世界歷史名畫

① 除了《蒙娜麗莎》，世界歷史上還有什麼名畫呀﹖

《最後的晚餐》達·芬奇
《向日葵》梵高
《創造亞當》米開朗基羅
《夢》畢加專索
《泉》安格爾
《聖母子》屬拉斐爾
《西斯廷聖母》拉斐爾
《吹笛少年》馬奈
《日出·印象》莫奈
《自縊者之家》塞尚
《伏爾加河上纖夫》列賓
《維納斯與戰神》波提切利
《黛安娜的休息
》弗朗索瓦·布歇
《雅各與天使搏鬥》高更

② 世界十大最貴名畫都是哪些

世界十大最貴名畫：《 will you marry?》、《The Card Players》、《Le Rêve》、《Three Studies of Lucian Freud》、《No. 5,1948》、《Woman III》、《Portrait of Adele Bloch-Bauer》、《The Scream》、《Flag》、《Nude,Green Leaves and Bust》。

1、作品名：《When will you marry?》

作家：Paul Gauguin-高更

成交價格：3億美元

這幅畫作是高更在塔希提島居住期間於1892年創作的，畫中有兩名塔希提女子，原由瑞士收藏家魯道夫·施特赫林所擁有。

兩幅畫是畢加索立體派描繪女人形象和新古典派風格相結合的產物。是形象極端自由性--線條和色彩自由組合的傑作。畢加索用最簡單的繪畫表現出了一個在夢境和現實中的少女，他獨特的表現手法給觀者更多的想像空間和思維自由性!

③ 世界名畫 很簡單的 藍色背景

你說的應該是西班牙著名超現實主義畫家 胡安-米羅 的油畫作品《藍星》(Étoile Bleue)

此畫被拍出2350萬美金的高價

《哈里昆的狂歡》

④ 達芬奇的世界名畫有哪些

兩個女孩兒緊握的雙手，讓她們顯得更加無依無靠，腿上的風琴雖然合攏著，但嗚咽的琴聲依然響徹畫面，或許只有盲女披肩上那隻服帖的蝴蝶，是一個渺茫希望的象徵。《盲女》是我看過的最悲傷最戳我心窩子的一張畫了。

⑤ 世界史上最偉大的畫家有哪些

1. 梵高

文森特·威廉·梵高，中文又稱」梵谷」，荷蘭後印象派畫家。

梵高早專期只以屬灰暗色系進行創作，直到他在巴黎遇見了印象派與新印象派，融入了他們的鮮艷色彩與畫風，創造了他獨特的個人畫風。他最著名的作品多半是他在生前最後二年創作的，期間梵高深陷於精神疾病中，其最後在他37歲那年將他導向自殺一途。在梵高去世之後，梵高的作品，《星夜》、《向日葵》與《有烏鴉的麥田》《夜間咖啡館》等，已躋身於全球最著名最珍貴的藝術作品的行列。

2.畢加索

畢加索，西班牙畫家、雕塑家，是現代藝術的創始人，西方現代派繪畫的主要代表。

代表作品有《亞威農少女》、《卡思維勒像》、《瓶子、玻璃杯和小提琴》、《格爾尼卡》、《戴帽子的男人》等。

⑥ 世界名畫都有什麼

達芬奇抄自畫像
天上的愛與世間的愛
岩間聖母
聖母升天
蒙娜麗莎
泉
最後的晚餐
土耳其浴場
創造亞當
美麗的女園丁
播種者
維納斯的誕生
吹笛少年
教皇英諾森十世像
夢
伏爾加河上的纖夫
拾穗者
梵谷自畫像
草地上的午餐
向日葵
伊莎貝爾.科沃斯.德波塞爾夫人
蘋果與橘子
安涅爾浴場
康乃馨、百合與玫瑰花
畫家的母親肖像

⑦ 12幅世界名畫。。。誰知道

弗美爾《倒牛奶的女僕》
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這一幅《倒牛奶的女僕》作於1685年，構圖不很復雜，輪廓較清晰，環境純朴。將一個簡朴的廚房畫得很有感情，甚至能令不少觀者產生不同的懷舊心理。女傭人是個健壯如牛的村婦，她塞起了胸前圍裙的一角，正忙著准備早餐。左邊牆角有一窗戶，一邊掛著一隻藤籃和一盞馬燈。桌上雜亂地擺著一些食物。所有人和物的質感都很強烈。
弗美爾所生活的年代，是荷蘭獨立後新興市民階層高度發達的時代，而弗美爾所居住的德爾夫特城，據說有「歐洲最清潔的城市」之稱（在丹納的《藝術哲學》里對17世紀荷蘭市民喜愛清潔與有秩序的生活方式作過詳盡的介紹）。我們只要遍覽弗美爾不同時期的風俗畫，就能領略它的這些特點。這幅畫雖然只能見到一戶人家的廚房一角，然而女傭人的隨遇而安的精神面貌，似乎可以給我們提供那個時代人民的普遍心理信息。

凡.高，《向日葵》
《向日葵》就是在陽光明媚燦爛的法國南部所作的。畫家像閃爍著熊熊的火焰,滿懷熾熱的激情令運動感的和彷彿旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時,無不為那激動人心的畫面效果而感應,心靈為之震顫,激情也噴薄而出,無不躍躍欲試,共同融入到梵谷豐富的主觀感情中去。總之,梵谷筆下的向日葵不僅僅是植物,而是帶有原始沖動和熱情的生命體。

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莫奈《睡蓮》
莫奈在《睡蓮》的畫中竭盡全力描繪水的一切魅力。水照見了世界上一切可能有的色彩。水在莫奈的筆下，完全成為世上所能有的色彩繪出的最奇妙和富麗堂皇的織錦緞。馬奈稱他是「水的拉斐爾」。
在莫奈的《睡蓮》中，與其說他是用色彩表現大自然的水中睡蓮，不如說他是用水中睡蓮表現大自然的色彩。評論家瓦多伊的評價是：「他早期的那些畫沒有一幅能與這些難以置信的水上風景相提並論的，因為這些畫把握了春天，把它留在人間。畫面的水呈淺藍色，有時像金的溶液，在那變化莫測的綠色水面上，反映著天空和池塘岸邊以及在這些倒影上盛開著清淡明亮的睡蓮。在這些畫里存在著一種內在的美，它兼備了造型和理想，使他的畫更接近音樂和詩歌。」
http://image..com/i?ct=503316480&z=0&tn=imagedetail&word=%C4%AA%C4%CE%CB%AF%C1%AB&in=24752&cl=2&cm=1&sc=0&lm=-1&pn=9&rn=1&di=107280961&ln=385

