西方音樂歷史發展

㈠ 西方音樂的發展階段

西方音樂發展簡史

中世紀音樂：
一、宗教音樂
格里高利聖詠史單聲部音樂，多用拉丁文演唱，按朗誦拉丁文散文的方式吟唱，內容多摘自《聖經》。
彌撒（Mass）是天主教宗教儀式中最為重要的部分，是為了紀念耶穌獻身事跡而舉行的，其名稱來自此儀式的結束語「Ite ,missa est「（意為：儀式結束，眾教徒退席）的拉丁文音譯。一般可分為三類：庄嚴彌撒，又稱為大彌撒；小彌撒，是庄嚴彌撒的簡化形式；特別彌撒，由於季節或節日 不同而使用改編後的大彌撒，如還願彌撒、婚禮彌撒。安魂曲是為紀念逝者超度亡靈所專用的彌撒，歌詞遵循正常彌撒的內容，常省去榮耀經和信經而增加「最後的審判「。
二、世俗音樂
「游吟詩人「（troubadour)：大多出身貴族，身著紅色的短上衣，頭戴一個黃色的風帽，下穿連衣褲，騎馬，身背維埃勒(vielle)琴，從一個城堡到另一個城堡，去尋找願給他們提供幫助的施主。他們自己作詩、譜曲、所唱內容多維談情說愛、戰爭、傳說故事，如描寫田園風光、歌頌英雄人物、騎士與牧羊女的愛情等等。演唱過程大致為：首先用維埃勒琴演奏一段前奏，然後再幾個持續音的襯托下自彈自唱，音樂風格特點表現為段落清晰/節奏規范、樂節長短大致相同，所用調式多為大調式，作品結構一般都是有兩個段落組成的。在德國，人們稱游吟詩人為「戀歌詩人「。
三、復調音樂
格里高利聖詠最初也屬於單音音樂，後來僧侶中的樂師們嘗試著在原有的聖詠的下方另外加上一個平行四、五度的曲調，既起到了襯托原有聖詠的作用，又豐富了音樂的表現力，這種復音音樂形式被後人稱為「奧爾加農「(orgaum)。9世紀以後，出現了復音音樂，並逐漸在宗教音樂和世俗音樂中廣泛應用，由最初的兩個聲部添增為三個聲部、四個聲部甚至更多。11世紀時，僧侶樂師們將平行的曲調加在原有的聖詠的上方，並改變了只能平行的規則，大膽使用曲調之間斜向、反向的進行方式，形成了聲部交錯、變化，使音樂的表現手段更加豐富，人們稱這種聖詠為「狄斯康特「(discantus)。到13世紀，復音音樂又出現了兩種體裁：「經文歌「(mctet)和「康都克土斯「(conctus)。經文歌是在奧爾加農的基礎上變化發展而來得，即在原聖詠的上方加上一個演唱不同歌詞的聲部，這個聲部的曲調多出自世俗音樂，使世俗音樂與宗教出現了有意或無意的結合。唱詞既有拉丁文又有法文，有的作品是由三、四個聲部組成，分別是不同的歌詞，其演唱效果可想而知。這類經文歌的作者注重的是每個聲部的橫向進行效果，不關心各聲部之間是否協調、一致，也不關心音樂的縱向效果，但這正是復調音樂的起點所在，是音樂史上由單音音樂階段向復調音樂階段過渡的必由之路。康都可土斯與經文歌德不同之處在於它沒有聖詠聲部，也就是說整個作品都是由作曲家創作的，音樂形式簡單，聲部之間是音與音的對稱，音樂發展手法自由，表現內容廣泛。從奧爾加農到狄斯康特，再到經文歌，最後是康都可土斯，這一系列的變化、發展，表現了音樂成長的足跡。
文藝復興時期的音樂。

