西方藝術與歷史發展

A. 西方藝術史經歷了那些關鍵歷史時期如：文藝復興時期

埃及、希臘羅馬、中世紀、文藝復興、巴洛克、羅可可
埃及美術：
一般指公元前 332年以前的埃及美術。它的形成和發展主要經過了史前期、 早期王朝、 古王國、中王國、新王國和後期王朝時期。埃及美術的產生和發展與埃及人的宗教信仰、墓葬習慣和王權思想有很大關系。他們認為，人的生命和宇宙萬物是永恆的,死者是可復活的。相應地，陵墓作為人的永久住宅，它的修建和裝飾，也受到重視。這些原因導致了金字塔、雕刻、墓室壁畫等一系列藝術品的產生。埃及美術的一般特點是：建築宏偉壯觀；雕刻樸素寫實，整體性強，表現方法遵守正面律；繪畫線條流暢優美，色彩豐富，人物表現採用正、側面混合法。
希臘美術：
希臘美術發源於地中海的克里特島，早期希臘文明被稱為「愛琴文明」，希臘文明一直延續到羅馬帝國佔領希臘各地，希臘藝術按照時間可以如下分期：1.愛琴文化時期、2.荷馬時期、3.古風時期、4.古典時期、5.希臘化時期。希臘人創造了神，在希臘人的心目中最完美的人就是神，因此希臘人尊重人，神和人同形同性。希臘美術最重要的方式是神殿等建築、雕刻和少量壁畫。希臘美術的主要特點是無所不包的和諧與規律性，還有庄嚴與靜穆。
羅馬美術：
羅馬美術吸收了希臘美術成就，繼承了埃特魯斯坎美術傳統，而將美術更加推向實用主義，在內容上側重描繪享樂性的世俗生活，在形式上追求宏偉壯麗的風格，在人物表現上強調個性化。其突出成就主要反映在建築、肖像雕刻和壁畫方面。
中世紀美術：
自公元476年西羅馬帝國滅亡到15世紀文藝復興運動開始的一段時期，史稱中世紀。它包括拜占庭美術、愛爾蘭-撒克遜和維金美術、奧托美術、加洛林美術、羅馬式美術和哥特式美術等。在公元313年，羅馬皇帝君士坦丁頒布米蘭敕令，承認基督教會的合法地位。由於基督教的影響佔有統治地位，決定了藝術濃厚的宗教色彩。位於東方的拜占庭美術，在一定程度上成為古希臘美術的保存者與傳播者，並與當地民族美術相融和，而自成體系。西歐其他諸國基督教美術，也都帶有本民族原始藝術的明顯烙印。中世紀美術最重要的成就是建築的發展。無論是拜占庭式教堂高大的圓穹，還是哥特式教堂火焰般的尖券，既充分顯示出封建宗教的權威，也體現出當時工匠們的創造才能。同時與教堂建築一起應運而生的裝飾性雕塑、鑲嵌壁畫與彩色玻璃窗畫，以及聖經、文學作品的插圖畫和各種小型藝術等，又賦予中世紀美術以豐富多彩的面貌。
文藝復興美術：
文藝復興是指十四世紀到十六世紀西歐與中歐國家在文化思想發展中的一個時期。「文藝復興」的原意就是指「在古典規范下，文學和藝術的復興。」在經歷了封建教會勢力的千年統治之後，人們開始掙脫精神上的奴役，被禁錮多年的古典文化又引起人們的重視。文藝復興首先發端於義大利，然後逐漸傳播到歐洲其他國家。其變化的基礎就是思想基礎關懷人、尊重人，以人為本的世界觀。在人文主義思潮的影響下美術創作發生了相應的變革，顯示出鮮明的時代特徵。按照時間可分為：1.佛羅倫薩早期文藝復興美術，2.羅馬盛期文藝復興美術，3.威尼斯後期文藝復興美術。
巴洛克：
巴洛克藝術產生於16世紀下半期，它的盛期是17世紀，進入18世紀，除北歐和中歐地區外，它逐漸衰落。巴洛克一詞本義是指一種形狀不規則的珍珠，在當時具有貶義，當時人們認為它的華麗、炫耀的風格是對文藝復興風格的貶低。巴洛文藝術最早產生於義大利。概括地講巴洛克藝術有如下的一些特點：首先是它有豪華的特色，它既有宗教的特色又有享樂主義的色彩；二是它是一種激情的藝術，它打破理性的寧靜和諧，具有濃郁的浪漫主義色彩；三是它極力強調、運動，運動與變化可以說是巴洛克藝術的靈魂；四是它很關注作品的空間感和立體感；五是它的綜合性，巴洛克藝術強調藝術形式的綜合手段；六是它有著濃重的宗教色彩，宗教題材在巴洛克藝術中佔有主導的地位。
羅可可：
羅可可是一種種偏好艷麗色彩與優雅裝飾的藝術風格，17世紀以後取代了巴羅克時代雄健奔放的趣味,表現出一種輕松活潑的特點。它由法國路易十五宮廷形成後流行開來，波及到德、奧和其他國家，最終形成了18世紀在歐洲占統治地位的藝術形式。

B. 西方藝術史是怎樣不斷發展的

在西方藝術史上，藝術的自律只是在藝術實踐擺脫對其他人類活動的依附關系的過程中才形成起來的。近代是這一過程的真正的開端。在西方歷史上，藝術起初是與巫術統一在一起的，它服從於原始宗教活動的需要。其間，偶爾也出現過藝術相對獨立的情況，如在古希臘時期創造的某些藝術品，已經開始表現出獨立的審美興趣。中世紀來臨之後，藝術主要地為基督教服務，出現了大量的以基督教為題材的建築、音樂、雕刻等。自近代起，資產階級登上了歷史舞台，逐步打破了教會的統治權。自由的理性開始執掌精神解釋權，藝術由此獲得了一次偉大的解放，開始主張自己的自律的地位，不再甘於充當宗教的附庸。但是，藝術自律性的根據究竟在哪裡？這個問題卻長期未曾得到解決。

C. 歐洲藝術發展史的開端到現在的歷程是什麼

西方藝術發展史
在西方漫長的古代史中，因為宗教占據了社會整體的核心地位，是這個整體的基本凝聚力，藝術不僅因為依靠宗教而得到了縱貫歷史的輝煌發展，而且藝術本身的存在（形式和內容）也是統一於宗教的——它是宗教活動的一種基本工具和方式。在西方藝術發展史的研究中，不深入理解西方宗教精神，不把這種精神作為藝術的內在動機，是不能真正把握自古希臘以至於前浪漫主義時代的西方藝術實質的。比如，人體藝術的發達，是西方藝術的一個基本傳統。這個傳統的確立，是以西方世界根深蒂固的宗教情懷為基礎的。傳統藝術家是把為人塑像作為為神造像的神聖事業來進行的。在此，我們看到藝術與宗教的內在統一性，也因此藝術是傳統西方社會所絕對必須的。

