芭蕾舞歷史文化

① 芭蕾舞的發展歷史是怎樣的

「芭蕾」起源於義大利，興盛於法國，「芭蕾」一詞本是法語"ballet"的音譯。
芭蕾版舞，意為「跳」或「跳舞」權。ballet一詞，源於古拉丁語ballo。
最初，這個詞只表示跳舞，或當眾表演舞蹈，並不具有劇場演出的含義。芭蕾的歷史，最早的肇端可追溯自歐洲文藝復興鼎盛時代的意年大宮廷，及法國南部的貝根弟處所的宮廷里。每當成婚喜慶，接見外國元首，或其他年夜慶典，即表演這種舞蹈以示祝或助興。芭蕾成長史上第一部斗勁完整的芭蕾舞劇——《皇後喜劇芭蕾》上演於1581年，當洛蕾娜(Lorraine)的瑪格麗特蜜斯和凡爾賽(Versaills)的姚幼斯公爵成婚瞬息，這場芭蕾舞的音樂曲譜迄今仍保留，可算是最古老的芭蕾音樂。
有網路里有，可以網路芭蕾舞進入網路查看！希望能幫到您！

② 芭蕾舞的由來和發展歷史

法語來ballet的音譯,意指:①一種舞源台舞蹈形式,即歐洲古典舞蹈,通稱芭蕾舞。這是在歐洲各地民間舞蹈的基礎上,經過幾個世紀不斷加工、豐富、發展而形成的,具有嚴格規范和結構形式的歐洲傳統舞蹈藝術。19世紀以後,技術上的一個重要特徵是女演員要穿特製的腳尖舞鞋用腳趾尖端跳舞,所以也有人稱之為腳尖舞。②舞劇,最初專指以歐洲古典舞蹈為主要表現手段,綜合音樂、啞劇、舞台美術、文學於一體,用以表現一個故事或一段情節的戲劇藝術,稱古典芭蕾(或古典舞劇)。20世紀出現了現代舞以後,以現代舞結合古典舞蹈技術為主要表現手段來表現故事內容或情節的稱現代芭蕾。逐漸地,芭蕾一詞也用來泛指用其他各種舞蹈為主要表現手段的舞劇作品,盡管在舞蹈風格、結構特徵、表現手法等方面均不同於古典芭蕾或現代芭蕾。③在現代編導創作的舞蹈作品中,有相當一部分沒有故事內容,也沒有情節,編導運用歐洲古典舞蹈或現代舞蹈,或使兩者相結合,用以表現某種情緒、意境,或表現作者對某個音樂作品的理解等等,這些也稱為芭蕾

③ 芭蕾舞的歷史文化和起源

芭蕾至路易十四皇朝（1643—1715）時代而臻極盛，路易十四本人是一位卓絕的舞蹈家，且喜愛芭蕾表演。1661年，路易十四創立了歷史上第一所舞蹈學校——法國皇家舞蹈學院，專門教授舞藝。這所學校現在屬於巴黎歌劇院。而沿用至今的手腳的五個位置和一些優美的芭蕾舞姿則是1700年在這里得到固定的。在皇家舞藝大師博尚(Beauchamp)和音樂家貝弗(Cambefort)及呂利(Lully)的大力提倡下，法國芭蕾舞在文化和音樂上的重要性大增。於是芭蕾變成了許多新的宮廷舞的來源;諸如:加沃特舞曲(Gavotte)、巴斯皮耶舞曲(Passepied)、布雷舞曲(Boree)、里戈東舞曲（Rigaudon）等。在這些舞曲之中，最重要的要算小步舞曲（Minuet），呂利於年，開始參加法國宮廷的芭蕾活動，而達到高潮。他當時正與莫利哀（Moliere）合力製作戲劇和芭蕾混成的所謂芭蕾喜劇（Comedie Ballet）。1760年發表的《小紳士》(Le Bourgeois Gentilhomme)，可算是這類舞劇最著名的代表作。呂利又把芭蕾應用於他所作的歌劇中，他的兩位後繼者康普拉(Campra)和拉莫(Rameau)也如法炮製。尤其是拉莫的作品，因夾雜有墨西哥、健康和中國等的外國情調而更富風趣。這當然和他的個性與背景有關。英國方面又創造一種特殊的芭蕾，名之曰「假面舞」（Masque）。到了17世紀後半期，維也納已成為芭蕾演出的中心。然而當時歐洲芭蕾舞正處在「傳統」與「革新」的爭論，「嚴格」與「抒情」間的爭論，「純粹舞藝」與「標題舞藝」的爭論，以及「芭蕾」與「近代舞」間的爭論中。這些觀念在20世紀的今天，多多少少還有它的餘波，時而爭論不休。

④ 芭蕾舞的起源

芭蕾」起源於義大利，興盛於法國，「芭蕾」一詞本是法語「ballet」的音譯，意為「跳」或「跳舞」。芭蕾最初是歐洲的一種群眾自娛或廣場表演的舞蹈，在發展進程中形成了嚴格的規范和結構形式、其主要特徵是女演員要穿上特製的足尖鞋立起腳尖起舞。作為一門綜合性的舞台藝術，芭蕾17世紀在法國宮廷形成。1661年，法國國王路易十四下令在巴黎創辦了世界第一所皇家舞蹈學校，確立了芭蕾的五個基本腳位和七個手位，使芭蕾有了一套完整的動作和體系。這五個基本腳位一直沿用至今。
芭蕾舞是用音樂﹑舞蹈和啞劇手法來表演戲劇情節。女演員舞蹈時常用腳趾尖點地。意指：①一種舞台舞蹈形式,即歐洲古典舞蹈,通稱芭蕾舞。這是在歐洲各地民間舞蹈的基礎上,經過幾個世紀不斷加工、豐富、發展而形成的,具有嚴格規范和結構形式的歐洲傳統舞蹈藝術。19世紀以後,技術上的一個重要特徵是女演員要穿特製的腳尖舞鞋用腳趾尖端跳舞,所以也有人稱之為腳尖舞。②舞劇,最初專指以歐洲古典舞蹈為主要表現手段,綜合音樂、啞劇、舞台美術、文學於一體,用以表現一個故事或一段情節的戲劇藝術,稱古典芭蕾(或古典舞劇)。20世紀出現了現代舞以後,以現代舞結合古典舞蹈技術為主要表現手段來表現故事內容或情節的稱現代芭蕾。逐漸地,芭蕾一詞也用來泛指用其他各種舞蹈為主要表現手段的舞劇作品,盡管在舞蹈風格、結構特徵、表現手法等方面均不同於古典芭蕾或現代芭蕾。③在現代編導創作的舞蹈作品中,有相當一部分沒有故事內容,也沒有情節,編導運用歐洲古典舞蹈或現代舞蹈,或使兩者相結合,用以表現某種情緒、意境,或表現作者對某個音樂作品的理解等等,這些也稱為芭蕾。

