藝術及設計歷史發展

A. 為什麼說藝術設計的發展歷史就是人類的文

但概括的講呢，在人類文明發展的各個階段，都會體現出不同的意識形態，而這種意識形態又會附著和體現在當時的物質產物上。隨著人類的不斷進化，這種體現的方式也不斷改變。所以，如果把不同時期的，所能體現當時人類活動和價值觀的物質產物羅列在一起，就能很清晰的看到人類文明進化的歷程。
比如，如果你把每隔兩千年的，當時人類所使用的飯碗收集羅列在一起，就能很清晰的看到人類是如何從野蠻進化到文明的，從藝術層面講呢，不同時代的碗的不同造型，款式和花式能直接體現出當時人類的審美情趣，工藝技術甚至生活狀態。

B. 西方藝術設計的歷史大致可分為那幾個時期

關於西方藝術史，盡管不少老師多次強調它對於提高藝術鑒賞力和夯實美學基礎的重要性，遺憾的是大學課堂並未講授，我只能自己到文藝書廳翻閱那些精美的畫冊，感嘆於《泉》那樣優美的裸體繪畫，還有出土的斷臂維納斯、恢宏的羅馬斗獸場、巍峨的哥特式教堂，等等，都給我留下過深刻的印象。因此常常神往像葉芝那樣《駛向拜占廷》：「那不是老年人的國度。青年人/在互相擁抱……我就遠渡重洋而來到/拜占廷神聖的城堡……請盡快把我採集進永恆的藝術安排……在金樹枝上歌唱/一切過去、現在和未來的事情/給拜占廷的貴族和夫人聽。」

一、尋找西方藝術史

我一直沒有系統讀過西方藝術史，因為書架上的教材、讀本大多被翻得殘舊難看，還有一股難聞的塵味，我屏住呼吸翻了幾頁，見理論太多、插圖太少，就興趣索然，寧願繼續去翻看提香筆下的那些健碩裸女。作為一個剛滿18周歲的成年男子，知慕少艾，卻未諳女體，此時與其說是欣賞西方藝術，不如坦白招出自己好奇的性心理。
歐洲的天才人體畫家們常常將仙女繪成專食人間煙火的欲女，如提香的《烏爾比諾的維納斯》，讓美神成熟的裸體斜躺於榻上，兩眼含著渴望、期待、挑逗、茫然和無所謂的神情，既像思春的貴婦人，又像淫盪的妓女，彷彿在等待著情人或顧客的來臨。那時我聽說過一點古希臘藝術的知識，就以為表現性與肉慾是西方繪畫的主要特點，卻忽視了提香在維納斯後面畫的兩個人，其中一個雙膝下跪似在祈禱，代表了畫家的某種宗教情懷。對此畫的理解，要將誘人的肉體和背後的祈禱聯系起來才算完整。
若干年後，我找到了一個比較好的版本，海南出版社2000年版的《西方藝術史》，圖文並茂，幾乎每頁都有藝術作品的插圖，看起來清爽多了，唯一的缺陷是理論詮釋過於簡略，許多地方看起來似懂非懂。幸好我曾零星看過一些藝術賞析的書，所以勉強能接受。
此書由四名歐洲學者編撰，原名「The history of art」――藝術史。這種歐美中心論的治學方式鉤起了我心理的一點不快，畢竟書中只有歐美的藝術，相信譯者看了也有這種感覺，所以轉譯為《西方藝術史》。

二、文藝復興之前

西方藝術起源於何處？文藝復興期間有一幅名畫叫《維納斯的誕生》，剛從海洋泡沫中誕生的維納斯站立在一隻蚌殼上，兩位風神把她送到岸邊，時辰女神拿著花斗篷前來迎接，天空下著玫瑰花雨，海面微微泛起波瀾。這大概就是藝術誕生的隱喻。
神話傳說、祭祀、狩獵、性愛、生育、史前洞穴……沿著時間的腳印巡禮西方藝術，可以發現法國拉斯科洞窟的原始繪畫也充滿了抽象、象徵的意味，令人想起印象主義和現代的某些畫風。
盡管美索不達米亞和埃及等地中海沿岸地區都對西方藝術的形成產生過重要影響，但真正起決定性作用的無疑是偉大的古希臘文明。希臘人除了給我們留下動人的神話故事，還有雅典娜、宙斯、赫拉和巴底農等立柱式的神廟，因其對石材的廣泛應用而保存長久；至於人體藝術，他們更是鼻祖。在中國人在藝術創作中羞澀地隱藏起自己的胴體時，他們很早就提出人體的最佳比例：身高7至8倍於頭長；並奉獻出了《擲鐵餅者》等大量完美的裸體雕像。即使在希臘化時代，也有一隻極其帥氣的亞歷山大大帝頭像，實在想不到他就是那個曾經縱橫歐亞大陸的軍事統帥，和神話中的阿喀硫斯一樣戰無不勝，可惜英年早逝。希臘時代的人體藝術品，無論男女，在體型、氣質方面都達到了無可企及的美境。
羅馬帝國的藝術承自希臘，但《披甲的奧古斯都皇帝》繁瑣的衣甲抑制了人的生命力，自以為是的領袖架勢已顯造作，美感遠遠遜色於希臘裸男。中世紀無論是拜占廷、羅曼還是哥特藝術，除了建築風格尚可欣賞之外，那些神祗和人物畫看起來很氣悶，這是歐洲的陽萎期，而同期的唐朝詩人李白「仰天大笑出門去，我輩豈是蓬蒿人！」唱響了盛唐藝術的最強音。