14—16世紀的文藝復興運動拉開了西方近代美術史的開端，它在很大程度上拉動了整個藝術史的步伐，影響之深，涉及之遠，范圍之廣在藝術發展的長河中都是高高捲起的浪花，閃耀奪目。任何事物的發生都不是獨立存在的個體，既不會突然出現，也不會瞬間消失。在整個文藝復興背後的推手是歐洲封建社會內部出現了資本主義經濟的萌芽，城市工商業的繁榮及其政治上的相對獨立或自治。經濟基礎決定上層建築，人們在滿足了物質需求後必然會追求更高層次——精神需求。文藝復興期間湧出了眾多著名的藝術家，代表人物有.達·芬奇、 米開朗琪羅、拉斐爾、安吉利特、尼德蘭等，他們的藝術手法深深地影響了後世的藝術愛好者們。
二十世紀雖然不及文藝復興來的精絕，可在整個藝術史中也是一個活躍的年代，短短百年間，涌現出眾多的藝術流派，從野獸派開始，經歷了表現主義、立體主義、未來主義、抽象主義、達達主義、風格派、形而上畫派、包豪斯、超現實主義、巴黎畫派、抽象表現主義、新現實主義、波普藝術、歐普藝術、地境藝術、觀念藝術、行為表演藝術、照相寫實、激浪派、極少主義、女性主義、塗鴉主義、裝置藝術、影像藝術、新媒介藝術、全球化時期、象徵主義、俄國前衛藝術、構成藝術、八人畫派、現代雕塑、後現代名詞解釋，直至世界現代設計。
從最初的野獸派到最後的世界現代設計，我們大可以將其看作是一個社會發展史，只不過形式上用了另一種語言。
事物發展到一定階段必定會有質的改變，野獸派的產生是對學院派的背叛，他們對感動力稀薄，表現不夠深入的印象派畫風持一種反抗的態度，繼續著後印象主義梵谷、高更、塞尚等人的探索，追求更為強烈的藝術表現。第一次世界大戰的爆發後，社會動盪不安，一群受著康德哲學、柏格森的直覺主義和弗洛伊德精神分析學的影響，強調反傳統，不滿於社會現狀，要求改革，要求「革命」的藝術家形成了表現主義，他們在藝術中強調表現主觀感情和自我感受，而導致對客觀形態的誇張、變形乃至怪誕處理的一種思潮，用以發泄內心的苦悶，認為主觀是唯一真實，否定現實世界的客觀性，反對藝術的目的性，它是20世紀初期繪畫領域中特別流行於北歐諸國的藝術潮流，是社會文化危機和精神混亂的反映，在社會動盪的時代表現尤為突出和強烈。
20世紀初工業文明、機器時代的到來，年輕的藝術家們普遍關注的是如何革新形式，來表現在迅猛變革的工業社會里人們的內在情緒和心理。立體主義的產生時期和表現主義差不多，不同的是表現主義宣洩的是藝術家們對戰爭、社會現實的不滿，而立體主義起源於塞尚的理論和創作實踐，藝術家們把塞尚的「要用圓柱體、圓球體、圓椎體來表現自然」這句話當著自己藝術追求的理想。立體主義更多是在折射工業文明、機器時代的社會現實。代表人物就是全民偶像的畢加索，他熱衷於前衛藝術創新，也不放棄對現實的表現。《亞維農的少女》這幅不可思議的巨幅油畫，不僅標志著畢加索個人藝術歷程中的重大轉折，而且也是西方現代藝術史上的一次革命性突破，它引發了立體主義運動的誕生。

有人反對戰爭就必定有人支持，未來主義者們就是一群支持戰爭的藝術家們，他們對現代戰爭大加頌揚，認為戰爭是藝術最終極的形式。一些未來主義者們曾是第一次世界大戰的倖存者，懷有深刻的民族主義思想，這些經歷使得他們未來主義者公然支持義大利的法西斯主義。正好迎合了帝國主義侵略擴張政策的需要，使義大利的未來主義成為官方的藝術，也成了我前面所說的所謂的「御用畫家」。而抽象主義則是屬於第三種，他們提倡「抽離」，在藝術創造中,除了情移的沖動以外,還有一種與之相反的沖動支配著,這便是「抽離的趨勢」。產生抽離的原因是因為人與環境之間存在著沖突,人們感受到空間的廣大與現象的紊亂,在心理上對空間懷有恐懼,並感到難以安身立命。人們的心靈既然不能在變化無常的外界現象中求得寧靜,祗有到藝術的形式里尋找慰藉。當然抽象主義的產生除了有逃避現實的因素外,還有受到工業、科學技術推動的原因。

達達主義在我看來是藝術史的一次小意外，卻也是一場驚天動地的變革。達達主義最初的含義是為了反對藝術，其中最著名的人物就是杜尚，他從不把藝術當回事，以滑稽幽默的方式給嚴肅的藝術開了一個巨大的玩笑而正是這種態度打破了一直以來藝術的遮羞布，藝術總被人們當做是一件多麼了不起的事物，而杜尚用自己的行動作品告訴我們，Art isnothing! 他顛覆了人們的慣性思考，隨手拿起的一個小便池放在了不同的環境就變成了一件藝術品！達達主義有其特殊的政治意識形態原因：第一次世界大戰期間，人們的日常生活和周邊環境遭到嚴重摧毀，導致精神上的崩潰，以往安閑平穩的繪畫面貌已經不再能夠打動人，達達主義用一種幻想和離奇的視覺形象來表達對世界的反映。

隨著社會的逐漸穩定，社會環境有了很大的提高，這一期間出現的畫派大都沒有太多革新，受著前面一些流派影響。值得一提的是包豪斯，1919年在德國成立的一所設計學院，世界上第一所完全為發展設計教育而建立的學院。雖然只經歷了短短的十四年，但在藝術史上卻有著重要的地位，包豪斯優越嚴謹的教學體系更是沿用至今。它本身就是一件藝術品，無論是外在還是內涵，都值得人們學習欣賞。一直被稱為20世紀最具影響力也最具有爭議的藝術院校，在當時它是烏托邦思想和精神的中心。它創建了現代設計的教育理念，取得了在藝術教育理論和實踐中無可辯駁的卓越成就。包豪斯的歷程就是現代設計誕生的歷程，也是在藝術和機械技術這兩個相去甚遠的門類見搭建橋梁的歷程。設計在藝術史上始終不能像繪畫那麼受人關注，而正是包豪斯，引發了人們對設計的重視，這也順應了工業高度發展的社會需求。