㈡ 西方音樂史的發展有哪些規律

西方音樂歷史及音樂體裁的發展主要經歷了以下幾個階段：一、西方音樂的起源可以追溯到古代的美索不達米亞平原。起源時期的音樂，主要用於神廟祭祀、節日慶典，帶有明顯的宗教色彩。蘇美爾人、埃及人、希伯來人和古希臘人推動了音樂的發展。二、中世紀的前期和盛期這一時期主要是單音音樂時期，大致從公元600~1300年。三、「新藝術」時期公元1300~1450年，是中世紀向文藝復興過渡的階段。四、文藝復興時期1450~1600年，文藝復興的中心在義大利，但音樂中心卻在法國的勃艮第地區和佛蘭德。這一時期德國、英格蘭音樂的興起，羅馬教堂音樂的改革和威尼斯樂派的活躍使這個時期的音樂成就不遜於其他的藝術。五、巴洛克時期1600~1750年，從蒙泰威爾弟開始，到巴赫和亨德爾結束。巴洛克時代在西方音樂史乃至整個藝術史上都是一個十分重要的時代。巴洛克音樂氣度高貴、情調感人，內容比文藝復興時期更豐富 、更具戲劇性。歐洲音樂的許多重要體裁都在這一階段初步形成，如歌劇、組曲、奏鳴曲、協奏曲、清唱 劇、康塔塔(大型聲樂套曲)等都已具備了經典形式。音樂巨人巴赫、亨德爾則把巴洛克音樂推向了高潮。六、古典主義時期以恢復希臘、羅馬的古典風格為目的，主要放眼於追求客觀美的古典主義音樂，在維也納形成了氣候，海頓、莫扎特、貝多芬三位音樂家的傑出之作讓音樂史為之一振。這一時期成為器樂的 黃金時代，鋼琴曲、小提琴協奏曲的創作層出不窮，奏鳴曲式的確立被認為是這一時期成就的代表。七、浪漫主義時期浪漫主義樂派是人類藝術史上的一大「寶庫」。這一時期不但盛產偉大的音樂家,而且音樂體裁空前廣泛，出現了諸如無詞歌、夜曲、藝術歌曲、敘事曲、交響詩等新穎、別致的形式。這 種更注重音樂內容的音樂流派，使一些非音樂因素成為音樂的主宰。浪漫主義音樂經過門德爾松、舒曼、肖邦和威爾弟等人的完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格納的時代達到了巔峰。八、新音樂這是20世紀音樂的統稱。和其他藝術一樣，音樂開始出現多種流派百花齊放的局面。音樂創作的保守與創新兩派在音樂文化發達的德國、俄國、英國、美國等地相互競爭，這在一定程度上促進了音樂的繁榮。但在50年代後，隨著電子音樂和計算機等的高新技術的出現，音樂家們都希望在音樂新一代的音樂語言、節奏的發展上找到共同點，重塑作曲家角色及音樂藝術的本質。