⑤ 芭蕾舞的歷史文化可從哪些方面分析

與其他的舞種相比而言，芭蕾舞的重要性和獨特魅力是任何舞種都無法比擬的。芭蕾舞的肢體動作十分獨特，足尖和舞裙的應用使得芭蕾舞的肢體展現光彩四射。芭蕾舞利用四肢尤其是足尖和跳躍，以誇張而具有極大伸展性的肢體語言來表現獨特的視覺效果，給觀眾帶來視覺上盛宴般的享受。
1、芭蕾舞的發展過程
芭蕾舞最開始興起於文藝復興時期，產生於繁榮發達的義大利。文藝復興是一場關於文藝的思想和文化方面的運動，引起歐洲各國社會的波動。文藝復興重新復起古代的文化，凸顯人的自由發展。芭蕾的藝術結合古代希臘、義大利和法國等歐洲各個國家的獨特舞蹈的藝術形態。古代希臘是文化的集聚地，人體的形態美備受推崇，舞蹈種類眾多。義大利的職業方面的喜劇舞蹈，背景主要是民間文化。義大利總是在宴會活動中表演芭蕾舞，傳到法國之後，由國王帶領全國人民跳芭蕾舞，從而掀起了高潮。後來路易十四把芭蕾藝術推向了一個新的高度，他非常熱愛舞蹈，成為生活中重要的一部分。他也了解到舞蹈對教育發揮著重要影響。通過自己的身體力行和宣傳引導，使得芭蕾舞的發展更加快速而繁榮。浪漫主義改變了芭蕾舞的性質和方式，使得民間故事和神仙妖怪的內容成為芭蕾舞的演繹背景。
2 、芭蕾舞的具體肢體展現
2.1足尖在芭蕾舞中的展現
在芭蕾舞中，足尖是非常重要的肢體部分，它是舞蹈表現張力的核心因素。芭蕾舞講究足部的力量，先由足的根部出發，提起並離開地面，然後將中間的腳掌抬高，進而抬高半個足尖，直到整隻腳直立而上，完全只靠足尖來支撐。這種足尖的肢體動作，將整個人物抬高在半空中，懸浮而空靈的舞蹈，自然而然描繪出高雅飄逸神秘的仙女形象，生動而形象。把重心放在腳上，把身體抬高，最後靠足尖來支撐整個身體，這種引體向上的肢體形態主要受浪漫主義的影響，有助於產生清逸脫俗、飄然若仙和優美輕松的視覺感受。
2.2軀干在芭蕾舞中的展現
軀干是芭蕾舞中的主要肢體表現之一，身體向上引伸的形態美感是芭蕾舞的獨特特色，是其他種類的舞蹈無法模仿和超越的。如果沒有跳起或躍起，沒有足尖運用，芭蕾舞仍然還是芭蕾舞，但是失去了向上升起的形態，立於一切萬物之巔的感覺，那麼芭蕾舞就失去了應用的特色。向上的芭蕾形態美，塑造了高雅、美麗和輕飄的芭蕾形象。這種肢體表現是其他種類的舞蹈都沒有的，是芭蕾舞才能完美展現和詮釋的形態，正是其獨特魅力所在。軀干向上的肢體展現，富有美學價值，完美的視覺享受，也對其他種類的舞蹈產生了有利的作用。
3芭蕾舞肢體的獨特性展現要求
芭蕾舞是一門獨特的藝術，具有完美的視覺效果。芭蕾舞根據肢體的延伸或擴展、綳緊或擴張總結出八個獨特性肢體展現技巧，主要分為基礎美學要求和高級美學標准。
3.1肢體的外開性體現
肢體的雙肩、胸部、雙膝蓋和腳踝等都向外張開，全身上下一致打開。左邊和右邊需要平衡，尤其是兩只腳需要呈一條直線。芭蕾舞的外開性最大程度上伸展了肢體形態，擴大了舞蹈的肢體展現空間，使得動作更加具有靈性和活力，彰顯舞蹈中蘊含的高貴典雅氣質。外開性體現了芭蕾舞的歷史文化特徵，展示了優美的視覺美感。
3.2肢體的延伸性體現
芭蕾舞者通過足部的綳直，來體現芭蕾舞的延伸性。芭蕾舞在跳躍時，緊綳肢體的下部，隨著足的根部、掌心和尖部的逐漸提高，足尖的站立，腳趾頭向內彎曲扣入足心。最後隨著跳躍到空中，從而延展和伸長肢體的線條感。芭蕾舞是講究直線美的舞蹈，緊綳直立的肢體才能造成延伸的視覺效果，使肢體向四周伸展延長開來，更加具有舒展的魅力。
3.3肢體的直線性體現
肢體的腿部和背部都需要伸直，整個身體的肌肉拉伸開來，形成一條完美的直線。芭蕾舞追求直線美，很多動作都採用直線的形態。不管是跳躍還是旋轉時，身體的各個部位都需要處於垂直狀態。
3.4肢體的挺立性體現
跳芭蕾舞時，身體需要把重心放在腿上，從而使整個身體挺拔地立起來，產生一種一覽眾山小的凜然霸氣，體現皇族的高貴氣質。芭蕾舞產生於皇宮貴族之間，處處不乏高雅傲氣的氣質。舞者的身體盡力向上，展現挺拔正直的軀體姿勢，這與貴族的氣質是一致的。
3.5肢體的輕盈性體現
芭蕾舞者的肢體動作應該輕飄盈躍，整個身體處於一種放鬆的狀態，收放自如，無聲無息。在跳起和落地時，都輕巧無聲。芭蕾舞的輕盈肢體很好地體現了一位翱翔空中的仙女，自由自在，沒有牽絆。
3.6肢體的准確性體現
芭蕾舞的肢體展現需要保證每一個動作和姿勢都准確無誤，每一個落腳點，每一次旋轉的角度都應該分毫不差。芭蕾舞的技術要求很高，精確的肢體形態才能更好地展現芭蕾舞的獨特魅力。
3.7肢體的穩定性體現
芭蕾舞的肢體動作處於穩當的狀態，不能搖搖晃晃，搖搖欲墜。在旋轉時，在動中求穩，保持動作的穩定協調，最後要落到一個穩固的動作上作為結束。就像體操比賽一樣，在跳躍時，需要每一個動作都要穩住，最重要的還是收尾的動作，稍有搖晃都會對整個體操表演造成不良的影響。
3.8肢體的完美性體現
舞蹈最注重美感，芭蕾舞也不例外。芭蕾舞的每一個動作都需要體現美感，給人們帶來完美的視覺效果。在觀賞芭蕾舞的過程中發現美，感受美，完成一場絕佳的審美體驗。
結語
芭蕾舞是舞蹈，同時也是詩畫。芭蕾舞的肢體展現了一幅魅力的詩篇畫卷，給觀眾帶來絕美的視覺享受。芭蕾舞的表演需要做到肢體和精神的交合，用肢體動作來展現芭蕾舞的獨特魅力。