三、文藝復興之後

直到文藝復興，人文主義思潮的傳播才使西方藝術重新勃起。達芬奇、提香、波提切利、米開朗基羅等天才重拾希臘精神，將西方藝術提升到了新的層次。《蒙娜麗莎》不必多說。米開朗基羅的雕塑《大衛》也是世界藝術史罕有的傑作：大衛這個《聖經》里的英雄充滿自信地站立著，向人們展示了他的健美身材，左手拿石塊，右手下垂，頭向左側轉動，面容英俊，雙目有神，英姿颯爽，身體中積蓄的強大力量似乎隨時要爆發，代表了偉大的人文主義精神。此雕像的復製品至今仍屹立在義大利佛羅倫薩的市政廣場，原件則在博物館嚴加保存。可惜書中僅選了多納太羅的《大衛》雕像，雖然也不俗，但比米氏差了一個檔次。
文藝復興向前演變，就產生了「巴洛克」、「羅可可」等術語。前者原指形狀不規則的東方珍珠，後詞義變寬，表示思想和表達方式的獨特、個別、任意性，在藝術創作中表現為對感官、喜慶、浮華和激情的突出。後者原指對岩洞、貝殼和鍾乳石的模仿，後被引入室內裝飾，日益走向日常生活，變得越來越世俗化。這個時期的西方藝術給我印象深刻的是羅馬聖彼得大教堂廣場等宗教建築和巴黎貴族的沙龍以及裝飾豪華的宮殿，還有倫勃朗的自畫像。
倫勃朗有畫自己的嗜好，共畫了近百幅，我看到的是他青年、中年、老年三個時期的三張自畫像。青年時期他身穿華麗服裝、意得志滿、嘴唇充滿肉感，看起來玉樹臨風，可以想像他應是一位風流才子。中年時期他眉宇顯出疲倦，衣著樸素，已經發福，人到中年百事憂，看來他也難免俗。老年時期他穿著尊貴的服飾，胸前還掛著類似懷表的飾物，清澈的眼睛透出哲學般的深思，嘴角的撇起和隱隱的微笑表示自己已經世事洞明，看清楚了就無所謂。人生的三個階段，在此得到了充分概括。