㈢ 西方音樂的歷史沿革

西方音樂分為以下8個階段： 時間約為公元前3200年~公元400年。這部分的音樂資料只能從考古而來，從發掘出的繪畫、雕塑及少量流傳下來的詩歌文學與哲學著作可以進行了解，但幾乎是不可能聆聽與欣賞。有資料統計這一階段殘存下來的樂譜還不到10件，但是從殘存下來的雕塑等諸多文化遺產可以看出曾經存在過的輝煌與成就，古希臘的大哲學家都曾對音樂進行過討論與研究，這被後人視為西方音樂之源。
在公元前12世紀~前8世紀荷馬時期的兩部史詩反映了古希臘的音樂文化。史詩本身既是文學作品又是音樂作品，它由職業彈唱藝人「阿埃德」用一種叫基薩拉的樂器伴奏吟唱。
公元前776年，古代奧林匹克運動會開始舉行，在比賽時常伴有音樂，後來產生了音樂比賽。
公元前7世紀~前6世紀，斯巴達把音樂作為國事活動與教育的重要手段，使音樂得到了進一步的發展。
公元前146年後，古羅馬征服希臘後，它的文化主要受益於希臘，同時又吸收了敘利亞、巴比倫、埃及等國的文明成果。 西元476年羅馬帝國瓦解後，希臘、羅馬文明變趨衰微。 日耳曼人統治歐洲西半部，歷史上稱為「黑暗時期」，也就是「中世紀時期」。
教會是當時人們的生活重心，具有政治、經濟、文化的重要地位，藝術家在宗教中生存，因此當時藝術與宗教息息相關。
這時期的音樂活動受到基督教影響很大，音樂多以宗教儀式或歌唱頌歌為主，以功能為重，例如格雷果聖歌。 歌詞多是采自聖經。
特色是旋律高低起伏變化小，缺乏和聲基礎，表現朴實。
對中世紀音樂貢獻最大的是米蘭主教安布羅斯和教皇格里高利一世。
公元390年左右，安布羅斯推行對聖歌的雙聲合唱，引入和聲，並准許非僧侶、教士的俗人參與演唱。是教會音樂得以發展和普及。
公元590年-604年在位的教皇格里高利一世，編出一套用於庄嚴禮拜的曲目，並用法律形式規定在祈禱儀式中必須有音樂，形成一整套格里高利聖詠，成為宗教創作的典範，後來又發展出記譜法，雖然尚沒有小節線和五線譜，但使用高低位置記譜的方法為五線譜的發明提供了基礎，這種記譜法只有四行線，每行前面有三個菱形譜號，結尾有一個菱形譜號提示下一行音高，基本是五線譜的雛形，但不能表示節奏。還成立了培養歌手的學校，在教會勢力范圍內大力推行音樂，使教會音樂在10世紀以前成為歐洲的主要音樂形式。 文藝復興時期約為公元1450-1600年，在中世紀「新藝術」的基礎上，更加追求人性的解放與對人的內心情感的抒發與表達。這時的音樂家在人文主義思潮的推動下，對復調音樂進行了發展和變革，聲樂與器樂逐漸分離而獨立發展。這一時期五線譜已得到完善，印刷術也運用到曲譜上，這都使音樂的傳播更加便利和廣泛。這一時期有以下幾個較有影響力的樂派：
尼德蘭樂派
主要音樂活動在尼德蘭的一批音樂家。創作內容多為彌散曲與經文歌等宗教音樂，也有世俗音樂。代表人物有迪費、若斯坎、汴舒阿、奧凱格姆等。
威尼斯樂派
在1530-1620年間的一個器樂樂派，其特點是音響氣勢寬廣宏大、對比效果鮮明。創作內容有銅管樂與弦樂的重奏曲、管風琴的前奏曲、幻想曲與托卡塔等。代表人物有維拉特、A.加布里埃利等。
羅馬樂派
此時期的一個專門創作服務於宗教作品的樂派，以無伴奏合唱的形式為主。代表人物有帕萊斯特里納、G.M.納尼諾、F.索里亞諾等。 巴洛克音樂指歐洲在文藝復興之後開始興起，且在古典主義音樂形成之前所流行的音樂類型，延續期間大約從1600到1750年之間的150年。
巴洛克（Baroque）一詞來源於葡萄牙語「Barocco」，意指形態不夠圓或不完美的珍珠，最初是建築領域的術語，後逐漸用於藝術和音樂領域。在藝術領域方面，巴洛克風格的特徵是精緻細膩的裝飾以及華麗的風格，造成這種現象的主因，是因為巴洛克時期是貴族掌權的時代，富麗堂皇的宮廷里奢華的排場正是新的文化以及藝術的發展中心，而這個大環境的改變也直接的影響到了音樂家的創作。十七、八世紀宮廷樂師所寫的音樂作品，絕大部分是為上流社會的社交所需而做，為了炫耀貴族的權勢以及財富，當時的宮廷音樂必定得呈現出炫耀的音樂以及不凡的氣度，以營造愉悅氣氣氛。
巴洛克音樂的特點是極盡奢華，加入大量裝飾性的音符。節奏強烈、短促而律動，旋律精緻。復調音樂（復音音樂）仍然占據主導地位，大小調取代了教會調式，同時主調音樂也在蓬勃發展。於是復調的和聲性越來越明顯。復調在 J.S.巴赫時代發展到極致。