⑥ 西方芭蕾舞蹈史

在西方，宮廷舞蹈有著不同的風格特色。出現於15~世紀文藝復興全盛時期的芭蕾，最早是在義大利的宮廷宴會上進行的。王公貴族們競相把藝術作為炫耀自己的權勢與擴大政治影響的工具和手段，芭蕾就是在這樣的一個歷史背景下，在古樸的民間舞基礎上，從一種游戲性質的舞蹈開始在義大利宮廷中逐漸形成一種具有確定風格、舞步與技巧的藝術形式。隨著義大利貴族與法國宮廷的通婚，義大利芭蕾被帶入法國。在規模上，芭蕾沒有唐樂舞的宏大，其群舞大多用來表現時代特點、民族習俗、交待故事環境、營造意境等，不存在政治目的，卻有著極強的娛樂性。高難度的技巧通常再獨舞，雙人舞中體現，音樂多為慢板，引用PAS DE DEUX結構，即雙人舞、男獨舞、女獨舞、結尾雙人舞4部分組成。主要展示表演者的高難度技巧與個人風格。芭蕾舞是通過表演者的肢體和造型來表達感情的，無論獨舞還是雙人舞，都要求舞姿的完整性，動作的延續性。而音旋律的起伏大多表現情節色彩與人物心情。例如：《天鵝湖》第二幕達到了舞蹈詩的高峰，成為交響化舞蹈的範例。
另外，芭蕾舞的藝術特徵是表現的虛擬性，更多的採用幻覺、夢境、意象化的手法。這些大多依靠舞台、布景、燈光、服裝等道具起作用。而唐樂舞大多用華麗的服裝與多彩的音樂、節奏代替。如：《白紵舞》中以舞袖和腰身動作見長。有詩描繪「篇如百苕翡，婉如游龍舉，低回蓮破浪，凌亂雪縈風」可見，這種營造意境的手法與西方芭蕾有著本質的區別。值得一提的是，芭蕾音樂的多樣性遠大於中國唐代宮廷舞樂，在《天鵝湖》第三幕中的西班牙舞、匈牙利舞、那不勒斯舞、馬祖卡舞等，即配合了劇情發展又展示了豐富的民族舞蹈。
由此，從中西宮廷歌舞比較看它們有著共同點：都來自民間，發源於民間歌舞。也有不同點：第一，西方宮廷舞蹈的芭蕾起源於游戲娛樂的；源頭明確，中國唐代宮廷樂舞則是多源性的，由於自南北朝時期南北文化的交融與統一，唐代宮廷樂舞有著多民族性，比較復雜。第二，西方宮廷舞蹈帶有濃厚的神話色彩，神秘的、幻想的、開放性的基因多；中國歌舞的起源，雖也和一定的宗教儀式有關，但大部分的歌舞都是現實人的娛樂性活動，因此，現實性、技藝性、含蓄性的基因多。第三，西方宮廷舞蹈是從歌舞逐漸演變為故事表演；中國歌舞則是通過各民族文化的匯合、交織來實現。中西歌舞起源的共同之處，反映了世界中西音樂發端的一些共同的規律，而不同之處，又讓人們看到中西音樂在淵源和發展上的差異。
因此，從這個角度看西方舞蹈史就是西方文化史

⑦ 芭蕾的起源

芭蕾的起源和歷史

芭蕾藝術孕育在義大利，誕生在十七世紀後期路易十四的法國宮廷，十八世紀在法國日臻完美，到十九世紀末期，在俄羅斯進入最繁榮的時期。芭蕾在近四百年的長期歷史發展過程中，對世界各國影響很大,流傳極廣，至今已成為世界各國都努力發展的一種藝術形式了。