四、19世紀的西方藝術

19世紀最先出現的是新古典主義，《馬拉之死》、《荷拉斯兄弟的宣誓》等作品告訴我們藝術辭典中離不開責任、宏偉和庄嚴等詞。油畫《馬拉之死》表現了馬拉這個法國大革命的重要領導人剛剛被刺的慘狀：被刺的傷口和染紅了浴巾的鮮血，握著鵝毛筆的手垂落在浴缸之外，另一隻手緊緊地握著兇手遞給他的紙條。作者以觸目驚心的畫面來表現了古典主義的獻身精神。《荷拉斯兄弟的宣誓》以羅馬歷史上的英雄荷拉斯三兄弟向老父親作出征前的宣誓，表現對國家的忠誠和榮譽感，而旁邊婦女們的哭泣哀嘆強化了他們剛毅神武的英雄形象。
對於浪漫主義，我們首先要記住雨果的名字，他從理論上闡述了浪漫主義，並在文學和繪畫等方面作了重要探索。他的小說《巴黎聖母院》和《悲慘世界》聞名於世；畫作《渦石燈塔》以擬人化的手法將燈塔塑造成了為浪漫主義狂飆大聲疾呼的旗手。還有載入過中學歷史課本的《自由指引人民》（作者：德拉克羅瓦），畫中自由女神敞胸露乳、高舉旗幟帶領革命者向光明前進，非常激動人心。德拉克羅瓦的另一幅畫作《薩達納巴爾之死》表現了國王在圍城內准備與所有財寶、駿馬和女人一起自焚殉國時的情景，火紅的宮床、綢緞、韁繩、轡飾、長幔，國王的眼光從上方傾斜而下，右下角的婦女慘遭割喉，整個畫面驚心動魄，具有巨大的藝術爆發力。這幅畫就像德拉克羅瓦在日記寫的那樣：「色彩就是眼睛的音樂，它們象音符一樣組合著……無法達到的感覺」。
此後的現實主義更加關注社會現實和平民的普通生活，如米萊的《捆乾草者》、萊勃爾的《教堂里的三個女人》等。庫爾貝的《畫室》應是代表作。他這樣描述自己的畫作：「這幅畫分為兩個部分，我處在中央，正在作畫；右邊是所有股東，也就是說朋友、藝術界的工作者和愛好者。左邊是另一個平凡生活的世界，普通百姓、悲慘的人、窮人、富人、受剝削者、剝削者以及靠死人生活的人……一名女裸體模特兒站在我椅子後邊。」 這幅畫極具象徵性，畫中的畫家彷彿就是聖父，用他的畫架分開了善惡，進行著最後的審判。
最令我震撼的是其後出現的印象主義。攝影技術揭示了表象的多樣性和直接捕捉真實感覺的重要性。印象主義更強調畫家的主觀感覺和捕捉瞬間的的能力，他們確信風景是依時刻、季節、氣候不同而變化的，這種短暫、瞬間的誘惑把他們引向逐漸消逝和無窮無盡的藝術幻想。一般認為這一畫派的奠基人是馬奈，他的《草地上的午餐》把全裸的女子和衣冠楚楚的紳士畫在一起，愉快地聊天、聚餐，以誇張的手法表達了對率真、自由的世俗生活方式的嚮往，其鮮艷明亮、對比強烈的畫法是對傳統的突破。
「印象派」一語由莫奈的《印象，日出》所引發，他描繪了法國勒阿弗爾港口一個多霧早晨的景象：一輪紅日投射在海上，海水被染成淡紫色，天空微紅，水波淼淼，搖曳的小船朦朧模糊，人影依稀可辨，遠處的工廠煙囪、大船上的吊車等若隱若現。這來臨自他從一個窗口凝望產生的瞬間印象，筆觸大膽新奇，開創了一代畫風。
梵高的故事相信大家都不陌生，斯通的《梵高自傳》已有具體描述。他不是正宗的印象派，但卻是真正的天才，就是普通的向日葵也被他畫出了生命的真諦。欣賞那幅不朽的畫作《向日葵》，可體會到畫家像熊熊火焰一樣熾熱的激情和旋轉不停的運動感，還有單純強烈、粗厚有力的色彩對比，那種激動人心的畫面效果充分體現了他心靈的震顫和激情。這時的向日葵不再是靜靜的植物，而是帶有原始沖動和熱情噴發的生命體。他畫的草鞋、工人等也閃爍著天才的光芒，流露著悲天憫人的情懷。
與印象派相關的大師還有高更、塞尚等。