在此之後的藝術流派中不得不提的是抽象表現主義，在藝術內容上它沒有什麼巨大的創舉，但卻是第一個由美國興起的藝術運動。美國興起此藝術運動跟當時紐約想要取代巴黎成為世界藝術中心是有影響的。也是二戰之後西方藝術的第一個重要的運動，享有的地位無與倫比。它是戰後漫長風格實驗的開端，標志著一個新的時代的到來，自此之後的一段時期里，西方現代藝術的中心從巴黎轉移到了紐約。研究中國美術史也會發現，藝術中心往往代表著經濟中心，這也從側面的反映，隨著藝術中心的轉移，世界的經濟中心也發生了變化。

正像波普藝術，雖然起源於英國，真正發展至鼎盛卻是在美國，文化的傳承拋開不說，經濟在無形中猶如一張大手暗自操控著。美國波普藝術家聲稱他們所從事的大眾化藝術與美洲的原始藝術和印第安人的藝術類似，是美國文化傳統的延續和發展。波普藝術也是一個探討通俗文化與藝術之間關連的藝術運動。它試圖推翻抽象藝術並轉向符號，商標等具象的大眾文化主題。簡單來說，波普藝術是當今較底層藝術市場的前身。60年代，波普藝術的影響力量開始在英國和美國流傳，造就了許多當代的藝術家。後期的波普藝術幾乎都在探討美國的大眾文化。波普藝術特殊的地方在於它對於流行時尚有相當特別而且長久的影響力，不少服裝設計，平面設計師都直接或間接的從波普藝術中取得或剽竊靈感。 可以這樣說，在藝術精神上波普雖沒有深造，卻發展了藝術的其他道路。其中的代表人物是安迪.沃霍爾，他成了惡搞、前衛、瘋狂、流行、經典的代名詞。

伴隨著社會穩定，高科技的誕生也對藝術帶來了重大的影響，其中照相寫實就是一個最好的體現，而社會涌現的各種思潮也影響了藝術的發展。女性主義、激浪派、極少主義、地境藝術、塗鴉主義正是由各種社會思潮帶來的結果。

影響藝術的到來意味著人類已經邁入了科技時代，人類在科學技術領域里最偉大的進步，不是原子彈的爆炸和太空梭的上天，而是信息技術的發展；人類在藝術領域中最重在的突破，不是電影和電視技術的發明和發展，而是數碼影象技術的誕生。數字影象是真正的科學技術與文化藝術完美。接踵而來就是新媒介藝術，它將藝術變換了一種手段不再是單純的平面空間，而用動態改變了藝術一直以來的靜止。

藝術隨著歷史長河的流動也在不斷地向前發展，不管什麼時期的藝術，都是藝術家們用自己的方式傳遞著信息，可以是個人的，可以是社會的。藝術的發展也在經歷著大大小小的分裂合並，趨同創新。藝術史是人類歷史的另一種語言，它用美的形式撰寫了整個歷史的變遷，繪出了人類一個個前進的腳步！

D. 西方藝術歷史的介紹

西方的藝術可以說是由希臘人帶來並開拓的，中西方由於文化的差異，在藝術的表現上也是各具特色。從繪畫為例，東方是潑墨寫意，強調的是一種意境，而西方具有鮮明的現實感和視覺與知覺的朴實性，強調的是寫實。