拉斐爾《雅典學院》
作品簡介 這幅《雅典學院》（1510～1511年作），是以古希臘哲學家柏拉圖所建的雅典學 院為題，以古代七種自由藝術——即語法、修辭、邏輯、數學、幾何、音樂、天文為 基礎，以表彰人類對智慧和真理的追求。藝術家企圖以回憶歷史上黃金時代的形式， 寄託他對美好未來的嚮往。它的主題思想，就是崇拜希臘精神，追求最高的生活理想， 這正是人文主義藝術家自己的宿願。 全畫以縱深展開的高大建築拱門為背景，大廳上匯集著不同時代，不同地域和不 同學派的著名學者，有以往的思想家，也有當世的名人。他們在自由地討論，情緒熱 烈，好象在舉行什麼典禮，或慶祝某個盛大節日，洋溢著百家爭鳴的氣氛，凝聚著人 類智慧的精華。這座建築物顯然是以布拉曼特設計的聖彼得大教堂為範本的，兩側的 壁龕里，分別供立著智慧女神雅典娜雕像（在右側）和音樂之神阿波羅雕像（在左側 ）。中心透視點的層層拱門，直通遙遠的天際，這是一個極其神聖的環境，學者們被 對稱地、然而富有節奏地配置台階兩側，上層台階的人物排成一列，中心是兩位偉大 的學者——柏拉圖與亞里士多德，他們似乎邊進行著激烈的爭論，邊向觀眾方向走來。 亞里士多德伸出右手，手掌向下，好象在說明：現實世界才是他的研究課題；柏拉圖 則右手手指向上，表示一切均源於神靈的啟示。這兩個對立的手勢，表達了他們思想 上的原則分歧。其餘的人，眾星托月，有的在注視，有的正在諦聽這兩位老人的談話， 自然地形成幾個小組。 現在再介紹上層台階上的人物：左上方柏拉圖的一側，一個大鬍子老人沉浸在思 考中，蘇格拉底剛轉身向旁人闡述倫理學上的論據，自左向右第五人是個青年軍人， 名叫阿爾西比亞底斯，他的背後有一個人正在招呼走來的兩個青年。右上方亞里士多 德的一側，兩個倚在壁龕牆基前的青年，一個在寫著，一個在思考，另一個黑袍人物 卻孤獨地站著，這3個人與左面的一組，在動勢上是相反的。 台階下面的左側，以坐在地上專注地書寫著的數學家畢達哥拉斯為中心，一少年 在旁給他扶著木牌，牌上寫的是「和諧」的數目比例圖。在他背後一個老人正在記錄 畢達哥拉斯的論據數，後面那個伸著脖子、頭纏白巾的學者，即是回教學者阿維洛依。 背後稍遠，還有一個頭戴桂冠，胸靠柱基站立的人，他是語法大師伊壁鳩魯。在畢達 哥拉斯前面站立的那個用手指著書中句子的學者，是修辭家聖諾克利特斯，兩人中間 還有一位身穿白色斗篷的金發青年，他面目英俊，表情冷峻，在向觀眾凝視著，被認 為是弗朗西斯柯·德拉·羅斐爾，他是烏爾賓諾未來的大公。 台階下右側一組，中心人物是躬著身子、手執圓規在一塊黑板上給學生演算的幾 何學家歐幾里德（一說是阿基米德），周圍是他的四個學生。這四個人似乎對老師的 講解領悟得不一樣。旁邊那個身穿古代黃袍、頭戴榮譽冠冕、手持天文儀的，是埃及 天文學家托勒密。在爾托勒密的對面，即是畫家拉斐爾的同鄉、建築家布拉曼特（蓄 須的老人），而最邊上那個頭戴白帽的人，正是畫家索多瑪，上面露出半個腦袋、頭 戴深色圓形軟帽的青年，就是畫家拉斐本人。把自己畫進歷史題材內，是當時畫家們 喜用的表現方式，只是拉斐爾留給自己的位置太少了點。 畫中央的台階上，躺著一個孤寂的犬儒學派哲學家第歐根尼。這位學者主張除了 自然需要之外，其他任何東西，包括社會生活和文化生活都是無足輕重的，所以他平 時只穿一身破爛衣服，住在一隻木箱里。這個人物在構圖上起了填補空白的作用，他 與右側正往台階上走去的兩個人物相聯系，同時又與左下角那個倚靠在石桌前沉思的 學者赫拉克里特彼此呼應。赫拉克里特形象孤單，據許多學者考證，認為是拉斐爾參 照了米開朗基羅的《創世紀》壁畫里的一個預言家聖耶利米的形象的結果。事實上， 這里的許多形象，體格壯健，動作有力，與米開朗基羅的藝術形象頗有聯系。更有意 思的是，柏拉圖的頭像正是畫家以達·芬奇的頭像為範本的，可見拉斐爾對前述這兩 位大藝術家的崇敬心情。 這幅畫的色彩處理也很協調，建築背景全是乳黃色的大理石結構，人物的衣飾有 紅、白、黃、紫、赭等色相交錯。透視法的水平是很高的，它不僅增強了畫面的空間 深遠感，連地面的圖案，拱頂的幾何裝飾結構，都精確到可以用數學來計算。

http://www.artcn.cn/art/yxyy/painting/200611/11819.html

米開朗琪羅《最後的審判》
1535年末，米開朗基羅已年逾六十，教皇仍要他為西斯庭教堂祭壇後面的大牆上繪制壁畫西斯庭教堂天頂畫畫後，教皇興奮異常，根本不顧藝術家年事已高，企圖「讓他顯示其繪畫藝術的全部威力」。 這種瘋狂的藝術剝削行為，使米開朗基羅身心俱悴。 老藝術家從1535年末至1541年10月31日止，用了近6年的時間,完成了這一幅體現著畫家大無畏藝術魄力的多人物構圖《最後的審判》,在這塊將近200平方米的祭壇後的大牆上，他繪出了數以百計的等身大小的裸體群像。