芭蕾的歷史，最早的起始可追溯自歐洲文洲文藝復興鼎盛時期的義大利宮廷，及法國南部的貝根弟地方的宮廷里。每當結婚喜慶，接見外國元首，或其他大慶典，即表演這種舞蹈以示祝或助興。芭蕾發展史上第一部比較完整的芭蕾舞劇——《皇後喜劇芭蕾》上演於1581年，當洛蕾娜（Lorraine）的瑪格麗特小姐和凡爾賽（Versaills）的姚幼斯公爵結婚之時，這場芭蕾舞的音樂樂譜迄今仍保存，可算是最古老的芭蕾音樂。

芭蕾至路易十四皇朝（1643—1715）時代而臻極盛，路易十四本人是一位卓絕的舞蹈家，且喜愛芭蕾表演。1661年，路易十四創立了歷史上第一所舞蹈學校——法國皇家舞蹈學院，專門教授舞藝。這所學校現在屬於巴黎歌劇院。而沿用至今的手腳的五個位置和一些優美的芭蕾舞姿則是1700年在這里得到固定的。在皇家舞藝大師博尚(Beauchamp)和音樂家貝弗(Cambefort)及呂利(Lully)的大力提倡下，法國芭蕾舞在文化和音樂上的重要性大增。於是芭蕾變成了許多新的宮廷舞的來源;諸如:加沃特舞曲(Gavotte)、巴斯皮耶舞曲(Passepied)、布雷舞曲(Boree)、里戈東舞曲（Rigaudon）等。在這些舞曲之中，最重要的要算小步舞曲（Minuet），呂利於年，開始參加法國宮廷的芭蕾活動，而達到高潮。他當時正與莫利哀（Moliere）合力製作戲劇和芭蕾混成的所謂芭蕾喜劇（Comedie Ballet）。1760年發表的《小紳士》(Le Bourgeois Gentilhomme)，可算是這類舞劇最著名的代表作。呂利又把芭蕾應用於他所作的歌劇中，他的兩位後繼者康普拉(Campra)和拉莫(Rameau)也如法炮製。尤其是拉莫的作品，因夾雜有墨西哥、健康和中國等的外國情調而更富風趣。這當然和他的個性與背景有關。英國方面又創造一種特殊的芭蕾，名之曰「假面舞」（Masque）。到了17世紀後半期，維也納已成為芭蕾演出的中心。然而當時歐洲芭蕾舞正處在「傳統」與「革新」的爭論，「嚴格」與「抒情」間的爭論，「純粹舞藝」與「標題舞藝」的爭論，以及「芭蕾」與「近代舞」間的爭論中。這些觀念在20世紀的今天，多多少少還有它的餘波，時而爭論不休。

從1789年開始，出現了《關不住的女兒》等一批早期（又稱前浪漫時期）芭蕾舞劇的代表作。而到了19世紀，先後在巴黎出現了「浪漫芭蕾」這個芭蕾史上的黃金時代，推出了以《仙女》（1832）、《吉賽爾》（1841）和《葛蓓莉婭》（1870）為代表的傳世之作，然後在俄國進入「古典芭蕾」這個整部芭蕾史上的鼎盛時期，留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夾子》（1892）和《天鵝湖》（1895）這「三大舞劇」為首的一大批經典劇目，從而促使人們形成了「舞劇乃舞蹈的最高形式」的觀念。這種觀念直到20世紀先後誕生出「現代芭蕾」和「當代芭蕾」之後，尤其是舞蹈開始走出「非舞蹈」的誤區，竭力回歸動作本體，以美籍俄國芭蕾大師喬治?巴蘭欽（1904—1983）為首的「純芭蕾」（即非舞劇式的芭蕾作品，又稱「新古典芭蕾」）開始佔領主導地位以來，才結束了戲劇芭蕾一統天下的局面。世所公認的一流古典芭蕾舞團有七個：前蘇聯的基洛夫芭蕾舞團和莫斯科大劇院芭蕾舞團，美國的紐約市芭蕾舞團和美國芭蕾舞劇院，英國的皇家芭蕾舞團，法國巴黎歌劇院芭蕾舞團和丹麥皇家芭蕾舞團。當代芭蕾呈現出空前的普及和繁榮，代表性人物和團體為捷克人伊日·基里安（1947— ）和他的荷蘭舞蹈劇院以及美國人威廉?福賽特（1949— ）和他的德國法蘭克福芭蕾舞團。

芭蕾分類

1、音樂芭蕾

以展現舞者技巧為主要目的，例如聖桑的"垂死的天鵝"。

2、劇情芭蕾

顧名思義為有劇情的芭蕾舞蹈。

3、 浪漫派

又俗稱"白色芭蕾"，女舞者以身著白色鍾罩型紗裙著稱。例如亞當的"吉賽爾"。

4、古典派

女舞者穿著華麗的短裙，和男舞者以古典舞蹈特有的形式舞出，例如柴可夫斯基之"天鵝湖"。

5、現代派

例如史塔溫斯基之"火鳥"。

6、歌劇芭蕾

在歌劇當中穿插的芭蕾舞，例如歌劇"威廉泰爾"當中的芭蕾。

舞鞋

女性芭蕾舞演員的舞鞋鞋尖加硬，使他們能用腳尖跳舞而不會傷害到腳。

肢體語言

所有芭蕾舞開始和結束的動作都用這五種姿勢中的一個。這些姿勢是在18世紀創造的，是為了達到平衡並使腳顯得優美。

傳統的古典芭蕾技術建築在外開、伸展、綳直的審美基礎之上的。它包括：腳的5種基本位置、3種基本舞姿：如"阿拉貝斯"（arabesque）、"阿提秋"（attitude）和"伊卡特"（ecarte）；腿部技巧：各種"巴特芒"（battements）－－包括腿的伸展、打開以及rond de jambo（腿的劃圓圈）等；各種幅度和舞姿的跳躍；各種旋轉；擊腿技巧；各種舞步和連接動作；女子的腳尖舞技巧；雙人舞的扶持和托舉等技巧；以及"潑德布拉"（port de bras）等。古典芭蕾的這些基本動作（元素），就像字母一樣，編導運用這些"字母"寫出不同角色的個性、身份、情緒以及角色在劇情發展中的地位和作用，把這些元素按特定的結構手法加以編排、組合、組成形象化的舞蹈語匯來表達劇情，創造出各種富有藝術魅力的舞蹈形象。