E. 西方藝術歷史的影響

縱觀20世紀的中國美術發展史，就是一部批判、繼承本民族的傳統藝術文化和吸收、借鑒現代西方藝術思潮的歷史。在100多年的發展、變革中，中國的一些美術家在自身的美術創作活動中自覺不自覺地將西方美術作為自己藝術創造的一種對比和參照對象。尤其對一些堅持從傳統藝術本身來求新、求變的中國畫家，在保留中國畫獨特個性的同時，也自覺不自覺地採納、吸收和鑒賞現代西方藝術的有益成分，來豐富自己的藝術語言，具體地講，大致有三方面的內容。其一，在現代西方的非理性主義哲學影響下，徹底拋棄了古典藝術的理想主義色彩，從而轉向對人類內心世界的表現。其實質就是，徹底否定古典主義，運用古拙、深沉的表現技巧來表現庄嚴神聖的宗教理念，從現實生活出發，從不同的方面，以新的視角，真實科學地描繪客觀世界和藝術家身邊的現實生活，以及表達自己的感性認識和理性認識。其二，注重形式，把「形式提高到獨立地位」，作為藝術創作的基本語言。用新的技巧和形式展示了客觀世界和人們的主觀精神世界的豐富性，拓展了人們的審美領域。其三，積極吸收科學技術進步的優秀成果，大量吸收、運用人體解剖學、現代光學、化學、色彩學、構圖學、透視學以及社會學、心理學等知識，創造了既有獨特的藝術個性，又帶有時代精神風貌的藝術作品。上述三個方面不僅對西方現代藝術的發展起到了積極的促進作用，而且對近、現代中國畫的發展也產生了非常深遠的影響，使中國畫實現了從傳統形態向現代形態的轉變。
現代西方藝術思潮作為現代資本主義社會的一種文化現象，對當代中國美術產生的影響，一方面是西洋諸多畫種的引進，豐富了我國美術創作的載體。另一方面，西洋畫的引進也打破了中國畫長期以來的封閉、靜止、緩慢變化的格局。中國畫源遠流長，是中華民族悠久歷史文化積淀的一種傳統繪畫形式，體現著中華民族的審美要求，深受廣大人民的喜愛。但是，中國畫發展自清代中葉以後，確實暴露出了許多弊端。一是脫離生活，「標榜門戶、陳陳相因、固步自封」「近親繁殖」。①二是排斥科學，不重視發展。雖然在明代宮中供奉西洋傳教士畫家的風習一直沿襲到清朝，但它並沒有對傳統中國畫家產生根本性影響，傳統中國畫仍然沿襲、繼承古人「隨類賦彩」「墨分五色」，注重強調「物體的固有色」而發展著，直到今天，我們仍然沒有系統的中國畫色彩理論體系。三是形式的「程式化」，標志著中國畫的成熟，同時它也是後人無法跨躍的障礙。正是在這種情況下，西方現代藝術注重科學、注重生活、注重形式多樣化的創作思潮像一股清新的風吹過中國畫壇，使中國畫在觀念上、表現技法上發生了根本性的變化。縱觀100多年的歷史，中國畫吸收現代西方藝術的有益成分實現自身的轉變，大致經歷了三個階段。 第一階段，19世紀末至20世紀50年代（學習、普及西方繪畫知識的時期）。雖然早在明朝時期，歐洲商人與傳教士來華，在傳播天主教和科學技術的同時，也帶來了西方古典美術，打開了中國人的眼界，促進了中西美術的交流。但並未引起中國畫家對這種「舶來品」的廣泛注意。直到近代，許多有志之士，採取主動、積極的態度學習西方現代藝術。李叔同、高劍文、陳師曾、徐悲鴻等進步人士先後出國學習繪畫。回國後，他們一方面興辦教育，普及西方現代藝術，另一方面積極主張「折中東西方」對傳統繪畫進行改造、創新。高劍文主張「在傳統繪畫的基礎上吸收西洋繪畫技法，效法日本畫所走過的藝術道路，改革中國畫」。以徐悲鴻、蔣兆和等一代宗師為代表，首先扛起現實主義旗幟，積極吸收西方繪畫的素描、色彩知識以及人體結構知識，採用傳統的筆墨，探索西洋畫的塑型觀念與中國畫的筆墨語言相融合的方法，實現了貼近現實生活和面向人民大眾的觀念變化。山水畫家黃賓虹大師在繼承傳統技法的基礎上，吸收西方繪畫知識，實現了由古代文人畫的符號化、抽象化的高逸境界向大自然和人生回歸的歷史轉變。花鳥畫家潘天壽先生也認為：「對西洋畫，搞中國畫的不僅要精通本專業，還要學習外來的東西，這才是中國畫家的態度。」因此，在他的畫中仍然能感受到西畫的影響。
第二階段，中華人民共和國成立到1978年（鞏固、改造階段）。新中國的建立，使無數中華兒女壯志滿懷，懷著極大的熱情投身社會主義建設，藝術家們亦滿懷豪情，積極地用自己手中的筆描繪著一切。但隨著社會主義改造的基本完成，接下來的就是一個又一個的階級斗爭運動和史無前例的「文化大革命」。在這種特殊的文化背景下，中國畫仍以自己特有的方式繼續深化著對西方繪畫的吸收、借鑒。具體表現在：一、當時美術界在「二為」方針指引下，鮮明地舉起了社會主義的現實主義旗幟，大批畫家走向基層、走向農村、走向工廠，創作更加貼近生活，貼近人民大眾的美術作品。二、當時雖然徹底抵制著西方社會的腐蝕文化思想，但又由於前蘇聯的美術與西方繪畫在表現材料、手法上屬於同一個體系。所以，西方繪畫的素描學、色彩學、透視學等科學知識在我國仍得到了強化、鞏固。三、徹底「與傳統決裂」，要求中國畫家，面對現代人的精神面貌和服飾（即短衣、短衫）特點，對傳統「以線造型」進行改造，來表現、反映勞動人民的現實生活。創造出了一種「半工半簡」的語體形態。人物畫家葉淺予、黃胄、劉文西等一大批畫家，仍然在探索中西結合，弱化了傳統線條的獨立性。山水畫家李可染、傅抱石、白雪石等人的寫生山水，大量吸收西洋畫的寫實造型並且充分發揮水墨的特性，創造出了當代山水畫的主流。花鳥畫方面，由於受政治的約束和花鳥畫的自身限制，基本上沒有明顯的發展，像王雪濤、郭味蕖的「半工半簡樣式」與當時人物畫的表現手法是相一致的。
第三階段，1978年以來至今（變革、創新階段）。黨的十一屆三中全會以來，我國實行改革開放的政策，建立社會主義市場經濟體制，給整個社會帶來了根本性的變化。尤其是文化的裂變，使得審美文化從其泛政治化傾向中擺脫出來，出現了多元的發展勢頭。作為優秀傳統文化的中國畫，則在這場裂變中，再一次陷入選擇發展道路的困境之中：一方面它無法抵抗西方現代主義思潮的沖擊；另一方面又不能從傳統的精神中發展出新生命，因而在西潮與傳統之間徘徊瞻顧、痛苦萬分。一些青年畫家喊出了「中國畫窮途末路」的呼救聲。②這呼聲最終導致了一場前所未有的大爭論。即「中國畫走向何方？」在這場爭論中，有的主張堅持現實主義，注重寫實、塑造典型；有的主張繪畫不要與政治沾邊；有的主張打破所有舊模式，尋求無法之法；有的卻主張「返祖」，召喚原始藝術；有的主張「純繪畫性」，形式大於一切；有的主張直覺、感知，排斥理性，如此等等。③這種思潮和現象，真可謂「仁者見仁、智者見智」，但筆者認為這場爭論的根本原因是人們已經看到了現代西方藝術思潮的確有其先進的一面，卻苦於吸收、借鑒之觀念、意識模糊，而導致對中國畫的反思。隨著社會不斷發展和中國畫家們的不斷努力，一些國畫家們對西方藝術的吸收、借鑒意識逐漸清晰，行動更加堅定，加大了中國畫與西方藝術融合的力度和速度。同時提倡傳統與吸收西方繪畫的斗爭更為激烈，而且隨著社會的發展，將繼續斗爭、融合下去。中國畫正是在這種矛盾和斗爭中，不斷變革創新，不斷完善發展，愈加煥發出它特有的魅力。
21世紀的中國畫將如何發展，這是擺在我們面前必須思考的問題。對此，我們要用科學的態度和辯證思維的方法分析問題。馬克思主義認為，經濟基礎決定上層建築，上層建築要與經濟基礎相適應。為此，我們應清醒地認識到建立社會主義市場經濟新體制，就是以公有制為主，其他所有制形式為輔的體制，與此相適應的上層建築（指繪畫藝術領域）也將呈現出一主多輔的多樣化趨勢。所謂一主就是在內容方面強調時代精神和精神文明建設，在形式上提倡現實主義手法。所謂多輔指中國畫家們在繼承傳統藝術有益成分的基礎上，廣泛吸收現代西方繪畫的諸多流派的各種形式特點、表現手法來豐富自己的繪畫語言，更好地反映社會各個階層的審美要求。這「一主多輔」的格局也必將促使中國美術界在對待西方藝術的問題上，會有意無意進行吸收借鑒，從而實現中國畫從傳統形態向現代形態的徹底轉變。 綜上所述，現代西方藝術思潮對中國畫發展的影響，貫穿於整個現代史。中國畫吸收、借鑒西方藝術也是勢不可擋的趨勢。因此，我們在吸收和借鑒的問題上，應該「取其精華、去其糟粕」，避免盲目性。只有這樣，我們才能在中國畫的發展、創新方面取得重大突破，才能創造出既保留了中國畫的個性，又能代表現代社會人們的共同審美要求的現代中國畫。