五、現代藝術的困境和嬗變

20世紀是工業化集大成的時代，鋼筋水泥成為廣泛應用的建築材料，建築在強調美觀的同時，更具實用性和世俗性。歐式高樓大廈隨全球化走遍世界，五大洲處處皆是，這在城市化的中國尤為泛濫，造成諸城的千篇一律。而我喜歡的經典之作如悉尼歌劇院和貝聿銘為盧浮宮入口處設計的金字塔等在國內非常罕見。
在都市森林中，在兩次世界大戰造成的人道主義危機中，在意識形態的幻變中，藝術亟需變革。受到象徵主義、批判現實主義、印象主義、自然主義和唯美主義等各種思潮影響的畢加索開辟了立體主義的新天地。過去的畫家都是從一個角度去看待人或事物，所畫的只是立體的一面。受X光透視等現代科技啟發，立體主義以全新的方式展現事物，他們從正面不可能看到的多個角度去觀察，把幾個側面都用並列或重疊的方式表現出來。畢加索在《阿維尼翁的姑娘們》中，把五個裸女的色調以藍色背景來映襯，背景也作了任意分割，沒有遠近的感覺，人物是由幾何形體組合而成的，右邊兩個女子的面孔酷似非洲的硬木人面具，右下角的女子雙腿分開令人聯想起性和生育，畫面下方還有幾只水果，充滿象徵和暗喻，至今仍是個未被說明的秘密。這反映了20世紀現代藝術的特點：作者只提供一個空間和可能性，讓讀者參與創作，主題在作者和讀者的互動中產生（甚至，根本就是無主題）。
康丁斯基更將現代藝術引向了大抽象，使人們對事物外表的的審視轉變為「內部參與」。他的作品《帶黑色的弓形，154號》中，特定的主題和視覺的判斷都消逝了，只借色彩和形狀的搭配營造出一種猛烈沖突的動勢和緊張，令人想起世界大戰或罷工。《白線，232號》以一種鬆散和氣氛性的手法來處理的，色塊被一種強烈的直線條圖案和規則的曲邊所強調，也許想表現宇宙空間和星系的相互作用。
隨後的藝術家們越走越遠，那些奇思妙想的幾何造型和極度抽象的色彩組合令人越來越費解，藝術家企圖突破傳統，卻越來越陷入迷宮，超現實主義、行為藝術……五花八門的術語掩飾不了審美的混亂，至少我對這階段的藝術並不喜歡。當然也有些藝術家在回歸傳統，關注現實，以簡潔的象徵來表達主題，但成就與前兩個世紀尚有差距。
至於互聯網時代的藝術，讀圖開始優先於讀文，聲光特技和電腦製作的發展使創作變得更含混，一切尚在嬗變中，我混亂的腦袋尚未清晰，無定的尋覓中只能欣賞當下和回眸以往。

C. 為什麼說藝術設計的發展歷史就是人類的文明發展史

這個話題很大啊，建議樓主還是找專門資料來研究下。但概括的講呢，在人類迴文明發展的各個階段，都會答體現出不同的意識形態，而這種意識形態又會附著和體現在當時的物質產物上。隨著人類的不斷進化，這種體現的方式也不斷改變。所以，如果把不同時期的，所能體現當時人類活動和價值觀的物質產物羅列在一起，就能很清晰的看到人類文明進化的歷程。
比如，如果你把每隔兩千年的，當時人類所使用的飯碗收集羅列在一起，就能很清晰的看到人類是如何從野蠻進化到文明的，從藝術層面講呢，不同時代的碗的不同造型，款式和花式能直接體現出當時人類的審美情趣，工藝技術甚至生活狀態。

D. 中國藝術設計的發展歷程

[摘要] 本文以中國現代設計藝術發展的三個階段為主線，以世界現代設計史為暗線，闡述在世界設計史背景下中國現代設計藝術的發展狀況。通過對同一時期國內不同地區設計藝術發展不平衡的分析，以及對同一時期中國與國際設計水平的比較，闡述了對待外來設計藝術不同態度產生的不同結果。勾勒出中國的現代設計藝術由最初閉關自守拒絕現代設計，到「五四」時期狂熱的否定傳統文化的全面接受，解放初期生硬的 「復古主義」，文革時期全面的設計「為政治服務」的曲折發展，在改革開放後嘗試將現代設計與傳統藝術相結合，全面走向有中國特色的現代設計藝術的發展脈絡。眼睛向後看，身子就不會向前，但總結過去，卻是為了能更好的把握未來。借古鑒今，西體中用，回顧中國現代設計藝術的發展歷程，理清思路，為探索新世紀中國現代設計藝術的發展道路提供某種啟迪。 [關鍵詞] 世界設計史 現代設計 綠色設計 文化創意產業緒論中國現代設計藝術和世界現代設計藝術一樣，同是社會變革的產物[1]。在社會由農業社會向向現代工業社會轉型過程中，由於社會的需要，設計的重要性逐漸凸顯，成為一種專門的社會活動和文化活動，現代設計藝術應運而生。文藝復興是歐洲政治思想、文化藝術發生重大變革的歷史時期，反映了西歐各國正在形成中的資本主義萌芽。同一時期的中國明朝由於社會生產力的發展，社會商品經濟的繁榮，延續數千年封建社會母體萌發出新生社會的胚芽，加上外國傳教士帶來的西方文化和科學技術，使世界社會發展幾乎處於同一進程，世界現代設計藝術同步發展。事實上，中國現代設計藝術的轉型不是一蹴而就的，大致經歷了這樣一個過程：從最初被動的接受 「舶來」的現代設計藝術，到「五四」新文化中國現代設計藝術運動時期主動提倡向外來藝術，包括西方的設計藝術學習，再到結合外來文化，從傳統文化中吸收營養的中西結合的發展歷程。中國現代設計藝術的發展歷程反映了中國人「實用理性」文化心理原則，作為中國人文化心理活動的結構原則，「實用理性」並非靜止的、一成不變的形式，它重視的正是變化、擴展、更新和發展[2]。中國現代設計藝術正是在接收西方設計藝術的同時，得到更新和發展。 從英國開始，繼而席捲整個歐洲的工業革命浪潮，掀開了人類歷史發展嶄新的一頁，歐洲率先進入以商品生產為目的的資本主義社會，工廠機器生產逐漸取代了傳統的手工藝生產，工業產品設計成為西方社會最主要的設計活動，機器本身便是設計的產物。工業革命促使的社會變革奠定了世界現代設計藝術的發展基礎。然而，早期的機器生產依然是沒有設計或設計對生產影響很小的活動，機器只為提高產量，而不顧及人的美觀感受和產品的內在質量。以威廉·莫里斯（William Morris）和約翰·拉斯金（John Rushin）為首的「藝術與手工藝」運動倡導「藝術與技術相結合」的原則，有助於彌補技術與藝術的隔閡，強調恢復藝術和手工藝的辦法來解決技術和藝術的矛盾，「再創生活的美與浪漫將是一項重要的工作。」[3]注意到了設計藝術在現代社會中的重要作用，標志著現代設計藝術史的開端。與「藝術與手工藝」運動相似，「新藝術」運動也同樣是企圖在藝術和手工藝之間找到一個平衡點，「新藝術」運動是世紀之交的一次承上啟下的設計運動，它的興起預示了舊時代的結束和一個新時代，真正意義上的現代設計即將來臨[4]。隨之而來的「裝飾藝術運動」和「現代主義設計」對歐美，乃至整個世界都產生了重大影響，遠在東方的中國也概莫能外。