數字低音及即興創作是巴洛克重要的部分，並且管弦樂團編制尚未標准化。 古典主義音樂指的是1730－1820年這一段時間的歐洲主流音樂，又稱維也納古典樂派。此樂派三位最著名的作曲家是海頓、莫扎特和貝多芬。
古典主義音樂承繼著巴洛克音樂的發展，是歐洲音樂史上的一種音樂風格或者一個時代。這個時代出現了多樂章的交響曲、獨奏協奏曲、弦樂四重奏、多樂章奏鳴曲等等體裁。而奏鳴曲式和輪旋曲式成為古典時期和浪漫時期最常見的曲式，影響之深遠直至二十世紀。樂團編制比巴洛克時期增大，樂團由指揮帶領逐漸變成一種常規。現代鋼琴在古典時期出現，逐漸取代了大鍵琴的地位。
隨著法國大革命對社會造成的沖擊，作曲家的生計也受到影響，由最初依賴宮廷、教會供養轉變為獨立的經營者。 浪漫主義主要用於描述1830—1850年間的文學創作，以及1830—1900年間的音樂創作。
浪漫主義音樂是古典主義音樂（維也納古典樂派）的延續和發展，是西方音樂史上的一種音樂風格或者一個時代。
浪漫主義音樂比起之前的維也納古典樂派的音樂，更注重感情和形象的表現，相對來說看輕形式和結構方面的考慮。浪漫主義音樂往往富於想像力，相當多的浪漫主義音樂受到非現實的文學作品的影響，而有著相當大的標題音樂成分。浪漫主義的因素，則包含在從古至今的音樂創作當中，而不僅僅局限於某一個時代，因為音樂創作本身，就是想像力的一種表現，而浪漫主義恰恰是想像力的最佳體現。
貝多芬是古典主義音樂的集大成者和終結者，也是浪漫主義音樂的先行人，浪漫主義音樂拋棄了古典音樂的以旋律為主的統一性，強調多樣性，發展和聲的作用，對人物性格的特殊品質進行刻畫，更多地運用轉調手法和半音。浪漫主義歌劇的代表是韋伯，音樂的代表是舒伯特。
浪漫主義音樂體現了影響廣泛和民族分化的傾向，在法國出現了柏遼茲，義大利的羅西尼，匈牙利的李斯特，波蘭的肖邦和俄羅斯的柴科夫斯基。浪漫主義音樂在瓦格納和布拉姆斯時代逐漸走入歷史。 現代音樂，也稱現代古典主義音樂（20th century classical music)，是指自1900年起至今，繼承歐洲古典音樂而來的一個音樂紀元，音樂門派繁多，風格多樣。在此之前，現代音樂有兩大源流：古斯塔夫·馬勒與理察·施特勞斯的後浪漫樂派、和德布西的印象樂派。其分派下音樂種類更是繁多，包括了如布列茲的序列音樂、極簡音樂，Steve Reich和Philip Glass使用簡單三音和弦，Pierre Schaeffer的具體音樂，Harry Partch、Alois Hába和其他人的微分音音樂，還有約翰·凱吉的機率音樂。
在現代音樂之前，作為前繼者的歐洲古典音樂家如巴托克·貝拉、馬勒、理察·斯特勞斯、浦契尼、德布西、艾伍士、艾爾加、荀白克、拉赫瑪尼諾夫、普羅高菲夫、史特拉文斯基、肖斯塔科維奇、布瑞頓、柯普蘭、尼爾森等人。當時古典音樂也和爵士樂相互影響，有音樂家能同時在兩個領域作曲者如蓋希文及伯恩斯坦。
現代音樂一個極重要的特點是開始有所謂傳統及前衛之分別，它們的音樂原則在一方占極其重要性者，在另一方往往不是那麼重要或不被接受。例如魏本、卡特、瓦瑞斯、米爾頓·巴比特等人對前衛領域有重要貢獻，但是，在此領域外就常常被攻擊。隨著時間，前衛的概念已經逐漸的被接受，兩個領域彼此之間的分野不再那麼壁壘分明，並且出人意表的，這些開拓性的技巧常常被流行音樂所引用：Beatles、平克·佛洛伊德、邁克歐·菲爾德、超脫樂團、電台司令等等耳熟能詳的歌星，還有許多電影使用的配樂。
必須注意的是，這篇文章僅僅提領出二十世紀音樂的大綱，所提到的音樂家在一個方面做出貢獻，並不代表他只在該領域發揮。例如史特拉汶斯基在他作曲家生涯的不同時期，他同時被認為是浪漫樂派、現代樂派、新古典主義、以及序列音樂的成員。
二十世紀的經濟和社會型態對音樂也有重大的影響力，世界在工業化時代有了逐漸進步的錄音和回放設備，從錄音帶到CD到DVD，有了廣播和電視，以及整個資本主義脈絡的內嵌。十九世紀的人大多自己創作音樂，或者在音樂會上聽到音樂。 1970年代出現的一種在出現的一種音樂形式，又譯作新紀母音樂（英語：New Age music），最早用於幫助冥思及潔浄心靈，但許多後期的創作者已不再抱有這種出發點。另一種說法是：由於其豐富多彩、富於變換，不同於以前任何一種音樂；它並非單指一個類別，而是一個范疇，一切不同以往，象徵時代更替詮釋精神內涵的改良音樂都可歸於此內，所以被命名為New Age，即新世紀音樂。