F. 西方藝術設計的歷史大致可分為那幾個時期

關於西方藝術史，盡管不少老師多次強調它對於提高藝術鑒賞力和夯實美學基礎的重要性，遺憾的是大學課堂並未講授，我只能自己到文藝書廳翻閱那些精美的畫冊，感嘆於《泉》那樣優美的裸體繪畫，還有出土的斷臂維納斯、恢宏的羅馬斗獸場、巍峨的哥特式教堂，等等，都給我留下過深刻的印象。因此常常神往像葉芝那樣《駛向拜占廷》：「那不是老年人的國度。青年人/在互相擁抱……我就遠渡重洋而來到/拜占廷神聖的城堡……請盡快把我採集進永恆的藝術安排……在金樹枝上歌唱/一切過去、現在和未來的事情/給拜占廷的貴族和夫人聽。」

一、尋找西方藝術史

我一直沒有系統讀過西方藝術史，因為書架上的教材、讀本大多被翻得殘舊難看，還有一股難聞的塵味，我屏住呼吸翻了幾頁，見理論太多、插圖太少，就興趣索然，寧願繼續去翻看提香筆下的那些健碩裸女。作為一個剛滿18周歲的成年男子，知慕少艾，卻未諳女體，此時與其說是欣賞西方藝術，不如坦白招出自己好奇的性心理。
歐洲的天才人體畫家們常常將仙女繪成專食人間煙火的欲女，如提香的《烏爾比諾的維納斯》，讓美神成熟的裸體斜躺於榻上，兩眼含著渴望、期待、挑逗、茫然和無所謂的神情，既像思春的貴婦人，又像淫盪的妓女，彷彿在等待著情人或顧客的來臨。那時我聽說過一點古希臘藝術的知識，就以為表現性與肉慾是西方繪畫的主要特點，卻忽視了提香在維納斯後面畫的兩個人，其中一個雙膝下跪似在祈禱，代表了畫家的某種宗教情懷。對此畫的理解，要將誘人的肉體和背後的祈禱聯系起來才算完整。
若干年後，我找到了一個比較好的版本，海南出版社2000年版的《西方藝術史》，圖文並茂，幾乎每頁都有藝術作品的插圖，看起來清爽多了，唯一的缺陷是理論詮釋過於簡略，許多地方看起來似懂非懂。幸好我曾零星看過一些藝術賞析的書，所以勉強能接受。
此書由四名歐洲學者編撰，原名「The history of art」――藝術史。這種歐美中心論的治學方式鉤起了我心理的一點不快，畢竟書中只有歐美的藝術，相信譯者看了也有這種感覺，所以轉譯為《西方藝術史》。

二、文藝復興之前

西方藝術起源於何處？文藝復興期間有一幅名畫叫《維納斯的誕生》，剛從海洋泡沫中誕生的維納斯站立在一隻蚌殼上，兩位風神把她送到岸邊，時辰女神拿著花斗篷前來迎接，天空下著玫瑰花雨，海面微微泛起波瀾。這大概就是藝術誕生的隱喻。
神話傳說、祭祀、狩獵、性愛、生育、史前洞穴……沿著時間的腳印巡禮西方藝術，可以發現法國拉斯科洞窟的原始繪畫也充滿了抽象、象徵的意味，令人想起印象主義和現代的某些畫風。
盡管美索不達米亞和埃及等地中海沿岸地區都對西方藝術的形成產生過重要影響，但真正起決定性作用的無疑是偉大的古希臘文明。希臘人除了給我們留下動人的神話故事，還有雅典娜、宙斯、赫拉和巴底農等立柱式的神廟，因其對石材的廣泛應用而保存長久；至於人體藝術，他們更是鼻祖。在中國人在藝術創作中羞澀地隱藏起自己的胴體時，他們很早就提出人體的最佳比例：身高7至8倍於頭長；並奉獻出了《擲鐵餅者》等大量完美的裸體雕像。即使在希臘化時代，也有一隻極其帥氣的亞歷山大大帝頭像，實在想不到他就是那個曾經縱橫歐亞大陸的軍事統帥，和神話中的阿喀硫斯一樣戰無不勝，可惜英年早逝。希臘時代的人體藝術品，無論男女，在體型、氣質方面都達到了無可企及的美境。
羅馬帝國的藝術承自希臘，但《披甲的奧古斯都皇帝》繁瑣的衣甲抑制了人的生命力，自以為是的領袖架勢已顯造作，美感遠遠遜色於希臘裸男。中世紀無論是拜占廷、羅曼還是哥特藝術，除了建築風格尚可欣賞之外，那些神祗和人物畫看起來很氣悶，這是歐洲的陽萎期，而同期的唐朝詩人李白「仰天大笑出門去，我輩豈是蓬蒿人！」唱響了盛唐藝術的最強音。

三、文藝復興之後

直到文藝復興，人文主義思潮的傳播才使西方藝術重新勃起。達芬奇、提香、波提切利、米開朗基羅等天才重拾希臘精神，將西方藝術提升到了新的層次。《蒙娜麗莎》不必多說。米開朗基羅的雕塑《大衛》也是世界藝術史罕有的傑作：大衛這個《聖經》里的英雄充滿自信地站立著，向人們展示了他的健美身材，左手拿石塊，右手下垂，頭向左側轉動，面容英俊，雙目有神，英姿颯爽，身體中積蓄的強大力量似乎隨時要爆發，代表了偉大的人文主義精神。此雕像的復製品至今仍屹立在義大利佛羅倫薩的市政廣場，原件則在博物館嚴加保存。可惜書中僅選了多納太羅的《大衛》雕像，雖然也不俗，但比米氏差了一個檔次。
文藝復興向前演變，就產生了「巴洛克」、「羅可可」等術語。前者原指形狀不規則的東方珍珠，後詞義變寬，表示思想和表達方式的獨特、個別、任意性，在藝術創作中表現為對感官、喜慶、浮華和激情的突出。後者原指對岩洞、貝殼和鍾乳石的模仿，後被引入室內裝飾，日益走向日常生活，變得越來越世俗化。這個時期的西方藝術給我印象深刻的是羅馬聖彼得大教堂廣場等宗教建築和巴黎貴族的沙龍以及裝飾豪華的宮殿，還有倫勃朗的自畫像。
倫勃朗有畫自己的嗜好，共畫了近百幅，我看到的是他青年、中年、老年三個時期的三張自畫像。青年時期他身穿華麗服裝、意得志滿、嘴唇充滿肉感，看起來玉樹臨風，可以想像他應是一位風流才子。中年時期他眉宇顯出疲倦，衣著樸素，已經發福，人到中年百事憂，看來他也難免俗。老年時期他穿著尊貴的服飾，胸前還掛著類似懷表的飾物，清澈的眼睛透出哲學般的深思，嘴角的撇起和隱隱的微笑表示自己已經世事洞明，看清楚了就無所謂。人生的三個階段，在此得到了充分概括。