E. 藝術設計的概念發展到今天，其演變經歷了哪些過程

自從有了人類,也就開始了形式創造的歷史.從對符號的使用開始,原本一片混濁的世界就成為可以識別區分的世界,最初的形式就是用來識別區分的,一直到現在.今天我們觀念中的藝術形式是與美、藝術密不可分的,而這種觀點卻是一個很長歷史演變的結果.從公元前6世紀開始的近3000年中,形式作為一個歷史演變的范疇,在不同的階段呈現出不同的意義.它或者是一個自然的數理概念;或者是不可觸摸的抽象范型;或者是外在的風格;又或者是內部的組織結構方式;它或者是外在的靜態表現,還或者是內在的形成過程……對形式的這些不同定義都進一步形成了觀念,有的還完善為哲學、美學體系,特別在 20世紀,每種不同定義就可以形成一個流派,更見出「形式概念的重要性首先在於它不是美學和文藝學的一般概念,而是關涉到美和藝術的本質或本體意義的概念」.
盡管我們常常把探討的起點放在公元前6世紀左右的前蘇格拉底時代,但從那時開始一直到 19世紀,我們對形式的認識雖然不斷發展與深化,可研究的視野主要局限於形式的外在他律規律.主要表現為兩種歷史形態,一是對形式製作的強調,把形式片面等同於工具性的加工製作,這主要是在19世紀以前.19世紀以後,從德國古典美學開始,哲學一美學體系才真正形成,形式概念成為建構美學體系的基石,具有了完整的美學價值.這時的理解雖然擺脫了單純物的製作意義,但形式概念的存在是基於某一哲學認識體系的需要,成為認識內容的外在顯現,這是他律性的第二個表現.這一時期,藝術形式具有了主觀性的審美意味.
到了20世紀,形式不僅是美和藝術的外在表現,在某種意義上就是美和藝術本身,更有甚者還認為美和藝術是形式的表現,形式本身成為了規則.同時康德、黑格爾、馬克思主義及西馬理論以其博大的視野,引人了歷史和社會視角,綜合著分立的觀念,因此我們主要可以通過三個視角對形式概念進行審視,客體視角意味著把形式作為他律的存在;本體視角承認的是形式自律特徵; 歷史視角通過對客體和本體的綜合,力圖達到他律和自律的結合.它們分別對應著19世紀以前、 20世紀以後和19世紀的形式概念.

