求一个高贵的轮廓，甚至把对象看作是被轮廓围绕着的一个平面。特别使要求写实的学生不能容忍的是，在人体写生课时，不能按模特儿本来样子画，而必须按古典的规范（如人身高按8个或8个半头的格式等）修改眼前的对象。
19世纪中叶，学院派教学（其支柱是素描基础训练体系）已成众矢之的。先是德拉克洛瓦（1798—1863）为代表的浪漫主义画派，攻击学院派的素描：徒有外表的细致真实，其实不包含丝毫真实，特别是那种内在的真实，即缺少画家对事物的真切感情。接着是库尔贝（1819—1877）为代表的现实主义画派的冲击，他们坚持以生活真实为创作依据，反对代表官方趣味的学院派因袭虚伪的艺术。库尔贝主张素描基础训练应以现实生活为楷模，他曾为不满学院教育的学生开设了画室，尝试过用农民和牛代替古代雕刻石膏像和人体模特儿，把牛牵到画室给学生画。德·布阿勃德拉克针对学院派素描基础训练缺乏视觉记忆力训练的毛病，在美术学院之外，试行以发展视觉记忆为基础的新的教学法。印象画派索性走出画室写生，在光色的表现上对绘画进行革新。他们厌恶学院派迎合官方趣味的虚伪做作，主张作品无所谓表现意义，只是画家视觉印象与自我感觉的反映。因此，他们的素描（特别是印象画派之后的画家的素描）逐步不大着重刻画人物的自然形态，只重形象的感受和气氛，有的风景素描只注意纪录光的印象和试探笔触的组织。
在浪漫主义画派，现实主义画派和印象画派的先后冲击下，当时欧洲的美术学院表面上仍照常开办，但学院派教学作为一个体系已经失去现实基础，走向没落并日趋崩溃。反映社会上现实主义画派和印象画派以及现代派观点的不同教学法和体系逐步在学院教学中演化出来，形成一个比较复杂的局面，有的学派索性建立自己的美术学校。
19世纪下半叶，印象画派盛行以致现代派产生，对当时美术教育的影响是很大的。在美术学校里不是先临摹而是从写生入手，是在印象画派产生之后才有的。写生是研究自然，探索艺术形象的本源，锻炼基础造型能力的最好方法，但不同学派对待写生的态度是不同的。印象画派以及现代派观点的美术教学，着重发展学生的视觉记忆和想象能力以及独特的表现手法，写生时强调视觉印象和自我表现的主观因素，不大重视表现对象的生活原形，写生练习的课时也逐步减少，因而他们培养的学生一般写实能力都较弱。更有甚者，由于逐步产生了轻视对客观规律的研究，导致对写实传统的否定，有的现代派的画家，认为素描基础训练已不重要，美术院校也可以不办了。与此相反，坚持现实主义道路，坚持写实传统，坚持研究自然的画家，在探求改革或创造不同于学院派传统教育的新的学派和体系，他们在素描基础训练中恢复和发展了文艺复兴时期就提倡的写实传统。
这个时期，各国坚持和发展写实传统的画家、学派和教学体系是很多的。对我国建国初期美术教育影响比较大的是俄国契斯恰柯夫（1832—1919）的素描教学体系，它是在19世纪70年代印象画派兴起时酝酿成熟的。契斯恰柯夫强调素描基础训练的严格的程序性和系统性，继承了巴洛克艺术开始的明暗法，针对当时学院派以轮廓线条加明暗的素描格式，提出三度空间的透视造型法则。认为“素描画的不是线，而是形……画的是线而见到的是两条并行线等之间所包含的体积。”①从结构上理解这些体积的有机联系。强调学生既要掌握对象的规律性，又要有描绘上的正确性。画人讲究布局、比例、肖似。力图克服学院派素描的缺点，使素描建立在形的严格和正确的描写上。契斯恰柯夫素描教学体系和各国同时出现的坚持写实传统的教学体系一样，他们坚持了对自然和客观规律的研究，发展了自文艺复兴就提倡的写实传统，这一传统在学院派素描基础训练统治美术教育期间几乎被古典规范淹没了的。契斯恰柯夫素描教学体系虽然存在缺点，对发挥学生视觉记忆、速写、默写和形象想象力能力方面注意不够，但它毕竟为当时俄国现实主义画家打下扎实的造型基础，又直接影响了苏联的美术教育以及俄国50年代的美术教育，对提高我国美术创作的造型能力是有帮助的。
（我从网络上搜的）