四、19世紀的西方藝術

19世紀最先出現的是新古典主義，《馬拉之死》、《荷拉斯兄弟的宣誓》等作品告訴我們藝術辭典中離不開責任、宏偉和庄嚴等詞。油畫《馬拉之死》表現了馬拉這個法國大革命的重要領導人剛剛被刺的慘狀：被刺的傷口和染紅了浴巾的鮮血，握著鵝毛筆的手垂落在浴缸之外，另一隻手緊緊地握著兇手遞給他的紙條。作者以觸目驚心的畫面來表現了古典主義的獻身精神。《荷拉斯兄弟的宣誓》以羅馬歷史上的英雄荷拉斯三兄弟向老父親作出征前的宣誓，表現對國家的忠誠和榮譽感，而旁邊婦女們的哭泣哀嘆強化了他們剛毅神武的英雄形象。
對於浪漫主義，我們首先要記住雨果的名字，他從理論上闡述了浪漫主義，並在文學和繪畫等方面作了重要探索。他的小說《巴黎聖母院》和《悲慘世界》聞名於世；畫作《渦石燈塔》以擬人化的手法將燈塔塑造成了為浪漫主義狂飆大聲疾呼的旗手。還有載入過中學歷史課本的《自由指引人民》（作者：德拉克羅瓦），畫中自由女神敞胸露乳、高舉旗幟帶領革命者向光明前進，非常激動人心。德拉克羅瓦的另一幅畫作《薩達納巴爾之死》表現了國王在圍城內准備與所有財寶、駿馬和女人一起自焚殉國時的情景，火紅的宮床、綢緞、韁繩、轡飾、長幔，國王的眼光從上方傾斜而下，右下角的婦女慘遭割喉，整個畫面驚心動魄，具有巨大的藝術爆發力。這幅畫就像德拉克羅瓦在日記寫的那樣：「色彩就是眼睛的音樂，它們象音符一樣組合著……無法達到的感覺」。
此後的現實主義更加關注社會現實和平民的普通生活，如米萊的《捆乾草者》、萊勃爾的《教堂里的三個女人》等。庫爾貝的《畫室》應是代表作。他這樣描述自己的畫作：「這幅畫分為兩個部分，我處在中央，正在作畫；右邊是所有股東，也就是說朋友、藝術界的工作者和愛好者。左邊是另一個平凡生活的世界，普通百姓、悲慘的人、窮人、富人、受剝削者、剝削者以及靠死人生活的人……一名女裸體模特兒站在我椅子後邊。」 這幅畫極具象徵性，畫中的畫家彷彿就是聖父，用他的畫架分開了善惡，進行著最後的審判。
最令我震撼的是其後出現的印象主義。攝影技術揭示了表象的多樣性和直接捕捉真實感覺的重要性。印象主義更強調畫家的主觀感覺和捕捉瞬間的的能力，他們確信風景是依時刻、季節、氣候不同而變化的，這種短暫、瞬間的誘惑把他們引向逐漸消逝和無窮無盡的藝術幻想。一般認為這一畫派的奠基人是馬奈，他的《草地上的午餐》把全裸的女子和衣冠楚楚的紳士畫在一起，愉快地聊天、聚餐，以誇張的手法表達了對率真、自由的世俗生活方式的嚮往，其鮮艷明亮、對比強烈的畫法是對傳統的突破。
「印象派」一語由莫奈的《印象，日出》所引發，他描繪了法國勒阿弗爾港口一個多霧早晨的景象：一輪紅日投射在海上，海水被染成淡紫色，天空微紅，水波淼淼，搖曳的小船朦朧模糊，人影依稀可辨，遠處的工廠煙囪、大船上的吊車等若隱若現。這來臨自他從一個窗口凝望產生的瞬間印象，筆觸大膽新奇，開創了一代畫風。
梵高的故事相信大家都不陌生，斯通的《梵高自傳》已有具體描述。他不是正宗的印象派，但卻是真正的天才，就是普通的向日葵也被他畫出了生命的真諦。欣賞那幅不朽的畫作《向日葵》，可體會到畫家像熊熊火焰一樣熾熱的激情和旋轉不停的運動感，還有單純強烈、粗厚有力的色彩對比，那種激動人心的畫面效果充分體現了他心靈的震顫和激情。這時的向日葵不再是靜靜的植物，而是帶有原始沖動和熱情噴發的生命體。他畫的草鞋、工人等也閃爍著天才的光芒，流露著悲天憫人的情懷。
與印象派相關的大師還有高更、塞尚等。

五、現代藝術的困境和嬗變

20世紀是工業化集大成的時代，鋼筋水泥成為廣泛應用的建築材料，建築在強調美觀的同時，更具實用性和世俗性。歐式高樓大廈隨全球化走遍世界，五大洲處處皆是，這在城市化的中國尤為泛濫，造成諸城的千篇一律。而我喜歡的經典之作如悉尼歌劇院和貝聿銘為盧浮宮入口處設計的金字塔等在國內非常罕見。
在都市森林中，在兩次世界大戰造成的人道主義危機中，在意識形態的幻變中，藝術亟需變革。受到象徵主義、批判現實主義、印象主義、自然主義和唯美主義等各種思潮影響的畢加索開辟了立體主義的新天地。過去的畫家都是從一個角度去看待人或事物，所畫的只是立體的一面。受X光透視等現代科技啟發，立體主義以全新的方式展現事物，他們從正面不可能看到的多個角度去觀察，把幾個側面都用並列或重疊的方式表現出來。畢加索在《阿維尼翁的姑娘們》中，把五個裸女的色調以藍色背景來映襯，背景也作了任意分割，沒有遠近的感覺，人物是由幾何形體組合而成的，右邊兩個女子的面孔酷似非洲的硬木人面具，右下角的女子雙腿分開令人聯想起性和生育，畫面下方還有幾只水果，充滿象徵和暗喻，至今仍是個未被說明的秘密。這反映了20世紀現代藝術的特點：作者只提供一個空間和可能性，讓讀者參與創作，主題在作者和讀者的互動中產生（甚至，根本就是無主題）。
康丁斯基更將現代藝術引向了大抽象，使人們對事物外表的的審視轉變為「內部參與」。他的作品《帶黑色的弓形，154號》中，特定的主題和視覺的判斷都消逝了，只借色彩和形狀的搭配營造出一種猛烈沖突的動勢和緊張，令人想起世界大戰或罷工。《白線，232號》以一種鬆散和氣氛性的手法來處理的，色塊被一種強烈的直線條圖案和規則的曲邊所強調，也許想表現宇宙空間和星系的相互作用。
隨後的藝術家們越走越遠，那些奇思妙想的幾何造型和極度抽象的色彩組合令人越來越費解，藝術家企圖突破傳統，卻越來越陷入迷宮，超現實主義、行為藝術……五花八門的術語掩飾不了審美的混亂，至少我對這階段的藝術並不喜歡。當然也有些藝術家在回歸傳統，關注現實，以簡潔的象徵來表達主題，但成就與前兩個世紀尚有差距。
至於互聯網時代的藝術，讀圖開始優先於讀文，聲光特技和電腦製作的發展使創作變得更含混，一切尚在嬗變中，我混亂的腦袋尚未清晰，無定的尋覓中只能欣賞當下和回眸以往。