F. 藝術設計的發展歷史過程

「藝術設計」的發展歷史過程：

「藝術設計」是中國大陸教育部於1997年確定的本科招生學科名稱，英文翻譯為Art and Design。在中國大陸教育部門的設計類學科分類中，藝術設計和工業設計是並列的關系。

比如平面設計、展示設計、環境藝術設計、裝飾設計、服裝設計等。當然，設計概念本身就有狹義和廣義之分，狹義的設計僅指工業設計。不過一般說到設計都是指廣義的設計概念，即包含藝術設計部分的設計。

1998年，中國大陸國務院學位委員會制定了一個不同於教育部的學科分類，「藝術設計」在國務院的學科分類中被稱作「設計藝術學」。中國大陸的高校本科（大學部）招生使用了教育部的學科分類，而研究生招生則使用了國務院學位委員會的分類。

在中國國內的設計藝術學界除了在個別專門探討學科命名的文章中，這兩個名稱基本上可以互換。其實這兩個名稱，在內涵上並無顯著差異，英文文獻中統一稱為「設計（Design）」。

學科科目：

景觀建築設計、網路藝術、三維動畫、視頻設計、音頻藝術、互動媒體、工業設計等。

動畫設計方向強調堅實的繪畫基礎和美術功底，注重學生的審美素質和創造性思維的培養。學生在該專業將學習諸如動畫運動規律、動作設計、動畫材料等專業基礎課程，同時學習劇作、視聽語言、表演與肢體語言等相關的電影知識。

在綜合藝術素質提升的同時，學生將學習各種動畫製作軟體並探索各種先進的創作技術。學生在校期間有條件根據自己的想法創作獨立動畫藝術短片，教師將根據學生具體情況指導學生完成短片創作；學生畢業時將掌握從前期策劃、中期製作和後期合成這一完整的動畫製作流程，製作出具有專業水平的動畫作品。

動畫運動規律、 材料動畫、動畫藝術概論、動作設計、電影視聽語言、分鏡頭劇本設計、導演基礎、動畫片創作等。

景觀建築設計方向主要是為我國的景觀建築設計和規劃事業輸送專業人才。教學內容綜合了藝術設計、景觀建築設計規劃和園林方面的專業課和基礎課，除教學以外，景觀建築設計專業設立了研究工作室。

其主要職能是在推進專業教學的同時，積極開展本領域的研究工作和創作設計實踐，為推動景觀建築設計的發展做出貢獻。

(6)藝術及設計歷史發展擴展閱讀

「藝術設計」主要特點：

藝術設計是一門獨立的藝術學科，它的研究內容和服務對象有別於傳統的藝術門類。同時藝術設計也是一門綜合性非常強的學科，它涉及到社會、文化、經濟、市場、科技等諸多方面的因素，其審美標准也隨著這諸多因素的變化而改變。所以說，藝術來源於生活，反過來又作用於生活。(獨立性和綜合性）

藝術設計貴在創造活動與實踐，是設計者自身綜合素質（如表現能力、感知能力、想像能力）的體現。各個專業雖然對設計知識的著重面不盡相同，但對於「大設計」概念的關於美、節律、均衡、韻律等的要求是一樣的。

不論是平面的還是立體的設計，考生首先要面對的是一個對所設計對象的理解——對設計對象相關的背景文化、地理、歷史、人文知識的理解。（思想性和行動性)

藝術設計的最大的特點就是服務性。藝術設計的第一動機不是表達，是對生活方式的一種創造性的改造，是為了給人類提供一種新的生活的可能，不論是在商業活動中的信息傳達里的應用，還是日常生活的行為方式中的應用，藝術設計就是讓人類獲得各種更有價值，更有品質的生存形式。

他讓生活更加簡單、舒適、自然、效率這是藝術設計的終極目的。藝術設計最終的體現是優秀的產品，這個體現我們從喬布斯和蘋果的產品中可以完全感受的到，蘋果的設計就改變了現代人的行為方式。

喬布斯的設計夢想就是改變世界，他以服務消費者為目的，用顛覆性、開拓性的設計活動來實現這一目標，好的藝術設計產品能改變世界，好的藝術品能觸動世界，這是不同的。

其次藝術設計的特點就是科學性和合理性。藝術設計的實現手段是理性的，這和藝術品的實現是有區別的，你可以光憑藝術靈感的爆發創作出震撼的藝術品，但你絕不可能光憑借靈感去造出一個好的產品。

一個好的產品不是的設計者的純自我的表達，是有嚴謹的科學精神在裡面的，是一個合理統籌的一個有目的的活動，要把自己的觀點和觀念通過科學的調查、合理的流程歸劃一步步的完善出來的，中間會有各種科學的實驗。