這幅壁畫也和天頂畫一樣，是由米開朗基羅獨力完成的。《最後的審判》是聖經的傳統題材，在所有的教堂里幾乎都有這個主題的壁畫。它無非是宣傳人死後凡行善升天，作惡入地的因果報應。基督教義說，耶穌被釘死後復活，最後升入天國。他在天國的寶座上開始審判凡人靈魂，此時天和大地在他面前分開，世間一無阻攔，大小死者幽靈都聚集到耶穌面前，聽從他宣談生命之冊，訂定善惡。凡罪人被罰入火湖，作第二次死，即靈魂之死，凡善者，耶穌賜他生命之水，以求靈魂永生。畫家借題表現了許多代表人類正義的呼聲的精神形象：在畫面最上端，即靠近天頂兩個拱形下，左右各繪了一組不帶翅膀的天使，他們圍住耶穌的刑具，左面一組抱的是十字架，右面一組抱的是恥辱柱。兩組人物在雲端里向中央傾斜。下面佔中心地位的是耶穌形象，這個形象與以往壁畫上的耶穌均有不同，他是個壯年英雄，神態威嚴，不大象聖經上的救世主，倒象一個公正的裁判員。他高舉右臂宣告審判開始。在他右側的聖母馬利亞，正蜷縮在耶穌身旁，用手拽緊頭巾和外衣，不敢去正視這場悲劇，「世界的末日」，對這位善良的婦女來說是太可怕了。

在耶穌的左側(即畫面的右方)，有體形高大而年邁的使徒彼得，他拿著城門鑰匙正要交給耶穌。在最右邊，還可找到背負十字架的安德烈，拿著一束箭的殉道者塞巴斯提安，手持車輪的加德林，帶著鐵柵欄的勞倫蒂。在耶穌左側的下面，有十二門徒之一的巴多羅買，一個臉上布滿驚駭狀的老人形象。他手提著一張從他身上扒下來的人皮，這張人皮的臉就是米開朗基羅自己被扭曲了的臉形。這是米開朗基羅有意這樣添加上去的。這些人物都拿著生前被折磨死的用具，訴說著自己的痛苦。在耶穌的右邊(即畫面的左側)也有許多歷史與神話人物：那個左手背小梯子的，通常被認為是亞當，後面圍紅頭巾的女人，即是夏娃另一個體格壯實的裸體老人，即是聖保羅形象。在這些使徒的下面，是一些被打入地獄的罪人，有的在下降，有的因為生前行善，正在漸漸上升，如畫面左側下部地面上有幾個呈骷髏狀的幽靈，由於他們的善良，骨骼上重新在長出肉來。在耶穌的中央下部，有一小舟上載七個天使，他們受聖命之差，駕雲來到地獄，吹起長長的號角，召喚所有的靈魂前來受審。在這只小舟的右邊，有一個頭身倒置的、身帶鑰匙的裸體形象，人們都能指出這是教皇尼古拉三世的權力在下墜的象徵，因他生前實行僧侶捐賣制，出賣教職，理應受到懲治。在畫面的右下角，有一長著驢耳朵，被大蛇纏身，周圍還有一群魔鬼的判官朱諾斯，這里暗指教皇的司禮官，即那個曾在教皇面前攻擊米開朗基羅這幅壁畫的比阿喬·切薩納形象。

這幅氣勢磅礴的大構圖，體現了米開朗基羅的人文主義思想，他要用正義來懲罰一切邪惡「末日」意味著人類悲劇的總崩潰，所有這些形象盡管有的有名有姓，有的泛指一定的社會階層，大上仍未違背宗教公式的模子。藝術家以超人的勇氣，全部採用裸體形象來展示，這又一次證實了他敢於肯定人的意義。米開朗基羅的原則是，執行藝術主要任務的道是人體，因為他們最能體現人的品質。1546年，司禮官切薩納卻在新教皇面前搬弄是非說：「在一個神聖的地方，畫這么多顯露全身的裸體形象，太不相宜了；這件作品絕對不適用於教堂，倒是可以掛在澡堂或酒店裡。」於是新教皇下令讓另一個叫丹尼埃·達·伏爾泰亨的畫家，給壁畫上所有裸體的下身添畫了些布條。後人就給這位畫家起了一個諢名「穿褲子的畫家」。

《最後的審判》於1541年聖誕節前「開光」了，整個羅馬城為之沸騰。人民瞻仰它，視若神明，尤其是壁畫中央的那個耶穌，簡直是義大利人民英雄形象。他有神的威力，他可以呼風喚雨，他的手勢就能使無數裸體變成時代的旋風。藝術家的卓越的寫實主義，使義大利人民傾倒了。人民從這個形象上似乎聽到了真正的天庭懲罰聲，他要懲罰那些使祖國忍受恥辱和出賣人民利益的顯要人物。壁畫完成後，連遠在威尼斯的他的學生瓦薩里也趕來觀看，這位美術史家後來是這樣評述米開朗基羅的：

「我們已經看到，至高無上的教皇朱理二世、利奧十世、克里門斯七世、保羅三世、朱理三世和庇烏斯五世，都想把他吸引到身旁。同樣，土耳其蘇丹蘇里曼、法國國王弗朗茨·瓦盧亞卡爾五世皇帝、威尼斯元老院、美第奇家族柯西莫公爵，都願意向他提供榮譽津貼原因不外乎企求分享他的藝術光輝。只有具備他這樣崇高威望的人，才能受此厚待。世人都已目睹並且承認，在他那裡，三種藝術都被提高到了完美無缺的境地，這種完美，無論是在古代大師那裡，還是在近代大師那裡，都不曾見過。」
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張擇端《清明上河圖》
《清明上河圖》 本是進獻給宋徽宗的貢品，流傳至今已有800多年的歷史。其主題主要是描寫北宋都城東京市民的生活狀況和汴河上店鋪林立、市民熙來攘往的熱鬧場面，描繪了運載東南糧米財貨的漕船通過汴河橋涵緊張繁忙的景象。作品氣勢恢弘，長528.7厘米、寬24.8厘米。畫有587個不同身份的人物，個個形神兼備，並畫有13種動物、9種植物，其態無不惟妙惟肖，各種牲畜共56匹，不同車轎二十餘輛，大小船隻二十餘艘。這件現實主義的傑作，是研究北宋東京城市經濟及社會生活的寶貴歷史資料。《金明池爭標圖》描繪的是皇帝帶領近臣到金明池觀水戰、賽龍舟的熱鬧場面。圖長28.6厘米、寬28.5厘米，略呈正方形。小小的畫面，把周圍9里多的池面及池岸邊的景物悉數摹畫下來。著重描寫池中的大龍舟及周圍的小船，用動靜結合的手法，概括地繪出了金明池的全部景色和皇帝觀看爭標的場面，畫面緊湊，結構嚴謹，主題突出。
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葛飾北齋《神奈川沖浪里》
畫面以大膽而直接了當的構圖和造型手法，表現了一個激動人心，令人振奮的場景：在洶涌澎湃的海浪中，有兩條奮進的船隻，遠遠望去是富士山。作者以極低的視點創造形象，表現出動盪不安、緊張激烈的氛圍。左面高高隆起的浪尖，猶如一片烏雲從天而降、撲面而來，充分顯示了大自然的巨大威力。作者也許就是試圖通過這一手段來表現人與大自然的抗爭，並以次象徵日本民族的精神和氣節。因此，這不僅僅是一幅風景畫，它充滿著哲理和深刻的寓意。畫面色彩統一在藍色的調子之中，黃色的船隻及近似於土黃色的天空和背景，與海浪的藍色形成鮮明的對比，浪花的表現更加渲染了畫面的緊張和歸納的手法，准確地表達了該畫的主題，表現了具有陽剛之氣的風格特徵和乘風破浪、勇往直前的大無畏精神。
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安格爾《泉》
安格爾一生中在裸體素描上下過精深的功夫，而且只有當他面對裸體模特兒時，他的現實主義真知灼見才特殊地顯現出來。這位古典主義繪畫的末代風流畫家，吸收文藝復興時期前輩大師的求實的技巧，使自己的素描技巧發揮到爐火純青的境地。安格爾在裸女上所寄予的理想，則是「永恆的美」這一抽象概念。究其實，乃在於尋求以線條、形體、色調相諧和的女性美的表現力。這在他那些描寫土耳其宮女的裸女畫上尤為明顯。晚年，安格爾畫了這一幅《泉》，則進一步反映了畫家對美的一種全新觀念，那就是他深深覺得用精細的造型手段創造一種抽象的古典美典範的必要性。76歲高齡的安格爾，終於在這一幅《泉》上，把他心中長期積聚的抽象出來的古典美與具體的寫實少女的美，找到了完美結合的形式。