㈣ 西方音樂歷史進程

音樂是人類社會文化的重要組成部分。在人類童年時期，音樂已作為原始文化現象之一，伴隨人類社會的發展，歷經漫長的歲月，發展到如今高科技時代絢麗多姿的現代音樂，積累了豐富而寶貴的文化財富。
西方音樂是人類音樂文化的重要分支之一，在漫長的學習歲月中取得了輝煌的成就，為人類文化做出了寶貴貢獻。每一個專業音樂工作者都應當認真了解、研究西方音樂，以促進本國、本民族音樂的發展。因此，《西方音樂史》就成為音樂專業學生的必修課程之一。本書力圖全面、系統地闡述西方音樂文化發展的歷史進程與成果，使讀者得以了解不同歷史時期、不同國家、不同流派作曲家的音樂風格，熟悉他們的作品，擴大藝術視野，提高藝術鑒賞能力，從而提高我們的創作、演奏、演唱水平。
音樂史的學習，應在對不同時期社會背景深入了解的基礎上，作整體文化藝術氛圍的研究，把握其時代特點，進而了解不同音樂流派的風格特徵，以及具體作曲家、演奏家、演唱家的藝術風格。同時，應著重對不同時期、不同流派的承繼與發展關系進行研究，力求全面而系統地把握音樂藝術發展的歷史軌跡。學習音樂史，不應當僅僅從知識、理論方面死記硬背，而要在系統理論的指導下，選聽大量的音樂作品，務求在乎實際的科學論證和概括，具有很強的系統性。而以西方音樂斷代史的順序作為劃分情感論音樂美學發展歷程的順序，使更多的音樂學習者在原已熟知西方音樂史、音樂文化的基礎上通讀全書，就變得易讀、易懂。目前，國內有的音樂美學文章，把本來並不復雜的問題用一些生造的概念講得玄之又玄，令人費解，而《歷程》論述中並無此類，正如於潤洋先生在《歷程》的序言中所述：「作者的文風也是值得贊許的，在全書的論述過程中沒有著意製造新詞彙、新詞語，沒有生硬地套用時髦的新理論新概念，沒有令人費解的話語敘述方式，行文平實、樸素，清晰、明快，這樣的文風在今日是值得提倡的。」這正說明了《歷程》通俗性之所在。三、歷史性與邏輯性相結合在《歷程》的論述中，作者始終把歷史的視角放在第一位，以西方音樂文化發展的各個歷史階段為序，把西方情感論音樂美學放到一個廣闊的歷史文化中去，進而揭示出這種美學思想在不同歷史時期的真實面貌，並將歷史敘述與美學思辨相結合，這正是《歷程》的一大特色。維也納古典樂派創作主要貢獻在於對交響樂、協奏曲、室內樂等主要音樂體裁結構原則的確立上，以及強化和完善了建立在大小調體繫上的功能和聲系統，即他們的主要貢獻表現在對音樂形式要素的發展與完善方面。因此，一些持自律論音樂美學觀點的學者們將其奉為至尊，他們的作品也被視為自律論音樂美學的理想範本而同「絕對音樂」這一概念聯系在～起。更有一些學者把維也納古典主義音樂同18、19世紀的情感論音樂美學完全對立起來，人為地將二者樹立為兩種截然相反的音樂美學觀念的樣板。針對這種觀點，作者首先考察了古典大師們的生活環境，即以維也納為核心；其次考察了該地區的歷史文化背景，即當時在文學藝術領域掀起的一場反封建專制、批判宗教蒙昧主義的「狂飆突進運動「，進而指出「運動」所宣揚的資產階級人道主義世界觀、人生觀和藝術觀對包括音樂家在內的德國知識分子影響深刻，並通過對貝多芬青年時期在波恩大學旁聽哲學課程這一歷史事實來例證貝多芬是受「運動「思想影響者之一，再通過對其《第五交響曲》、歌劇《費德里奧》和《第九交響曲》等作品的分析來論證維也納古典樂派在音樂形式上所做出的貢獻，歸根到底是出於情感解放的需要，是為了使主體的情感表現在音樂藝術中獲得一種更為有效的手段：最後，指出：「從格魯克的歌劇改革到維也納古典樂派的音樂實踐，可以清楚地看到，啟蒙思想家的音樂美學思想在18世紀歐洲專業音樂的創作活動中得到了深刻的體現。傳統的情感論音樂美學在這一時期的書林漫步lBoWu最大特點是，在人性的一般觀念中融入了新興資產階級的自覺意識和民主思想。而這恰恰是使得這種美學觀念在音樂實踐中產生如此巨大影響的關鍵之所在。」鑊這些論斷充分體現作者在論述過程中把歷史性、邏輯性相結合，並在此基礎上得出結論，論點明確、論證充分、論據有力。此外，作者在第七章、第八章中，以現象學、美學、釋義學、當代心理學、社會學這些20世紀興起的新型學科為視角對情感論音樂美學作了再次的審視，並對馬克思音樂美學在音樂情感意義問題上的基本論點進行闡釋，這些都是《歷程》的閃光點，也充分體現出作者淵博的學識和敏銳的思辨力。《歷程》值所讀、值所學，筆者這篇小文正是讀後有感而成，作為一個音樂美學愛好者在認識中難免不足，只是希望與更多的讀者互勵互勉。參考j[1]邢維凱．《情感藝術的美學歷程》[H]．上海：上海音樂出版社，2004．[2]明言．《音樂批評學》[H]．北京：中央音樂學院出版社，2003．①邢維凱．情感藝術的美學歷程[H]．上海：上海音樂出版社，2004．pl②同上，p2③同上。p97陳林山東師范大學音樂學院研究生(責任編輯金兆鈞)