腳部的五個基本位置：

第一位 : 兩腳跟緊靠在一直線上,腳尖向外180度

第二位 : 兩腳跟相距一足的長度,腳部向外扭開,兩足在一直線上

第三位 : 兩腳跟前後重疊放置,足尖向外張開

第四位 : 兩腳前後保持一足的距離,兩足趾踵相對成兩直線,腿向外轉

第五位 : 兩腳前後重疊,兩足趾踵互觸,腿向外轉

手部基本位置：

1.瓦卡諾娃派(俄國派)

第一位 : 雙手在正面的腹前成自然圓

第二位 : 雙手在旁側伸,在視線范圍內,手心向內

第三位 : 雙手上舉在頭上方的視線內

2.卻革底派(義大利派)

第一位 : 雙手垂下成自然圓,手指輕觸在大腿旁的位置

第二位 : 雙手在旁側伸

第三位 : 一手在身體前手心向內,另一手在旁側伸

第四位 : 一手在身體前與橫隔膜保持相同的高度,然後同時上舉在頭的上方.

古典式芭蕾舞衣

裙子的長度，不超過膝蓋，是短式的，不過袖子有無袖的，長袖的，燈籠袖等

1、純白色古典芭蕾舞衣

例如"天鵝湖"中的白天鵝

2、 全 黑 或 鮮 紅

前者例如"天鵝湖"中的黑天鵝

3、燈籠袖配背心

例如"柯貝莉亞"第二幕中史瓦妮達所扮演的娃娃—柯貝莉亞

4、長袖配背心，以亮珠刺綉裝飾之

5、上下色彩不同的芭蕾舞衣

浪漫派芭蕾舞衣

它的裙子幾乎到腳踝附近，成吊鍾型，有無袖的，燈籠袖的顏色有白色的，淡色的，淡紫色等。

1、燈籠袖的浪漫派芭蕾舞衣

例如"四人舞""玫瑰花精"。

2、扮妖精時，在手臂上或肩上加薄紗的衣飾 例如"吉賽爾"第二幕，"仙女"舞劇

3、村姑式舞衣

背心加燈籠袖，腹部上面配上可愛的圖案，例如"吉賽爾"第一幕，"柯貝莉亞"第一幕，"風流女兒"舞劇。

角色

古典芭蕾舞劇有其特定的結構與形式，經由藝術總監、編舞、舞者、燈光音響、服裝、布景……專業的劇場工作人員密切配合，才能完整的呈現在觀眾面前。

如果我們對芭蕾舞舞台上的型式能有基本的認識，觀賞芭蕾演出時必能獲得極大的樂趣與共鳴。芭蕾舞劇演出主要由下列三種角色組成：

1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水準以上的技巧與體力，最重要是要 有高超舞蹈素養及品格，才能詮釋劇中的人物。 古典芭蕾雙人舞是整個舞劇重心，大都由男女主角擔任，古典芭蕾舞劇雙人舞結構 次序是男女主角雙人的慢板，然後是男主角獨舞，女主角獨舞，最後才是終曲 (coda)雙人快板，主角藝術素養與技巧水準將於雙人舞中呈現。

2、獨舞者：具有主角技巧，而能單獨或三、四人演出者。

3、群舞者：群舞者雖然舞步較簡單，但復雜的畫面變化，整場氣氛烘拖更是扮演舉足輕重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人亂了腳步，整體的畫面將被影響。

舞蹈術語

一、舞蹈形象： 以舞蹈藝術為手段塑造的人物形象動態形象，技人體的姿態、造型，步法等動作藉助音樂、舞台美術、化妝、服飾等藝術因素產生的具有欣賞價值的視覺效果。具有可視性、流動性的審美性的特點，是舞蹈欣賞過程中被感知、認識的主要對象和體現舞蹈藝術審美價值的主體。

二、舞蹈表情：根據現實生活中人的心理活動和流露表情的習慣特點，經過提煉和藝術加工，用不同的舞蹈形式加以概括並表現出的喜怒哀樂等內心情感變化。除了與動作相協調的面部表情外，有節奏的動作、姿態、手勢和造型，亦可產生富有藝術感染了的舞蹈表情。

三、舞蹈動作：舞蹈藝術的基本表現手段。源於對人類情感動作和自然界各種動態事物的模仿。主要包括：

1、單一動作，即以人體某一部位為主動，其他部位靜止或隨動的動作；

2、復合動作，指人體各部位在同一時間按照一定的順序、規格作出的動作；

3、動作組合。一般指以訓練舞蹈技巧為主要目的，有兩個以上單一動作或復合動作按一定順序、方向、速 度和幅度上的結合與變化組成的連續性動作滑步、屈伸、踢腿、跳躍、旋轉等等。

四、民間舞（folk dance）：泛指產生並流傳於民間、受民俗文化制約，即興表演但風格相對穩定、以自娛為主要功能的舞蹈形式。不同地區、國家、民族的民間舞蹈，由於受生存環境、風俗習慣、生活方式、民族性格、文化傳統、宗教信仰等因素影響，以及受表演者的年齡、性別等生理條件所限，在表演技巧和風格上有著十分明顯的差異。民間舞不乏朴實無華、形式多樣、內容豐富、形象生動等特點，歷來都是各國古典舞、宮廷舞和專業舞蹈創業不可或缺的素材來源。

五、社交舞（social dance）：亦稱舞會舞（ballroom dance）泛指歐洲文藝復興以來流行於宮廷舞會和近代流行於各種社交場所的舞蹈。名稱和所用舞曲，以及基本舞步、隊形、風格和舞蹈表演順序多為因循義大利、英國、法國、德國、西班牙等國民間舞蹈的特點。