會有各種數據的考量，會有設計師在藝術追求與實際生活需求的各種妥協，藝術設計產品沒有絕對的藝術理想的純粹性，它最終要以人為本，用體驗去征服人們。

藝術設計還是一個綜合性的設計活動。任何藝術設計都不是一個或兩個學科能夠完成的，在實現階段是一個工業化的過程，在紙上的創意只是一個概念的產生過程，一旦要去製作那就需要各種其他學科理論和技術的支持，靠一個人來完成幾乎是不可能的。

但是藝術品的創作就往往是一個人的事情，人多了反而會阻礙藝術觀點表達。各種材料的研究、電腦技術的應用、數據的整理、工業化的生產以及產品的銷售等等。

都是藝術設計不能繞開的問題，這是個龐大的工程，不是一個人光憑激情就能做到的事，藝術設計師不但要有藝術設計的才能，更要有合作的精神，還要有合理統籌整個流程的能力。

藝術設計的特點就決定了，你不但是個藝術家還要是個思想家，更是個行動家。

G. 藝術設計的概念發展到今天,其演變經歷了哪些過程

自從有了人類，也就開始了形式創造的歷史。從對符號的使用開始，原本一片混濁的世界就成為可以識別區分的世界，最初的形式就是用來識別區分的，一直到現在。今天我們觀念中的藝術形式是與美、藝術密不可分的，而這種觀點卻是一個很長歷史演變的結果。從公元前6世紀開始的近3000年中，形式作為一個歷史演變的范疇，在不同的階段呈現出不同的意義。它或者是一個自然的數理概念;或者是不可觸摸的抽象范型;或者是外在的風格;又或者是內部的組織結構方式;它或者是外在的靜態表現，還或者是內在的形成過程……對形式的這些不同定義都進一步形成了觀念，有的還完善為哲學、美學體系，特別在 20世紀，每種不同定義就可以形成一個流派，更見出「形式概念的重要性首先在於它不是美學和文藝學的一般概念，而是關涉到美和藝術的本質或本體意義的概念」。
盡管我們常常把探討的起點放在公元前6世紀左右的前蘇格拉底時代，但從那時開始一直到 19世紀，我們對形式的認識雖然不斷發展與深化，可研究的視野主要局限於形式的外在他律規律。主要表現為兩種歷史形態，一是對形式製作的強調，把形式片面等同於工具性的加工製作，這主要是在19世紀以前。19世紀以後，從德國古典美學開始，哲學一美學體系才真正形成，形式概念成為建構美學體系的基石，具有了完整的美學價值。這時的理解雖然擺脫了單純物的製作意義，但形式概念的存在是基於某一哲學認識體系的需要，成為認識內容的外在顯現，這是他律性的第二個表現。這一時期，藝術形式具有了主觀性的審美意味。
到了20世紀，形式不僅是美和藝術的外在表現，在某種意義上就是美和藝術本身，更有甚者還認為美和藝術是形式的表現，形式本身成為了規則。同時康德、黑格爾、馬克思主義及西馬理論以其博大的視野，引人了歷史和社會視角，綜合著分立的觀念，因此我們主要可以通過三個視角對形式概念進行審視，客體視角意味著把形式作為他律的存在;本體視角承認的是形式自律特徵; 歷史視角通過對客體和本體的綜合，力圖達到他律和自律的結合。它們分別對應著19世紀以前、 20世紀以後和19世紀的形式概念。

H. 中國藝術設計發展史

換主板就要換CUP，內存條，顯卡和電源，和裝新機器沒有什麼區別，買品牌不如組裝，高配置，玩起游戲來特別爽

I. 藝術設計的起源和人類歷史一樣悠久

藝術的起源，普通人肯定不會了解。但是他的起源卻是和人類發展進步同步的，更是人類進步的基礎。
原始社會的人們，從根本意義上來說他們還不能算是人，只是靈長動物的一個分支。因為他們還過著茹毛飲血的生活，和動物是沒有區別的。直到某天一陣雷聲過去，將原始人的家點燃，這個時候人類開始覺醒了。

原始人將火供奉神明，為了讓火種常在，於是開始輪守。而人類的生活時間也得到了一定延長，因為夜晚可以看到東西，所以不用再早早地去睡覺。當人類有了更多的時間去做更多的事情，於是藝術開始在人的頭腦中形成。為了證明自己對火的崇拜，於是他們將火神話成形，最早的圖騰就產生了，而這個神話的主角當然就是太陽了。人面網紋盆就是一個很好的證明。而這個神話主角也一直持續到今天。