G. 西方藝術發展至今共分為哪幾個階段呢

經過漫長的中世紀，在人文主義思想和科學方法的雙重影響下，出現了人類美術史上的重要時期——文藝復興，這一時期復興了古希臘的藝術模仿自然的學說。為了達到真實反映現實的目的，藝術與科學結合起來，透視學和解剖學成為該時期藝術的兩大支柱。義大利佛羅倫薩的喬托成為文藝復興的第一位畫家，他的《哀悼基督》讓我們在西方藝術史中第一次在畫面上發現了某種令人產生身臨其境之感的幻覺真實，喬托標志著西方藝術之「繪畫時代」的開始。這一時期，不少傑出的藝術家為了「真實」地反映自然，做了許多科學性的研究。弗朗切斯卡以謹嚴的數學頭腦和科學態度寫了《論繪畫中的透視》，達·芬奇更認為繪畫是一門科學，而「一切真科學都是通過我們感官的經驗的結果」。他的《繪畫論》系統地討論了繪畫的性質、和現實的關系等美學理論問題，還闡述透視學、光影學、人體比例以及自然現象等知識。文藝復興時期——主要是義大利畫家——完善了真實的概念，發展了再現這種真實的藝術手法。
17世紀和18世紀西方美術史相繼出現了巴洛克、羅可可風格
隨後的19世紀近代繪畫相繼出現了新古典主義、浪漫主義、現實主義、印象主義、後印象主義
19世紀末以塞尚、凡·高、高更為代表的後印象主義。
20世紀的繪畫開啟了大門出現了義大利未來主義法國的俄爾甫斯主義、純粹主義、英同的漩渦主義等凡·高影響了後來的野獸派。隨後相繼出現了德國橋社，青騎士等表現主義團體，產生了抽象美術。
你的問題也就我不嫌麻煩，追加點分好么？

H. 中西方藝術發展史

建議你還是就說一段時期的中西方藝術史吧。。

西方藝術發展史
在西方漫長的古代史中，因為宗教占據了社會整體的核心地位，是這個整體的基本凝聚力，藝術不僅因為依靠宗教而得到了縱貫歷史的輝煌發展，而且藝術本身的存在（形式和內容）也是統一於宗教的——它是宗教活動的一種基本工具和方式。在西方藝術發展史的研究中，不深入理解西方宗教精神，不把這種精神作為藝術的內在動機，是不能真正把握自古希臘以至於前浪漫主義時代的西方藝術實質的。比如，人體藝術的發達，是西方藝術的一個基本傳統。這個傳統的確立，是以西方世界根深蒂固的宗教情懷為基礎的。傳統藝術家是把為人塑像作為為神造像的神聖事業來進行的。在此，我們看到藝術與宗教的內在統一性，也因此藝術是傳統西方社會所絕對必須的。

東方藝術發展史
中國歷史的情況不同。傳統中國社會是以宗法體制為核心的，這決定了倫理與政治的緊密結合，而藝術則在這一結合之下，成為傳授宗法精神、實現宗法統治的基本工具和方式。在傳統中國文化的主導體系（儒家學說）中，藝術被賦予兩個層次的規定：藝與樂教。藝，即技藝，把藝術視為技術或技巧活動；樂教，泛言之，即今天所謂藝術教育。藝術作為單純的技巧性活動，是儒家所看輕的；藝術作為「樂教」，即藝術教育，才是儒家所看重於藝術的。儒家認為，樂教的基本作用，是深人個體心靈而培養社會成員內在的社會認同意識——共同感。這一作用是其他社會方式如禮、法所不能具有的。在這個意義上，藝術是社會維系所必須的。

無論在西方還是在中國，美學的產生都是因為社會的現代化變革，導致了傳統文化精神的瓦解，現代文化把審美一藝術中心化、自律化，並以此為基礎重建人類文化精神。人類社會的現代化運動是一一個只有雙重意義的世俗化運動。一方面，它通過理性啟蒙，把人類從傳統的神話一宗教統治下解放出來，使人類獲得精神自由；另一方面，它的工具一合理化原則把人的存在束縛於技術的無限發展和經濟效益的追求，消解、甚至剝奪人類自我存在的內在價值、目的意義。現代化的雙重性使人類的現代生存面臨著理性與自由、個性與整體、技術與生命、精神、物質等多重互相悖反的矛盾。面對著這些矛盾，美學始終站在人類自我存在的立場上，從人的內在精神發展和完善的需要出發，開拓和表達現代人文精神。美學不僅提供了研究和闡釋人類審美一藝術活動的新角度、新方法，而且是現代人文精神發展的一個基本形式、實際上承擔了傳統宗教和倫理學的工作。這是美學對於人類現代生活的特殊意義所在。