㈤ 西方音樂史的歷程

音樂的發展及評價
關鍵詞：英文流行音樂發展史 西方流行歌曲簡史
關於我們的調查

㈥ 西方音樂歷史一般以哪一時期為開端

西方音樂是16世紀末、17世紀初誕生於義大利的佛羅倫薩。由巴迪宮廷的卡梅拉塔會社（camerata，意為俱樂部或小集團）成員巴迪、溫琴佐.伽利萊伊以及佛羅倫薩學者梅在經過大量的對古希臘悲劇研究的基礎之上誕生的。 西方音樂史教學的具體內容主要包括三方面： 第一，西方音樂的歷史發展與沿革。如西方音樂內容與形式的演變史，西方音樂理論及各種音樂體裁的起源和發展過程；主要作曲家、演奏家的藝術生涯、作品風格特徵及其影響； 第二，西方社會政治、經濟、文化的歷史對西方音樂發展的影響，從音樂這一獨特視角反映西方文明的歷史進程及其人文精神的特徵。 第三，音樂的表現手法與音樂審美方法。如音樂欣賞的基本知識，音樂的構成要素及各種理論、流派等， 而發展經歷的時期入下：西方音樂歷史及音樂體裁的發展主要經歷了以下幾個階段：一、西方音樂的起源可以追溯到古代的美索不達米亞平原。起源時期的音樂，主要用於神廟祭祀、節日慶典，帶有明顯的宗教色彩。蘇美爾人、埃及人、希伯來人和古希臘人推動了音樂的發展。二、中世紀的前期和盛期這一時期主要是單音音樂時期，大致從公元600~1300年。三、「新藝術」時期公元1300~1450年，是中世紀向文藝復興過渡的階段。四、文藝復興時期1450~1600年，文藝復興的中心在義大利，但音樂中心卻在法國的勃艮第地區和佛蘭德。這一時期德國、英格蘭音樂的興起，羅馬教堂音樂的改革和威尼斯樂派的活躍使這個時期的音樂成就不遜於其他的藝術。五、巴洛克時期1600~1750年，從蒙泰威爾弟開始，到巴赫和亨德爾結束。巴洛克時代在西方音樂史乃至整個藝術史上都是一個十分重要的時代。巴洛克音樂氣度高貴、情調感人，內容比文藝復興時期更豐富 、更具戲劇性。歐洲音樂的許多重要體裁都在這一階段初步形成，如歌劇、組曲、奏鳴曲、協奏曲、清唱 劇、康塔塔(大型聲樂套曲)等都已具備了經典形式。音樂巨人巴赫、亨德爾則把巴洛克音樂推向了高潮。六、古典主義時期以恢復希臘、羅馬的古典風格為目的，主要放眼於追求客觀美的古典主義音樂，在維也納形成了氣候，海頓、莫扎特、貝多芬三位音樂家的傑出之作讓音樂史為之一振。這一時期成為器樂的 黃金時代，鋼琴曲、小提琴協奏曲的創作層出不窮，奏鳴曲式的確立被認為是這一時期成就的代表。七、浪漫主義時期浪漫主義樂派是人類藝術史上的一大「寶庫」。這一時期不但盛產偉大的音樂家,而且音樂體裁空前廣泛，出現了諸如無詞歌、夜曲、藝術歌曲、敘事曲、交響詩等新穎、別致的形式。這 種更注重音樂內容的音樂流派，使一些非音樂因素成為音樂的主宰。浪漫主義音樂經過門德爾松、舒曼、肖邦和威爾弟等人的完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格納的時代達到了巔峰。八、新音樂這是20世紀音樂的統稱。和其他藝術一樣，音樂開始出現多種流派百花齊放的局面。音樂創作的保守與創新兩派在音樂文化發達的德國、俄國、英國、美國等地相互競爭，這在一定程度上促進了音樂的繁榮。但在50年代後，隨著電子音樂和計算機等的高新技術的出現，音樂家們都希望在音樂新一代的音樂語言、節奏的發展上找到共同點，重塑作曲家角色及音樂藝術的本質。