他在這幅畫上展示了可以得到人類普遍贊美的美的恬靜、抒情和純潔性。有一位評論家參觀了《泉》後說：「這位少女是畫家衰年藝術的產兒，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她們各自的美於一身，形象更富生氣也更理想化了。」
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波提切利 春
略早於《維納斯的誕生》一畫的波提切利的另一幅名畫《春》(1476～1478年)，也屬於這一類題材的作品。在這里，人物比前一幅要多些，也是按照詩人波利齊安諾的詩來創作的：中間也是一位維納斯，但形象並未比前一幅上的維納斯有更多的歡樂情緒。相反，倒是左邊三位優美女神(阿格萊西、塞萊亞、攸美羅西尼)描繪得富有生氣：森林邊，這三位女神沐浴在陽光里，正相互攜手翩翩起舞。右邊的一個象徵華美，中間一個象徵貞淑，左邊一個象徵歡悅。她們將給人間帶來生命的歡樂。波提切利用中世紀的裝飾風格來展現這三位女性形象，線條富有節奏感，人物的形體美藉助於線條來體現，十分流暢。 在畫的右邊，分別是花神、春神與風神(自左至右)三個形象，象徵春回大地，萬木爭榮的自然季節即將來臨。
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⑧ 簡單介紹一幅世界名畫

蒙娜麗莎

《蒙娜麗莎》是義大利文藝復興時期畫家列奧納多·達·芬奇創作的油畫，現收藏於法國盧浮宮博物館。 該畫作主要表現了女性的典雅和恬靜的典型形象，塑造了資本主義上升時期一位城市有產階級的婦女形象。

《蒙娜麗莎》原作的尺寸：縱77cm、橫53cm，該作品畫在一塊黑色的楊木板上。《蒙娜麗莎》畫像沒有眉毛和睫毛，面龐看起來十分和諧。直視蒙娜麗莎的嘴巴，會覺得她沒怎麼笑；然而當看著她的眼睛，感覺到她臉頰的陰影時，又會覺得她在微笑。蒙娜麗莎的微笑中，含有83%的高興、9%的厭惡、6%的恐懼、2%的憤怒。

蒙娜麗莎，坐在一把半圓形的木椅上，背後是一道欄桿，隔開了人物和背景，背景有道路、河流、橋、山巒，它們在達·芬奇「無界漸變著色法」的筆法下，和蒙娜麗莎的微笑融為一體，散發著夢幻而神秘的氣息。

(8)世界歷史名畫擴展閱讀：

在最新的發現中達芬奇的作品有三個不同的蒙娜麗莎，第三個「隱藏的肖像」最令人驚訝，因為這是第一版的蒙娜麗莎，時間很可能在1503年，之後的數年內，達芬奇陸續在這個基礎上畫了第二版的蒙娜麗莎。

蒙娜麗莎，原名麗莎·焦孔多，雙子座，1479年6月15日出生在佛羅倫薩一個貴族家庭里，但是她的家族在歷史的長河中慢慢沒落了，到了小麗莎這代，已經沒什麼影響力了。

⑨ 世界各地名畫

世界十大名畫

1、無名女郎 1883年 i.n.克拉姆斯柯依 俄國 75.5cm×99cm 布 油彩 莫斯科 特列恰科夫美術館藏這是一幅頗具美學價值的性格肖像畫，畫家以精湛的技藝表現出對象的精神氣質。畫中的無名女郎高傲而又自尊，她穿戴著俄國上流社會豪華的服飾，坐在華貴的敞蓬馬車上，背景是聖彼得堡著名的亞歷山大劇院。究竟「無名女郎」是誰，至今仍是個謎。畫家在肖像畫上創造了一種新的表現風格，即用主題性的情節來描繪肖像，展示出一個剛毅、果斷、滿懷思緒、散發著青春活力的俄國知識女性形象。

2、入睡的維納斯 約1510-1511年 喬爾喬內 義大利 108.5cm×175cm 布 油彩 德累斯頓國家美術館藏這是喬爾喬內最成功的油畫作品，最後由提香完成。作品中的維納斯展示出造化之美，沒有任何宗教女神的特徵：在自然風景前入睡的維納斯，軀體優美而溫柔，形體勻稱地舒展，起伏有致，與大自然互為呼應。這種藝術處理不是為了給人以肉感的官能刺激，而是為了表現人的具有生命力的肉體和純潔心靈之間的美的統一。這種充滿人文精神的美的創造，是符合文藝復興時期理想美的典範的。