布朗特、小步舞、加沃特、波洛奈茲、連德勒、波爾卡、馬祖卡、加洛普、華爾茲曾先後風靡過歐洲各國宮廷。

法國大革命以後，宮廷舞會的形式已遠遠不能滿足社會各階層交往的需要，大眾化的公共舞廳在歐洲大陸應運而生，並逐漸取代宮廷舞會成為社交活動中的主要場所。

舞步簡單易學，形式自由，便於即興發揮和宣洩情感的舞蹈在公共舞廳備受青睞，社交舞因而很快融入了平民階層的文化生活。

六、芭蕾（ballet）：法語音譯。特指有一定動作規范、技巧、和審美要求的歐洲古典形式；或泛指以人體動作、姿態表現戲劇內容推動情節發展，以及表現一定的情緒、意境、心理狀態和行為的舞蹈表現形式。前者有時譯作「舞劇」。ballet一詞源於古代拉丁語 ballo，原意為當眾跳一定樣式的舞蹈，並無劇場演出的含義。芭蕾作為舞台藝術形式，始見於文藝復興時期義大利宮廷盛大的宴飲娛樂活動之中。後來由佛羅倫薩公主——美第奇的凱瑟琳將這一舞蹈形式帶入了法國宮廷.1581年,法國宮廷表演的第一部芭蕾《王後的喜劇芭蕾》在歐洲引起極大反響，各國宮廷紛紛效仿，並把芭蕾視為宮廷娛樂的典範，1661年法國國王路易十四在巴黎創建了皇家舞蹈學院之後，又於1669年授權在巴黎成立了歌劇院，從此結束了「宮廷芭蕾」的黃金時代。芭蕾進入劇場之後，先後經歷了「喜劇芭蕾」和「歌唱芭蕾」階段。18世紀中葉，「情節舞」及相關的理論日趨完善，芭蕾才徹底改變了依附於戲劇和歌劇，僅僅在幕間表演插舞的地位，發展為用舞蹈和音樂推動劇情發展，具有嚴肅社會意義的劇場藝術形式。19世紀初是芭蕾發展史的又一個黃金時代，在內容與題材、技巧與表演及演出形式等方面均有重大突破。腳尖舞技巧逐漸成為女演員的主要表演手段，並積累了一套系統、科學的訓練方法。受浪漫主義文化思潮影響，歐洲各國芭蕾的發展更加註重民族精神和氣質的表現，形成了義大利學派、法國學派、俄羅斯學派和丹麥學派等不同的風格的芭蕾學派。20世紀以來，俄羅斯取代義大利和法國成為傳統芭蕾發展的中心。而在歐美各國的舞台上，不同風格和不同流派的現代芭蕾逐漸顯露出蓬勃的發展勢頭，從而為芭蕾藝術的發展注入了新的活力。

七、情節舞：芭蕾術語。原意指結構形勢相對穩定，並與劇情發展有直接聯系的舞蹈。浪漫主義時期，情節舞的基本結構形勢是：「出場」、慢板雙人舞、男女獨舞和全體演員參加的的終場群舞。《雷蒙達》《天鵝湖》《睡美人》《舞姬》中的大型雙人舞和《愛斯梅拉達》中的舞會場面都是比較典型的情節舞。20世紀以來，情節舞作為與娛樂性舞蹈相對立的概念，泛指一切表達人物心理情緒變化、推動劇情發展的舞蹈。

八、舞劇：（dance-drama）以舞蹈為主要表現手段，並綜合音樂、美術、戲劇、文學等藝術形式，表現特定的戲劇內容、意境、人物形象、情緒、心理狀態和行為，以及推動情節發展的舞台表演藝術。因劇情需要或時代風貌、人物形象不同，舞劇可選用或綜合運用古典舞、民間舞、性格舞、現代舞、宮廷舞、或舞會舞等表演形式，並有編排有序的獨舞、雙人舞、三人舞、群舞、雙人舞、三人舞、群舞、組舞等舞蹈樣式組成。中國舞劇歷史悠久，發源於奴隸社會的宮廷樂舞。歐洲舞劇與「芭蕾舞劇」在概念上沒有明確的界說。

九、群舞：（group dance）舞蹈樣式之一。泛指源自民間舞蹈「集體舞」的舞台表演形式，即三人以上、人數不等的多人舞。群舞的畫面、構圖多變，要求表演者動作整齊，風格統一，配合默契，因而具有豐富的藝術表現力。（1）有獨立的內容和主題，情節完整的舞蹈作品。中國舞蹈《摸螺》《草原女民兵》《葡萄架下》，俄羅斯《小白樺樹》，朝鮮舞蹈《在泉邊》《摘蘋果的時候》，美國現代舞《意象》等均為群舞的成功之作。（2）在大型舞作品當中，有時因畫面、構圖的需要，或為突出主要人物形象和強化戲劇效果，群舞中常常穿插一些獨舞，雙人舞、三人舞的段落，如《仙女們》《天鵝湖》等芭蕾場面中的獨舞和雙人舞。（3）舞劇和大型舞蹈中為烘托全局氣氛而編排的群舞，如中國舞劇《紅色娘子軍》中的「女戰士舞」、「斗笠舞」，俄羅斯芭蕾《天鵝湖》中的天鵝舞等等。