㈦ 求西方音樂發展的歷史

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㈧ 歐洲音樂發展史

歐洲音樂
概述：
歐洲大陸有四十多個國家，七億多人口，七十多個民族。按地理劃分，可分為南歐、西歐、中歐、北歐和東歐五個地區。
歐洲民族民間音樂和世界其他地區一樣，同樣是音樂家們創作的源泉。歐洲的藝術音樂（專業音樂家創作的而音樂）在近幾個識記得到高度發展，幾代音樂大師們創作了大量體裁多樣、章法嚴謹、內容豐富、思想深刻、極富表現力和感染力的音樂作品。尤其是浪漫注意音樂和民族樂派音樂大量吸收、運用了歐洲民族民間音樂的素材。一些民間舞曲也被大師們採用創作出數不勝數的名曲。而一些專業作曲家創作的通俗性音樂又經常由民間歌手和民間樂隊表演。
歐洲民間音樂的特徵：音階呈多樣化，主要是七聲音階；除東歐的節拍比較復雜外，其他地區大多採用均分節拍；歌曲多採用分節歌結構。
歐洲不同地區、國家中常見部分相似的歌曲旋律，這是中世紀再歐洲漂泊的游吟歌手為統一的歐洲文化做出的貢獻。歌曲體裁主要有敘事歌、愛情歌曲、節慶歌曲（包括宗教節日和世俗慶典）等，種類繁多的樂器和器樂曲也是歐洲民間音樂的重要組成部分；較具特色的有蘇格蘭的風笛、義大利的曼陀林和羅馬尼亞的排簫等。