3、蒙娜麗莎 1503年-1506年 萊奧娜多·達·芬奇 義大利 77cm×53cm 板 油彩 巴黎 盧浮宮藏達·芬奇的《蒙娜麗莎》成功地塑造了資本主義上升時期一位城市有產階級婦女形象。據記載，蒙娜麗莎原是佛羅倫薩一位皮貨商的妻子，當時年僅24歲。畫面中的蒙娜麗莎呈現著微妙的笑容，眉宇間透出內心的歡愉。畫家以高超的繪畫技巧，表現了這位女性臉上掠過的微笑，特別是微翹的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜麗莎的笑容平靜安祥而又意味深長。這正是古代義大利中產階級有教養的婦女特有的矜持的美好表現，不少美術史家稱它為神秘的微笑。

4、女占卜師 卡拉瓦喬 油畫 1590年 99×131厘米 藏巴黎盧浮宮
5'宮娥 委拉士貴支 1656年 318×276厘米 藏馬德里普拉多博物館宮

6、海倫娜.弗爾曼肖像 魯本斯 1620-1625年 79×54厘米 現存倫敦國立美術館

7、珍珠女郎 柯羅 1868-1870年 70×55厘米 巴黎盧浮宮藏
8、吹笛少年 馬奈 油畫 1866年 160×98厘米
9、向日葵 1888年 文森特·凡·高 荷蘭 91×72厘米 布 油彩《向日葵》是凡·高在法國南方時畫的。南方陽光的燦爛令畫家狂喜，他用黃色畫了一系列靜物，來表達內心的感受，《向日葵》便是這時的代表作。畫家以短暫的筆觸把向日葵的黃色畫得極其刺眼，每朵花如燃燒的火焰一般，細碎的花瓣和葵葉象火苗一樣布滿畫面，整幅畫尤如燃遍畫布的火焰，顯出畫家狂熱般的生命激情。

10、西斯廷聖母 拉斐爾 1513-1514年 265×196厘米 現藏德累斯頓博物館畫面上，帷幔向兩邊緩緩拉開，聖母馬麗亞懷抱嬰兒基督從雲中冉冉降落。她的腳邊，跪著年老的教皇西斯廷二世和年輕美麗的聖徒瓦爾瓦拉，前者穿著沉重的法衣，用手指著聖母應該去的大地，後者目光下垂，虔敬里略帶羞怯，似在為母子倆祈禱。聖母面容秀麗而沉靜，眉宇之間似有隱憂，為了拯救全人類，她將不得不犧牲自己的愛子。小基督依偎在母親懷里，他睜著大眼睛望著我們，目光里有一種不尋常的嚴肅感，似乎他已明白這里所發生的一切。

其它

佛羅倫薩畫派 喬托《逃亡埃及》

《聖經》中說，東方三博士得知人類未來的救世主耶穌誕生，即前往耶路撒冷朝拜，以色列希律王得知後甚為恐懼，立即下令將耶穌誕生地的伯利恆地區所有男嬰全部殺死，藉以滅掉耶穌根除後患。上帝托夢於耶穌義父約瑟，趕快將聖母瑪利亞和剛出生的耶穌帶往鄰國埃及避難，喬托描繪的正是這一情節。在這幅畫中喬托完全拋棄了中世紀的清規戒律，畫中人物有著健壯而結實的身體，充滿世俗的人情意味。我們所見情景，就是現實生活中的母親抱著孩子騎在驢背上，在丈夫引導下和同路人在鄉間山道上行進，這是一幅活生生的世俗畫面。畫家把神請到了人間，將神變成人。

佛羅倫薩畫派 喬托《猶大之吻》

這是《聖經》中猶大出賣主的故事：希律王決心滅掉神子耶穌，以重金招示，捉拿耶穌。在耶穌的12個門徒中有個叫猶大的，在重金誘惑下出賣了老師。希律王派來的法利賽人說不認識耶穌，猶大獻計說：當我走近一個人並與他接吻時，他就是耶穌。因此，猶大的吻是出賣主的暗號，罪惡的吻。

畫家用戲劇性手法，將矛盾尖銳對立的雙方置於畫面的視覺中心，其餘人物分列兩旁，作對稱式向著中心主體人物。處於中心的猶大身體被單純的、明亮醒目的黃色斗篷所包裹著，在周圍復雜的人群中顯得更加突出，他抬手欲摟抱耶穌的手勢，使斗篷形成扇面形的褶紋由疏到密向上集中，將人們的視線引向頭部，人們的目光最後落在耶穌和猶大的對立面孔上，猶大向上作乞求狀，而耶穌俯視猶大，冷靜、銳利夾著仇恨，像一雙利劍欲穿透叛徒的胸膛。兩個對立著的面孔表現了人類社會光明與黑暗、正義與邪惡、美與丑的搏鬥。畫家最大限度地突出這一決斗，無疑是在用畫筆贊頌光明、正義和美的化身——耶穌，鞭撻、揭露黑暗、邪惡和丑的化身——猶大。

佛羅倫薩畫派 波提切利《春》

歷史上不少詩人頌贊美神維納斯。美第奇宮廷詩人波利齊阿諾說：維納斯漫步在月光下，如皇後般庄嚴，如春風般和煦，她走過的路上，萬物萌發，鮮花盛開。神話中的維納斯是美麗的象徵；也是一切生命之源的化身。波提切利筆下的維納斯是代表生命之源的女神。畫面左上方是風神，他擁抱著春神，春神又擁著花神，被鮮花裝點的花神向大地撒著鮮花；畫面中間立著女神維納斯，在她頭頂處飛翔著手執愛情之箭的小愛神丘比特；維納斯的右手邊是三美神手拉手翩翩起舞，她們分別象徵「華美」、「貞淑」和「歡悅」，給人間帶來生命的歡樂；畫面的右下方是主神宙斯特使墨丘利，他有一雙飛毛腿，手執伏著雙蛇的和平之杖，他的手勢所到，即刻驅散冬天的陰霾，春天降臨大地，百花齊放，萬木爭榮。這是一幅描繪大地回春，歡樂愉快的主題。然而，畫中人物的情態，畫面並無歡樂之氣氛，像春天裡吹來一陣西北風，籠罩著一層春寒和哀愁；若有所思的維納斯，旁若無人，進入自己的內心世界；三美神的舞姿似乎是受命起舞，頗有逢場作戲的感覺，令觀賞者不解。自文藝復興始，人文主義精神滲入文藝創作，畫家往往藉助於宗教神話題材和神的形象，寄託自己對社會、自然和人生的思想情感，傳達自己的理想，在波提切利所塑造的藝術形象中，都寓含著對現實的惶恐不安。畫家當時體弱多病，抱病從命作畫，這種心境所創造的藝術形象自然也就憂郁哀傷了。