⑧ 芭蕾舞的歷史

芭蕾藝術
孕育在義大利
誕生在十七世紀後期
路易十四的法國宮廷
十八世紀在法國
日臻完美
到十九世紀末期
在俄羅斯進入最繁榮的時期
所以今天
會經常聽到
舞蹈
奇葩
這樣的詞來
誇贊
俄羅斯15世紀末法蘭西國王理查八世率軍來到義大利時驚喜地發現了這種優美、豪華的「席間芭蕾」，於是法國人將芭蕾藝術連同義大利的藝術家一起「引進」到了法國，1581年法國王後路易絲的妹妹的婚慶上演出的《皇後喜劇芭蕾》是歷史上第一部大型芭蕾舞劇。此劇由義大利音樂家和舞蹈教師貝爾焦約索（15？？——1587）後改名「博洛耶」編導的。
芭蕾舞在17世紀成為了法國宮廷生活的一個重要組成部分。路易十三、路易十四都酷愛芭蕾，並親自參加演出，特別是「太陽國王」路易十四對芭蕾的喜愛簡直到了如痴如醉的程度。他先後在26部大型芭蕾中擔任主角，並組織了三位藝術大師——呂利、莫里哀和博尚專門負責芭蕾藝術的創作和演出並形成了新的芭蕾形式「幕間芭蕾」。1661年他下旨創辦了芭蕾史的第一所舞蹈學府————皇家舞蹈學院，開始對舞蹈訓練進行規范化的研究整理工作。芭蕾舞的腳的5位及其手位都是那時確定下來的並一直沿用至今。
17世紀後半葉芭蕾藝術走出宮廷，登上了舞台，開始成為劇場藝術。於是首批專業芭蕾舞演員也應運而生了。但那時的女主角都是由男演員扮演的，直到1681年在巴黎歌劇院上演呂利的《愛情的勝利》中，芭蕾舞女演員才首次登台亮相，而扮演女主角的拉·芳登成為了歷史上第一位女芭蕾演員（Ballerina）。

⑨ 芭蕾舞起源於哪個國家

芭蕾舞起源於義大利文化復興時期，十七世紀後期興起於法國，到十九世紀末期，在俄羅斯進入最繁榮的時代。芭蕾在近四百年的持久歷史成長過程中，對世界列國影響很大,傳布極廣，至今已成為世界列國都全力成長的一種藝術形式了。

舞劇最初專指以歐洲古典舞蹈為主要表現手段，綜合音樂、啞劇、舞台美術、文學於一體，用以表現一個故事或一段情節的戲劇藝術，稱古典芭蕾。20世紀出現了現代舞以後，以現代舞結合古典舞蹈技術為主要表現手段來表現故事內容或情節的稱現代芭蕾。

(9)芭蕾舞歷史文化擴展閱讀：

芭蕾舞代表作品

1、《天鵝湖》，作於1876年。這是柴可夫斯基所作的第一部舞曲，取材於民間。劇情為：公主奧傑塔被惡魔變成了白天鵝，而王子齊格費里德游天鵝湖，愛上了奧傑塔。而王子挑選新娘時黑天鵝假裝奧傑塔欺騙王子，最終被識破，撲殺之，最後白天鵝恢復公主原形，與王子結合。

2、《仙女》，芭蕾丹麥學派的代表劇目劇本，該劇寫了年輕的農夫在結婚的前一天晚上遇見了仙女，抵制不住她美貌的誘惑，在結婚當天追隨仙女而去，結果與仙女悲慘地死去。意在告誡人們要抵制住誘惑。

3、《胡桃夾子》，《胡桃夾子》是柴可夫斯基編寫的一個芭蕾舞劇。根據霍夫曼的一部叫作《胡桃夾子與老鼠王》的故事改編。舞劇的音樂充滿了單純而神秘的神話色彩，具有強烈的兒童音樂特色。