I. 求概括西方藝術的發展史

14—16世紀的文藝復興運動拉開了西方近代美術史的開端。任何事物的發生都不是獨立存在的個體，既不會突然出現，也不會瞬間消失。在整個文藝復興背後的推手是歐洲封建社會內部出現了資本主義經濟的萌芽，城市工商業的繁榮及其政治上的相對獨立或自治。經濟基礎決定上層建築，人們在滿足了物質需求後必然會追求更高層次——精神需求。文藝復興期間湧出了眾多著名的藝術家，代表人物有.達·芬奇、 米開朗琪羅、拉斐爾、安吉利特、尼德蘭等，他們的藝術手法深深地影響了後世的藝術愛好者們。 
二十世紀雖然不及文藝復興來的精絕，可在整個藝術史中也是一個活躍的年代，短短百年間，涌現出眾多的藝術流派，從野獸派開始，經歷了表現主義、立體主義、未來主義、抽象主義、達達主義、風格派、形而上畫派、包豪斯、超現實主義、巴黎畫派、抽象表現主義、新現實主義、波普藝術、歐普藝術、地境藝術、觀念藝術、行為表演藝術、照相寫實、激浪派、極少主義、女性主義、塗鴉主義、裝置藝術、影像藝術、新媒介藝術、全球化時期、象徵主義、俄國前衛藝術、構成藝術、八人畫派、現代雕塑、後現代名詞解釋，直至世界現代設計。 
20世紀初工業文明、機器時代的到來，年輕的藝術家們 普遍關注的是如何革新形式，來表現在迅猛變革的工業社會里人們的內在情緒和心理。立體主義的產生時期和表現主義差不多，不同的是表現主義宣洩的是藝術家們對戰爭、社會現實的不滿，而立體主義起源於塞尚的理論和創作實踐，藝術家們把塞尚的「要用圓柱體、圓球體、圓椎體來表現自然」這句話當著自己藝術追求的理想。立體主義更多是在折射工業文明、機器時代的社會現實。代表人物就是全民偶像的畢加索，他熱衷於前衛藝術創新，也不放棄對現實的表現。《亞維農的少女》這幅不可思議的巨幅油畫，不僅標志著畢加索個人藝術歷程中的重大轉折，而且也是西方現代藝術史上的一次革命性突破，它引發了立體主義運動的誕生。 
隨著社會的逐漸穩定，社會環境有了很大的提高，這一期間出現的畫派大都沒有太多革新，受著前面一些流派影響。值得一提的是包豪斯，1919年在德國成立的一所設計學院，世界上第一所完全為發展設計教育而建立的學院。雖然只經歷了短短的十四年，但在藝術史上卻有著重要的地位，包豪斯優越嚴謹的教學體系更是沿用至今。它本身就是一件藝術品，無論是外在還是內涵，都值得人們學習欣賞。一直被稱為20世紀最具影響力也最具有爭議的藝術院校，在當時它是烏托邦思想和精神的中心。它創建了現代設計的教育理念，取得了在藝術教育理論和實踐中無可辯駁的卓越成就。包豪斯的歷程就是現代設計誕生的歷程，也是在藝術和機械技術這兩個相去甚遠的門類見搭建橋梁的歷程。設計在藝術史上始終不能像繪畫那麼受人關注，而正是包豪斯，引發了人們對設計的重視，這也順應了工業高度發展的社會需求。 

在此之後的藝術流派中不得不提的是抽象表現主義，在藝術內容上它沒有什麼巨大的創舉，但卻是第一個由美國興起的藝術運動。美國興起此藝術運動跟當時紐約想要取代巴黎成為世界藝術中心是有影響的。也是二戰之後西方藝術的第一個重要的運動，享有的地位無與倫比。它是戰後漫長風格實驗的開端，標志著一個新的時代的到來，自此之後的一段時期里，西方現代藝術的中心從巴黎轉移到了紐約。研究中國美術史也會發現，藝術中心往往代表著經濟中心，這也從側面的反映，隨著藝術中心的轉移，世界的經濟中心也發生了變化。 

正像波普藝術，雖然起源於英國，真正發展至鼎盛卻是在美國，文化的傳承拋開不說，經濟在無形中猶如一張大手暗自操控著。美國波普藝術家聲稱他們所從事的大眾化藝術與美洲的原始藝術和印第安人的藝術類似，是美國文化傳統的延續和發展。波普藝術也是一個探討通俗文化與藝術之間關連的藝術運動。它試圖推翻抽象藝術並轉向符號，商標等具象的大眾文化主題。簡單來說，波普藝術是當今較底層藝術市場的前身。60年代，波普藝術的影響力量開始在英國和美國流傳，造就了許多當代的藝術家。後期的波普藝術幾乎都在探討美國的大眾文化。波普藝術特殊的地方在於它對於流行時尚有相當特別而且長久的影響力，不少服裝設計，平面設計師都直接或間接的從波普藝術中取得或剽竊靈感。 可以這樣說，在藝術精神上波普雖沒有深造，卻發展了藝術的其他道路。其中的代表人物是安迪.沃霍爾，他成了惡搞、前衛、瘋狂、流行、經典的代名詞。 

17世紀:巴羅克藝術
巴洛克藝術產生於16世紀下半期，它的盛期是17世紀，進入18世紀，除北歐和中歐地區外，它逐漸衰落。 
巴洛克建築是17～18世紀在義大利文藝復興建築基礎上發展起來的一種建築和裝飾風格。其特點是外形自由，追求動態，喜好富麗的裝飾和雕刻、強烈的色彩，常用穿插的曲面和橢圓形空間。 
手法主義是16世紀晚期歐洲的一種藝術風格。其主要特點是追求怪異和不尋常的效果，如以變形和不協調的方式表現空間，以誇張的細長比例表現人物等。建築史中

J. 西方美術發展史

15世紀之間的西方美術,包括拜占庭美術、
愛爾蘭－撒克遜和維金美術、奧托美術、加洛林美術、
羅馬式美術和哥特式美術。早期基督教美術有時也被歸
入中世紀美術。這些豐富多彩的美術構成了歐洲美術發
展過程中的重要環節。
中世紀美術是西方文化的特殊表現形式之一。它改
變了希臘美術、羅馬美術的傳統，並在發展中逐漸形成
自己的形式和內容體系，成為特定時期人們生活、觀念、
思想、感情的特殊形式的表現。總的說來，中世紀美術
屬於基督教美術。作為宗教信仰和神學的表達形式，這
種藝術不注重客觀世界的真實描寫，而強調所謂精神世
界的表現。為此,它往往以誇張、變形,改變真實空間序
列等多種手法來達到強烈表現的目的。在這一總的特徵
下，中世紀美術各種風格之間又存在著很大的差異。拜
占庭美術以其東方式的裝飾性和抽象性與歐洲藝術分立
而自成體系，並在約1000年的發展中始終保持著自己的
獨立性。愛爾蘭－撒克遜和維金美術、奧托美術、加洛
林美術、羅馬式美術和哥特式美術則以不同的形式出現
在歐洲美術發展的不同時期，相繼以各自獨特的風格在
美術史上佔有其一席地位。
建築的高度發展是中世紀美術的最偉大成就。在中
世紀，各種形式的大型宗教建築在各地大量修建。作為
歷史紀念碑的許多拜占庭教堂、羅馬式教堂、哥特式教
堂都在藝術上和工程設計上取得了很高的成就。隨著大
教堂的建設，雕刻、鑲嵌畫、壁畫也在不同時期獲得了
不同形式的繁榮；中世紀藝術家的大量優秀雕刻和繪畫
包括鑲嵌畫作品在大教堂內外創作出來。插圖畫和各種
小型藝術也是中世紀美術的重要組成部分，它們在中世
紀曾獲得相當的繁榮。
由於文藝復興時代及其後的寫實主義藝術觀的影響，
中世紀美術曾在很長時期內沒有得到人們的充分認識，
甚至稱為「黑暗時期」而加以否定。從19世紀開始，西
方史學家們才開始重新認識和評價中世紀美術。在20世
紀，中世紀美術成為美術史研究的重點之一。許多現代
美術史學者分別從不同的角度，運用不同的方法，對各
種中世紀美術風格進行深入的觀察和解釋。他們的研究
越來越充分地揭示出中世紀美術所獨具的美學特徵及其
在西方美術發展史中的地位和意義。