佛羅倫薩畫派 波提切利《維納斯的誕生》

這幅畫中情節和形象塑造是依據美第奇宮廷御用詩人波利齊阿諾的長詩。詩中描述維納斯從愛琴海中誕生，風神把她吹送到幽靜冷落的岸邊，而春神芙羅娜用繁星織成的錦衣在岸邊迎接她，身後是無垠的碧海藍天，維納斯憂郁惆悵地立在象徵她誕生之源的貝殼上，體態顯得嬌弱無力，對迎接她的時辰女神和這個世界毫無激情，不屑一顧。這個形象告訴觀賞者，女神是懷著惆悵來到這充滿苦難的人間的。這種精神狀態正是畫家自己對現實態度的寫照。《維納斯誕生》還有另一層涵義。當時在佛羅倫薩流行一種新柏拉圖主義的哲學思潮，認為美是不可能逐步完善或從非美中產生，美只能是自我完成，它是無可比擬的，實際上說的就是：美是不生不滅的永恆。畫家用維納斯的形象來解釋這種美學觀念，因為維納斯一生下來就是十全十美的少女，既無童年也不會衰老，永葆美麗青春。

維納斯的造型很明顯是受古希臘雕刻中維納斯形象的影響，從體態和手勢都有模仿卡庇托利維納斯的痕跡，但是缺少古典雕像的健美與嫻雅。這種造型和人物情態實際上成了波提切利獨特的藝術風格。

威尼斯畫派 提香《天上的愛與人間的愛》（聖愛與俗愛）

《天上的愛與人間的愛》描繪的是美狄亞與維納斯的相會,裸體的維納斯勸她身旁的美狄亞去協助伊阿宋盜取金羊毛,但從畫面情節來看這種說法又很不確定,所以內容至今未定。此畫是提香描繪女性美創作的早期作品，這一階段是他陶醉於喬爾喬奈的風格時期,這個時期的創作在很大程度上是強調人的壯美與和諧,此畫風格粗獷豪放，筆力雄健，但人物本身所具有的閑雅微妙的精神狀態與純潔高尚的品質，又使作品具有牧歌式的情調,寧靜優美..

佛羅倫薩畫派 達芬奇《最後的晚餐》

《最後的晚餐》是基督教傳說中最重要的故事，幾乎被所有宗教畫家描繪過。但在達芬奇為米蘭格雷契寺院食堂畫《最後的晚餐》之前，所有的畫家對畫面藝術形象處理都有一個共同的特點：那就是把猶大與眾門徒分隔開，畫在餐桌的對面，處在孤立被審判的位置上。這是因為畫家們對人的內心復雜情感無法表現，從形象上難以區別善惡。由於達芬奇對人的形象和心理作過深入的觀察和研究，能從人物的動作、姿態、表情中洞察人物微妙的心理活動並表現出來。

畫家選擇的瞬間情節是耶穌得知自己已被弟子猶大出賣，差弟子彼得通知在愈越節的晚上與眾弟子聚餐，目的並非吃飯，而是當眾揭露叛徒。當耶穌入座後即席說了一句：「你們中間有一個人出賣了我。」說完此話，引起在座的眾弟子一陣騷動，每個人對這句話都作出了符合自己個性的反映：有的向老師表白自己的忠誠；有的大感不惑要求追查是誰；有的向長者詢問，整個場面陷於不安之中。過去的畫家無法表現這一復雜的場面和弟子們各不相同的內心精神活動，唯芬奇從現實生活中對各種不同個性人物的觀察，獲得不同的個性形象，於是在畫中塑造了各不相同的人物形象，觀賞者可以從自己的生活經驗出發，對畫中人作出不同的心理分析。

畫家描繪的弟子們的心理和情態，在現實生活中都可以找到相似的模特兒，可是叛變者的形象是很難畫的。達芬奇為塑造猶大的形象已停筆幾天，他常站在畫前沉思。當時請芬奇作畫是按時付酬金的，後幾天不動筆使院長十分惱火，並打算扣芬奇的工資。院長將想法通過總管告訴芬奇，芬奇說了停筆的原因。總管雖能理解，但扣工資非他本意，而是承院長旨意。這時芬奇轉首看看院長，立即表示可以很快完成猶大的形象，如果實在找不到猶大的模特兒，就把院長的頭像畫成猶大，總管會意地笑了。後來米蘭大公來看芬奇已完成的畫，一見坐在猶大位置上的是院長，他笑了，並說：我也收到修士們的指控，說他剋扣修士們的薪金，他和猶大是一個樣的，就讓他永遠地坐在這里吧。大公對芬奇說：「他對你不公平，你巧妙地報復了他。」芬奇之所以用院長作模特兒，並非完全是出於個人的報復，而是發現院長和猶大都很貪婪金錢，他們在本質上是一致的。所以猶大是作為貪財、叛賣、邪惡的典型而進入芬奇的作品的。

這幅在格雷契寺院食堂牆壁上的宏大畫面，嚴整、均衡，而富於變化，無論從構思的完美、情節的緊湊，人物形象的典型塑造以及表現手法的純熟上都堪稱畫家藝術的代表。它也是人類最優秀的繪畫作品之一，由於它的問世而使達芬奇名揚世界。

佛羅倫薩畫派 達芬奇《岩間聖母》

畫家33歲時客居米蘭，用蛋彩繪制這幅聖母畫，用岩洞作聖母子的環境，有畫中景和畫外意：聖母子在大天使護衛下暫歇於岩洞，有一種安全感；選擇岩洞作背景，起源於達芬奇記憶中的古佛羅倫薩採石場馬雅諾，岩洞的深意?在於宗教傳說中聖者誕生的洞穴，內涵黑暗和光明，即指上帝的光輝是以聖母子為載體轉化為人和他的苦難，讓神聖的光明穿破黑暗，照亮世界。這幅畫的人物組合為主體金字塔式構圖，畫家運用明暗畫法塑造形體、渲染人物形象的情感和畫面氣氛。芬奇尤為擅長通過畫中人物的軀體動作姿態的多樣變化，表現人的不同心靈和情感，約翰在祈禱，耶穌在為約翰祝福，天使在指示約翰，聖母伸出手作出撫愛姿態，這些人物動作、手勢都反映出不同人物的心理活動狀態。由於畫家繼承和發展了馬薩喬創立的明暗畫法，並運用這種畫法描繪岩洞聖母，這使整個畫面上洋溢著空氣和空間的深度感。作為畫家兼科學家的達芬奇所描繪的岩洞，人們能從岩石的結構看出岩洞形成的時期。可見畫家創作的科學態度，這正體現文藝復興盛期美術創作的特點——探索科學表現。