參考資料來源：網路-芭蕾舞

⑩ 誰能給我講講芭蕾舞的歷史

芭蕾藝術孕育在義大利，誕生在十七世紀後期路易十四的法國宮廷，十八世紀在法國日臻完美，到十九世紀末期，在俄羅斯進入最繁榮的時期。
早在文藝復興時期，人文主義思潮影響下的人們開始重視人體本身的價值和作用，從而推動了社會的經濟、科學和文化的迅猛發展。而在文藝復興的搖籃「義大利」，王公貴族競相把藝術做為炫耀自己的權勢與擴大政治影響的工具和手段，他們不惜巨資相互攀比，相互競爭，因此這一時期的文化藝術得到了空前的發展。芭蕾就是在這樣的一個歷史背景下，在古樸的民間舞的基礎上，從一種游戲性質的舞蹈開始在義大利宮廷中逐漸形成一種具有確定風格、舞步與技巧的藝術形式。那時的芭蕾作為一種簡單的娛樂形式由王公貴族在各種宮廷慶祝活動和宴會上親自表演，因此也叫「席間芭蕾」。1489年，米蘭公爵的婚禮上演出的《宴會芭蕾》就是他的代表。與此同時宮廷里出現了一種新的職業——舞蹈大師。
15世紀末法蘭西國王理查八世率軍來到義大利時驚喜地發現了這種優美、豪華的「席間芭蕾」，於是法國人將芭蕾藝術連同義大利的藝術家一起「引進」到了法國，1581年法國王後路易絲的妹妹的婚慶上演出的《皇後喜劇芭蕾》是歷史上第一部大型芭蕾舞劇。此劇由義大利音樂家和舞蹈教師貝爾焦約索（15？？——1587）後改名「博洛耶」編導的。芭蕾舞在17世紀成為了法國宮廷生活的一個重要組成部分。路易十三、路易十四都酷愛芭蕾，並親自參加演出，特別是「太陽國王」路易十四對芭蕾的喜愛簡直到了如痴如醉的程度。他先後在26部大型芭蕾中擔任主角，並組織了三位藝術大師——呂利、莫里哀和博尚專門負責芭蕾藝術的創作和演出並形成了新的芭蕾形式「幕間芭蕾」。1661年他下旨創辦了芭蕾史的第一所舞蹈學府————皇家舞蹈學院，開始對舞蹈訓練進行規范化的研究整理工作。芭蕾舞的腳的5位及其手位都是那時確定下來的並一直沿用至今。17世紀後半葉芭蕾藝術走出宮廷，登上了舞台，開始成為劇場藝術。於是首批專業芭蕾舞演員也應運而生了。但那時的女主角都是由男演員扮演的，直到1681年在巴黎歌劇院上演呂利的《愛情的勝利》中，芭蕾舞女演員才首次登台亮相，而扮演女主角的拉·芳登成為了歷史上第一位女芭蕾演員（Ballerina）。而後慢慢的便出現了我們所現在見到的女演員所穿的「足尖鞋」.
法語 ballet一詞，源於古拉丁文 bal-lo，原只有跳舞或當眾表演舞蹈的意思，並不具有劇場演出的含義。芭蕾作為一種舞台藝術，孕育於文藝復興時期的義大利，形成於17世紀的法國宮廷，芭蕾史上稱之為宮廷芭蕾。它實際上是在一個統一的主題下，具有鬆散結構的舞蹈、歌唱、音樂、朗誦和戲劇的綜合表演，由專職的宮廷舞師設計，國王和貴族大臣擔任演員，女角色也由男子扮演，演員戴有皮製面具，故又稱假面芭蕾。1661年，法王路易十四下令建立巴黎皇家舞蹈學院，大大促進了芭蕾的發展。此前宮廷芭蕾是在皇宮中央大廳表演，宮廷顯貴和貴婦環繞在大廳周圍觀看。17世紀70年代的芭蕾演出開始使用黎塞留主教宮廷劇場，這使演出場地和觀眾角度發生了變化，舞蹈技術、審美觀點也發生了變化。由於演員要面向觀眾，故而站立的姿勢越來越外開，因此而確定了腳的 5個基本形態和位置，這成為芭蕾技術發展的基礎。專業演員這時也應運而生，並逐步取代了王公貴族業余演員，職業女演員也開始出現。芭蕾已從一種自娛性的社交活動變為劇場表演藝術。一直到18世紀中葉，芭蕾的演出一般是加在歌劇中的場面，是比較單純的表演，被史學家稱為歌唱芭蕾。J.-G.諾韋爾在1760年發表的《舞蹈與舞蹈書信集》首次提出「情節芭蕾」的主張，強調芭蕾不只是形體的技巧，應該是戲劇表演和思想感情交流的手段。這一理論推動了芭蕾的全面改革，芭蕾在內容、題材、音樂、結構形式和服飾等方面都發生了重大變化，成為一種獨立的以舞蹈為主要表現手段的舞台藝術。這使芭蕾能完整地表現戲劇作品，塑造人物形象。19世紀後期，芭蕾已出現交響化的發展傾向，20世紀現代舞發展起來之後，受其影響，芭蕾中也涌現出大量表現情緒、哲理或解釋音樂的作品。
芭蕾發展史上，有兩種主要美學觀點一直在起作用。一種觀點認為，芭蕾是「純粹的舞蹈」。它完全著眼於芭蕾的形式美，幾乎完全不考慮其內容，這導致追求高超的技巧和場面的華麗。18世紀中葉以前，這一觀點占統治地位。而另一種觀點則強調芭蕾是「 戲劇性舞蹈 」，它始於諾韋爾。這種觀點認為，「情節和舞蹈設計要保持統一，有合乎邏輯、明白易懂的故事作為中心主題，和情節無關的獨舞和舞蹈片斷都得取消」，舞劇「不僅是舞蹈技術光輝奪目，更須通過戲劇性表現，從情緒方面感動觀眾」。這一觀點至今仍具有主導作用。20世紀以來，在不斷涌現優秀的戲劇性芭蕾的同時，也出現了不少注重形式美的無情節芭蕾。隨著人們審美趣味的提高與多樣化，這兩類作品都受到觀眾的歡迎。在各種現代文藝思潮的影響下，芭蕾的風格日益多樣化，各類作品日益豐富多采。
一部芭蕾作品，首先要求編導根據劇本（也可能是一首詩、一部音樂作品）構思出舞劇或舞蹈的結構，再通過演員的表演來體現。編導的構思和演員的表演應深刻反映劇本（詩、音樂）的思想和感情。編導和演員都必須掌握芭蕾語匯--芭蕾的技術技巧，以及運用它們表現特定內容的能力。編導應深諳它們長於表現什麼，不能表現什麼。而演員則應訓練有素，能適應並創造性地體現編導的構思和意圖。此外，編導和演員應與作曲、美術設計通力合作，使舞蹈、音樂、美術有機融合，實現整體藝術效果。芭蕾中包括獨舞、雙人舞、三人舞、群舞等，編導通過古典舞、性格舞（舞台化民間舞）、現代舞等形式編排上述各種舞蹈可以編出多幕芭蕾、獨幕芭蕾或芭蕾小品。
芭蕾（Ballet）一詞，源自義大利文Ballare，意思就是跳舞，專指「足尖舞」，是歐洲古典舞蹈的一種形式。在其發展過程中，因常以這種舞蹈來敘述表演故事，而逐漸形成了一種特殊的演出形式。1772年，查理·狄德羅（CharlesDidelot）在法國大網路全書中說「芭蕾系用跳舞解釋行動……特別要求劇場性的賞心悅目……」
芭蕾藝術孕育在義大利，誕生在17世紀後期路易十四的法國宮廷，18世紀在法國日臻完美，到19世紀末期，在俄羅斯進入最繁榮的時期。芭蕾在近400年的長期歷史發展過程中，對世界各國影響很大流傳極廣，至今已成為世界各國都努力發展的一種藝術形式了。
到了19世紀，先後在巴黎出現了「浪漫芭蕾」這個芭蕾史上的黃金時代，推出了以《仙女》（1832）、《吉賽爾》（1841）和《葛蓓莉婭》（1870）為代表的傳世之作，然後在俄國進入「古典芭蕾」這個整部芭蕾史上的鼎盛時期，留下了以《睡美人》（1890）、《胡桃夾子》（1892）和《天鵝湖》（1895）這「三大舞劇」為首的一大批經典劇目，從而促使人們形成了「舞劇是舞蹈的最高形式」的觀念。