結繩讓藝術走向了另一個范圍，實體手工，鑄就了現代建築。當時結繩是為了記住某些事情，而後來人們慢慢發現可以用很多方法結出不同的結，而裡面就出現了很多符合原始人審美觀點的形狀，這就成為了藝術。

奴隸社會的發展，讓藝術成為了一種形式，同樣還是讓藝術將某些事物神話，並去記錄他，讓人們敬仰他，奴隸主對此更是不遺餘力，將藝術正式成為了人類生活的一部分，雖然他的目的不怎麼好。

封建社會君授神權的思想，讓藝術又找到了根據點，於是人類社會進步最大的社會體制，藝術的發展也是最大，而這個時候實體手工藝術開始嶄露頭角，偉大的建築工程都是在這個時候產生的，空中花園，金字塔，鬥技場，故宮等。

藝術真正開始走向人類生活，並實用話是在封建社會末期，啟蒙運動，文藝復興將藝術開始細化，而這個時候就產生了一種形式意義上的設計，東方的水墨，西方的素描，接著水彩與油畫的出現將藝術設計帶入一個全新的領域。

畫是藝術設計的起源，資產階級革命，讓人類從剝削統治下解放，同樣思想也得到了解放，層出不窮的設計將人類帶入一個嶄新的時代，而藝術也開始在社會發展中扮演起主導角色。包豪斯的出現讓藝術設計成為一門學科，而藝術開始發揮他無窮的力量開始改變這個社會。

當人類正視一件事情的時候，這件事情就會給人類巨大的推動力，建築設計就是一個時代的象徵，近代藝術設計的覺醒觸發了更多產業的出現，工業設計，包裝設計，服裝設計等等，使得藝術開始讓人類生活多姿多彩，更加舒適。

一個事物總有他的兩面性，藝術發展韻生出低俗藝術，人體畫本身是一種對繪畫功底的證明，到了近代也出現了一些猥瑣的東西，色情開始和藝術掛鉤。

現代藝術的主要表現是廣告藝術，但是慢慢地他已經變為一種低俗藝術，色情也正式開始侵蝕藝術，各大網站的美女，半遮半掩的露點圖片鋪天蓋地，人們已經習以為常。到處都是看的讓人會觸發癲癇的FLASH，這已經是一種不折不扣的低俗藝術。

很多朋友都想成為藝術設計大師，但是實際的環境卻不能讓他們如願，商業化的藝術完全可以和低俗藝術畫上一個重重的等號，因為往往都是那些不懂藝術的人，在主使這些未來的藝術家做他們不願做的事情。所以藝術已經發生了質變。

我想我們需要革命了，一個啟蒙運動，或者一個文藝復興，都可以讓這些尋求藝術的人得到希望。

但是我也想為現代藝術說一些有用的話，工業革命讓工業造型成為藝術的主體，宮本茂的超級瑪莉促就了一個新產業的誕生——電子藝術。第一個WEB的產生也同樣是因為一些熱愛藝術的人，將信息藝術化為了網頁。

CSS更是證明了這點，接著出現的XSL作為XML的表現體，都是這樣。其實這些都是藝術，也都是藝術設計。

AJAX讓人們體驗到了網頁瀏覽的無縫結合，其實這些都是因為藝術而產生的。

所以我一直對一些年輕人說，藝術不是畫好一兩張畫，設計一兩個作品就叫藝術設計，真正的藝術和藝術設計是一種思想，是能夠把藝術帶到任何領域的思想。

藝術可以做好程序，藝術可以搞好市場，藝術更可以讓一個國家昌盛。其實這都是一個思想。

藝術家絕對不會停留在畫畫作圖上面，而是將他的藝術思想帶給所有的人，去改變這些人的思想，讓他們用藝術化的思想去做好他們的本業。

藝術是崇高的，其實是崇高的思想，每個人都有藝術天分，沒有人不懂藝術。但是每個人並不都是思想崇高的，所以我們這些搞藝術的人，就要將這種思想帶給他們，讓自己的思想得到升華的同時，讓接受藝術思想的人也開始轉變他們自卑落寞的思想。

這才是真正的藝術。

不局限於藝術的藝術，那是真藝術，能夠給自己找到更多的發展方向，也可以創造出一個全新的藝術產業。

今天我在寫程序，不能保證，我不會搞出一種程序藝術來，甚至要高於程序。
今天我在做市場，不能保證，我不會搞出一種藝術化的市場來，甚至比現在的市場前景更好。

所以，朋友，你要為你選擇了藝術而驕傲，因為他能做到的太多，並且會做的更好!