佛羅倫薩畫派 拉斐爾《雅典學院》

在雄偉庄麗的大廳里，匯聚著人類智慧的明星，他們是不同時代、不同民族、不同地域、不同學派的傑出學者、思想家，古今同堂，自由熱烈地進行學術討論，可謂洋溢著百家爭鳴的氣氛，凝聚著人類天才智慧的精華。畫面構圖宏大，視覺中心人物是古希臘哲學家柏拉圖和亞里士多德。圍繞這兩位大哲學家畫了 50多個學者名人，各具身分和個性特徵。他們代表著古代文明中七種自由學術：即語法、修辭、邏輯、數學、幾何、音樂、天文等。畫家藉以表彰人類對智慧和真理的追求，以及對過去文明的贊頌，對未來發展的嚮往。我們欣賞這幅巨作，如同進入人類文明博大精深的思想世界，這個思想領域是由柏拉圖和亞里士多德的爭論展開的。他們兩人從遙遠的歷史走來，邊走邊進行激烈的爭論。從一上一下對立的手勢，明顯地表達了他們在思想上的原則分歧。兩邊的人物成眾星捧月分列兩旁，表情動勢向著兩位爭論學者，有的注目傾聽，有的用手勢欲表達自己的看法，強化了畫面的中心。畫幅左面一組的中心人物，是身著長袍，面向右轉，打著手勢在闡述自己的哲學觀點的蘇格拉底；下面身披白色斗篷，側轉頭冷眼看著這個世界的青年人，是畫家故鄉烏爾賓諾大公弗朗西斯柯；大公身後坐在台階上專心寫作的禿頂老者，是大數學家畢達哥拉斯，身邊的少年在木板上寫著「和諧」和數學比例圖；身後上了年紀的老人，聚精會神地注視畢達哥拉斯的論證，准備隨時記錄下來；那個身子前傾伸首觀看，扎著白頭巾的人，據說是回教學者阿維洛依；畫面左下角趴在柱墩上、戴著桂冠正在專心書寫的人，有人定為語法大師伊壁鳩魯；畫中前景側坐台階、左手托面、邊沉思邊寫作的人，是唯物主義哲學家德謨克利特；他身後站著一位轉首向著畢達哥拉斯的人，他一手指著書本，好像在證明什麼，他就是修辭學家聖諾克利特斯。畫面中心顯眼處的台階上橫躺著一位半裸老人，他是犬儒學派的哲學家狄奧尼，這個學派主張除了自然需要之外，其他一切都是無足輕重的，所以這位學者平時只穿一點破衣遮體，住在一隻破木箱里。畫的右半部分又分幾組。前景主體一組的中心人物是一位老者，他是幾何學家歐幾里德，他正彎腰用圓規在一塊石板上作幾何圖，引來幾位年輕學者的興趣；歐幾里德後面那個背向觀眾手持天文儀的人，是天文學家托勒密：對面的長鬍子老人是梵蒂岡教廷藝術總監、拉斐爾的同鄉勃拉曼特；那個身穿白袍頭戴小帽的是畫家索多瑪，在索多瑪後面的只微露半個頭頸，側面看著我們的就是畫家拉斐爾本人。在文藝復興時期的畫家最善於在畫中描繪自己崇敬或詛咒的人，也愛將自己畫到畫中，藉以表明自己對畫中事件的態度，或代表簽名。這幅壁畫畫家巧妙地利用拱形作為畫面的自然畫框，背景是以勃拉曼特設計的聖彼得教堂作裝飾，兩邊作對稱呼應，畫中人物好像是從長長的、高大過道廊走出來，透視又使畫面呈現高大深遠。建築物的廊柱直線和人物動態的曲線相交融，產生畫面情境柔中有剛，加之神像立兩旁，使畫中充滿深層的古典文化氣息。畫家極善利用台階，使眾多人物組合主次前後有序、真實、生動、活潑，畫面將觀賞者帶進先哲們的行列。這宏大的場面，眾多的人物，生動的姿態表情，具有肖像性人物個性刻畫，布局的和諧、變化且統一的節奏，可謂把繪畫創作發展到文藝復興時期的頂峰。

威尼斯畫派 喬爾喬內《田園合奏》

充滿陽光的鄉村風景中，兩位衣著華麗的年輕音樂家和兩位體態豐艷的健美女神在樂器伴奏中歡樂，將人們引入恬靜的詩意境界，宛如一首人生頌歌，贊揚世俗生活中人性人情和愛之美。畫面將富有生機的自然風光與充滿生命和諧的人體結合起來，體現了喬爾喬內人文主義的精神。喬爾喬內擅長用清新、晶瑩的各種濃淡色彩塑造人物，他的輕快細膩的筆觸具有充分的造型表現力。畫中色調運用均衡的冷暖色，配置得恰如其分；色階的交替變化，華麗而流暢，柔和而有層次感；光線的布置，明暗交錯，呈現溫暖的金色調，給人們以感官的審美享受。

尼德蘭 凡埃克兄弟《阿爾諾芬尼夫婦像》

畫家在這里描繪了尼德蘭典型的富裕市民的新婚家庭，他用極其細膩的筆調，逼真地刻畫了年輕夫婦倆的肖像，尤其對室內的陳設，包括牆上、房頂的裝飾，描繪得一絲不苟，顯示了這位畫家所特有的書籍插圖畫的功力。 阿爾諾芬尼，這個在1420年被菲力蒲公爵封為騎士真實人物，在畫上拘泥而彬彬有禮地正和他新婚妻子在洞房中迎接貴客：他舉起了右手，表示一種儀式，象徵矢志愛情；新娘則伸出右手，放在新郎的左手上，宣誓要永遠做丈夫的忠實伴侶。華貴臃腫的衣飾是尼德蘭市民階層中一種富有者的裝束。室內的所有細節，如蠟燭、刷子、掃帚、蘋果、念珠以及兩人之間的小狗，都帶有一定的象徵性，它們提示著對婚姻幸福的聯想。畫面上洋溢著虔誠與和平的氣氛，以表達對市民生活方式和道德規范的贊頌。在背景中央的牆壁上，有一面富於裝飾性的凸鏡，它是全畫尤其值得觀者注意的細節(見附圖局部)；從這面小圓鏡里，不僅看得見這對新婚者的背影，還能看見站在他們對面的另一個人，即畫家本人。這種物理學上的游戲，顯示了畫家在運用所謂光線反射方面的知識，請注意在凸鏡面左側的那扇窗戶的弧形表現。小鏡框的四周鑲刻著十幅耶穌受難圖，圖象細小得幾乎看不清了，還有兩人頭頂那隻金光閃爍的吊燈(見附圖)，其刻畫之精微，為現代攝影者所嘆服，這是尼德蘭特有的細密畫傳統畫法，而用鏡子來豐富畫面空間，正是這幅畫的特色。後來荷蘭的風俗畫，尼德蘭的類似繪畫，都得益於這種畫法的啟示。