發展前期:
統治中世紀(即從475年西羅馬帝國滅亡,歐洲封建社會建立開始,至文藝復興以前的一段"黑暗"時代)歐洲意識形態領域和一切藝術的是基督教.那時唯一合法的、正統的音樂形式是起源於四、五世紀的聖詠（chant），包括佔主導地位的格 里高利聖詠和更古老的安布羅西聖詠（後者至今仍在米蘭的教堂中使用）。這種純粹宗教用途的音樂只限於在教堂中由唱詩班演唱，沒有樂器伴奏，是純粹的單音音樂（不分聲部，大家都唱一樣的旋律），分為利底亞、弗里幾亞等四種調式及其變格調式。
一開始歐洲還沒有合適的記譜法，只能採取口耳相傳的方法記錄流傳音樂文獻。後來最早的記譜法「紐姆譜「發展出來，但只能用簡單的線條暗示音的長短高低。總的來說，中世紀歐洲音樂與其它藝術一樣遭到壓制，但在虔誠的宗教信仰激勵下音樂家們（那時都是教士）創造了不少優秀的聖詠精品，難怪前幾年有一張聖詠唱片（由西班牙一個修道院的修士演唱）在Bill Board排行榜上名列前茅數月之久。單聲的聲詠後來開始在旋律線下方四度加上平行的旋律線，形成了最早的和聲。
發展歷史:
1450年至1600年--文藝復興
十四、十五世紀羅馬教庭在與世俗君主的政治斗爭中多次被挫敗，威信與勢力開始衰落；同時歐洲一些地區如義大利日益繁榮的貿易和手工業造就了最早的資產階級和金融貴族，城市經濟的發展產生了大批的市民。他們迫切要求有為自己服務的藝術形式，反對教會的束縛，宣揚以人而不是以神為本的人文主義。於是在文學、建築、美術也包括音樂領域里展開了轟轟烈烈的文藝復興運動。
音樂史上的文藝復興起始於1450年左右。那時一批有才華的音樂家雲集在勃艮第（相當於今天法國北部、比利時一代）宮廷，顯示出一派歌樂昇平的氣象，被稱為「法蘭德斯樂派」。此時音樂家們主要使用一些日益改進的弦樂器如詩琴 ，音樂內容開始涉及世俗生活，記譜已經使用點線組合的形式，稱的上是今天五線譜的鼻祖，到十六世紀中後期開始使用四線、五線譜記譜，教會調式逐步解體，大-小調體系逐漸形成。
宗教音樂也繼續發展。一個重大事件是馬丁·路德的宗教改革，宣揚人人皆可憑借虔誠信仰與上帝相通。路德創造了眾贊歌這一群眾化的音樂形式，由教徒在禮拜儀式上自行演唱。同時，羅馬教庭為了對抗宗教改革，力圖強化聖詠在宗教音樂中的統治地位。帕萊斯特里那發展了織體復雜的多聲部聖詠，把這一體裁推向了發展的高峰。
1600年至1750年--巴羅克時代
巴羅克時代是歐洲音樂大發展的時代.在這150年的歷程中,歌劇、協奏曲、奏鳴曲等題材相繼被創造發展出來。
1750年至1827年--古典時期
1750年巴赫逝世後歐洲復調（即由多個並行發展的旋律線交織成復雜的織體的作曲手法）後繼無人，樂風轉向簡潔實用的主調（即旋律+和弦的作曲手法）。 在這個時代大顯身手的是維也納古典樂派的三位大師：海頓（交響樂之父）、莫扎特（音樂神童）、貝多芬（樂聖）。在歐洲啟蒙運動和大革命的洗禮中，歐洲音樂的主題從延續近千年對神的虔誠轉移到對理性的崇尚上來，使得古典時期的 作品具有豐富的哲理內涵。
1827年至19世紀末--浪漫主義時期
1827年貝多芬的逝世結束了嚴謹的古典主義時期。此時的歐洲文化正經受浪漫主義潮流的洗禮。這一時期的作曲家把作曲作為抒發自我感情的手段，作品中體現出他們內心中豐富復雜的感情。這一時期還涌現出一大批演奏家，如帕格尼尼、李斯特等，多以輝煌的炫技手法給人以強烈的審美沖擊。十九世紀中後期隨著歐洲民族主義思潮的抬頭，一些民族國家開始有了用自己民族音樂語言進行創作的音樂家如芬蘭的西貝柳斯、挪威的格里格、俄羅斯的強力集團等，可稱之為民族樂派。
19世紀末至20世紀初--印象主義潮流
音樂上的印象主義與繪畫上的印象派或有相通之處--都十分注重色彩(盡管音樂色彩和顏料的色彩不同)和外界景象在藝術家本人心中的印象.德彪西和拉威爾是此派的代表人物。
20世紀--多元化的發展趨勢 20世紀西方音樂發展方向多元化。
影響較大的有本世紀初勛伯格的十二音體系和斯特拉文斯基的新古典主義等。勛伯格的十二音作曲法徹底廢棄了統治歐洲音樂近400年的調性體系，十二個音有同等重要的地位，這一體系為他的弟子貝爾 格所繼承。斯特拉文斯基的新古典主義崇尚復調和對位法，在調性方面採用多調性，並不象勛伯格的無調性走的那樣遠。 本世紀特別是戰後西方音樂發展流派眾多，如無聲音樂、雜訊音樂、微分音樂等，電子合成器等新的技術手段更為標新立異的音樂家們提供了新的武器。西方音樂發展潮流日益多元化。