德國 荷爾拜因《大使們》

從1529年畫家32歲時起便定居英國，安分守己的荷爾拜因便成為性情暴烈的亨利八世的宮廷畫家。在以後的年代裡為王公貴族畫了眾多肖像。他的主要藝術成就都反映在肖像藝術創作上，他決不矯揉造作地去故意美化和粉飾他們，往往以高度寫實的手法，忠實地描繪自己對對象的直觀感受和理解。由於對象本身的面貌神情，決定了他所作肖像難免帶有貴族習氣，顯得呆板矜持，甚至有點做作。

在英國期間，作為他的肖像畫最佳作品是這幅《大使們》又名《兩個外交家》。

這是一幅雙人全身群體肖像，據考證左邊是法國駐英大使丁特維尤，右邊是外交官、主教塞爾維。畫中人物作對稱式分列於雜物台兩側，姿態類似照相，顯得呆板。畫家不以單純刻畫人物面部神態為主，而是整體地描繪人物的姿態動作和環境，在整體描繪中顯示出人物的身份和性格特點。充分施展了畫家寫實的完美技巧。畫面雖工亦不俗，表現出大家手筆。

威尼斯畫派 委羅內賽《迦拿的婚禮》

最能顯示委羅奈斯藝術成就的是他的一系列利用聖經題材描繪的宏大、熱鬧的宴會場面的作品。《迦拿的婚禮》就是其中的一件。這幅畫是畫家為義大利聖喬爾喬·馬喬里修道院創作的大型裝飾畫，畫的內容取自《聖經》故事，講的是耶穌和聖馬利亞以及使徒們在約旦河畔的迦拿這個地方遇到一家人家正在舉辦婚宴，主人邀請他們一起參加，婚宴上大家飲酒歡慶，後來酒喝光了，耶穌將壇中的水變成了葡萄酒，大家又繼續喝酒歡樂。和《利未家的宴會》一樣，委羅奈斯創作這個題材也遠離了宗教內容，他盡情地、可以說是「放肆」地發揮自己的想像和興趣，把聖經故事畫成了現實生活中的盛大宴會場面。畫中有威尼斯的當代建築、貴族、商人和樂師等，在這些歡樂的人群中還畫進了英國女皇、法蘭西斯一世、畫家提香、丁托萊托和畫家本人。據說，委羅奈斯到了威尼斯以後，他發現這里的人們追求的並不是對宗教的虔誠，而是對生活的享樂，於是他饒有興趣地把這些生活搬上了畫面。 為表現婚宴規模的盛大，畫家將宴會設計在露天，以便毫不顧忌的利用空間。他將人群分為三個層次，充分表現出場面的深遠。第一層次是以耶穌為中心坐在席位上的貴客和桌前奏樂的樂師及侍從。為體現主題，畫家將耶穌安排在正中，使徒們目光向耶穌集中，這一部分尚有些宗教氣息，除此之外，便都是痛飲狂歡的人群了。英國女皇等歐洲君主們神態各異地坐在桌旁，他們穿著色彩艷麗的服裝，增添了婚宴的豪華和熱鬧。畫家丁托萊托手持紅棍和一位歐洲君主聊著，他的前面是穿著黃色衣服、雙手抱著酒壇倒酒的侍從，這些動作的組合加強了畫面的動感。畫家把自己畫成一位樂師，在樂隊中神情專注地演奏樂器。第二層次是欄桿後的人群，這一人群的動作更為激烈，有的甚至爬上石柱。第三層次是站在建築物陽台上的人群。整個畫面共畫有一百三十多人。在銀灰色基調的襯托下，一百多個人物的五彩繽紛的服飾更為跳躍，令你眼花繚亂，充分顯示了宴會的盛大和熱鬧。 委羅奈斯在繪畫上，尤其是裝飾性繪畫上取得的成就是巨大的。他的畫有著燦爛的色彩和獨具匠心的透視，構成了令人眩目的效果，對於後來十七世紀巴洛克繪畫的影響十分深遠。但是，他的畫對人物內心和情感的刻畫是不夠的，還僅是表面的、外形的描畫，缺少內在的力量。

⑩ 世界史上最偉大的畫家有誰還有他們的作品名字是什麼

萊昂拉多·達·芬奇:《蒙娜麗莎》、《最後的晚餐》
拉斐爾·聖齊奧：《雅典學專院》、聖母屬的婚禮》
倫勃朗·哈爾曼松·凡·萊因：《木匠家庭》、《夜巡》
巴勃羅·魯伊斯·畢加索：《格爾尼卡》、《拿煙斗的男孩》
保羅·高更：《我們從哪裡來?我們是誰?我們到哪裡去？》
保羅·塞尚：《四季》、《坐在紅扶手椅里的塞尚夫人》
丁托列托：《基督之翟足》、《最後審判》
讓·弗朗索瓦·米勒 ：《播種者》、《拾穗者》
亨利·馬蒂斯：《舞蹈》、《摩洛哥人》
克勞德·莫奈：《印象·日出》、《睡蓮系列》
彼埃·蒙德里安：《樹》、《灰色的樹》
提香·韋切利奧：《烏比諾的維納斯》、《聖母升天》
門采爾：《軋鐵工廠》、《威廉一世加冕禮》
阿爾布雷特·丟勒：《啟示錄》、《基督大難》
喬奎恩·索羅拉：《縫帆》
約瑟夫·馬洛德·威廉·透納：《霧晨》、《湯姆森的風弦琴》
文森特·威廉·梵高：《星夜》、《向日葵》

大師簡介就不發了，查作品的時候就會看到大師的平生簡介，有的大師不僅僅只是在繪畫方面有造詣，其他方面也很出色哦！